Без лишних предисловий давайте посмотрим, что там выкатила на свет хайп-машина Polyphia после довольно долгого перерыва – «New Levels New Devils» вышел аж 4 года назад (уже?!).

Сингл с нового альбома - «Playing God» - был выпущен в мае этого года и за это время он победным маршем прокатился по общественности и забрался во многие плейлисты, поскольку он очень хорош. Тут и потрясающая техничность, и запоминающаяся, несмотря на сложность, мелодика, и грамотное сочетание жанров, образующее действительно сочный фьюжн. Для меня даже было каким-то отдельным извращенным удовольствием посмотреть реакции на YouTube на этот трек (уж простите мне это guilty pleasure). Этот сингл внушал надежды, что весь альбом будет в таком духе. Однако по мере течения его хронометража мои брови сводились всё уже в недовольной и недоумевающей гримасе.

Первое, что бросается в глаза – какое-то странное бесформенное 3D-нечто на обложке. Ну а далее, конечно, музыка. Polyphia, как и все, кто эксплуатирует в своей музыке элементы джаза, могут звучать одновременно и легко, и тяжело. Предыдущие альбомы, где американцев еще можно было характеризовать как эдакий инструментальный прогрессивный джаз-фьюжн с элементами электронщины, имели довольно низкий, так скажем, порог вхождения. Музыка хоть и была закрученная и витиеватая, но, тем не менее, имела четкую структуру, лейтмотивы и все прочие атрибуты, необходимые для застревания в голове. «Remember That You Will Die» же, кроме вышеупомянутого сингла, «Chimera» и «ABC», являющегося неким закосом под k-pop, не запоминается вообще ничем даже после нескольких прослушиваний. Большая часть треков нового альбома будто начинается из ниоткуда и заканчивается ничем, успев только утомить за свою короткую продолжительность своими хаотичными нагромождениями. Немного стройности в треки привносит вокал приглашенных исполнителей, но не всегда.

Я бы предположил, что Polyphia на этом альбоме обкатали схему, которую можно назвать «Как хайпануть с вероятностью 100%». Посудите сами, клипы на половину треков – чек, коллабы с хип-хоп исполнителями – чек, закос под k-pop, являющийся популярнейшим нынче жанром – чек, олдовым рокерам тоже попытались угодить коллабом со Стивом Ваем, ну и в целом американцы довольно далеко зашли в интеграции элементов хип-хопа и электроники. Плюс довольно активная деятельность лидера группы в соц. сетях, в том числе, на YouTube. Конечно, никто их не обвиняет в том, что они решили всерьез взяться за «прокачку» своей популярности, однако на их музыке это, по-моему, отражается довольно плачевным образом.

В целом музыкальное наполнение альбома довольно точно характеризуется его обложкой – невнятное, искусственное, неживое нечто, слушать которое довольно тяжело. Кроме «Playing God» - это крутой трек, и еще пары более-менее удачных номеров.

Whiterey   3 ноя 2022

Отрадно видеть, что группы, которые и без того были хороши, продолжают свое планомерное развитие. И немного грустно, что в случае с White Ward фидбэк становится обратно пропорционален качеству записей. Так или иначе, их новый альбом продолжает исследовать «околоэкспериментальную», так сказать, направленность. «Околоэкспериментальность», в отличие от экспериментальности, которая не имеет рамок и может заходить в любую область и сочетать любые жанры и настроения, для меня в данном случае означает, что группа хотя и использует в своей музыке атрибуты разных жанров, но все эти жанры по своему тону и по своему настроению находятся примерно в одной палитре. То есть никаких тут вам чиптюнов, восточных свистелок-дуделок, электронных битов и т. д.

Во-первых, стоит отметить, что концепция звучания, которая была сформулирована группой еще на «Futility Report», спустя два альбома приобретает всё более красочную узорность. Прежде всего, это работа с основным жанром – пост-блэком и интеграциями в него саксофона. На прошлых альбомах иногда ловил себя на мысли, что самыми яркими моментами в некоторых треках являются именно фрагменты с саксофоном и что слушал некоторые из треков именно ради этих фрагментов, а остальную их часть, можно сказать, просто пережидал, а сами фрагменты с саксофоном были не такие частые, как хотелось бы. На «False Light» же такой проблемы нет. Основа звучания – пост-блэк – приобрела бОльшую событийность и разнообразие, а саксофон звучит при каждом удобном случае, что заставляет воспринимать его не как инородный элемент, вплетенный для экзотичности, а как органичную и полноценную часть общего полотна.

Динамика в целом стала более сбалансированной, чем на предшественниках. Переходы от дарк-джаза и других акустических моментов к тяжелым стали более плавными и не заставляют вздрагивать, как это было у меня на «Love Exchange Failure» поначалу. Дарк-джазовые фрагменты, кстати, вполне могут по своей атмосферности посоперничать с профильными исполнителями.

Кроме того, наконец-то группа нашла удачное расположение вокала в общем миксе. На предыдущих альбомах вокал грешил тем, что, на мой вкус, выпирал на фоне других инструментов. Также вокал стал более выразительным и перестал вызывать ощущение чтения скороговорки, о чем я говорил в рецензии на «Love Exchange Failure».

Теперь, собственно, о тех самых «околоэкспериментах». Помимо общей прогрессивной структуры музыки с вплетениями уже привычного для группы дарк-джаза, музыканты попытались осторожно интегрировать в свою музыку элементы пост-панка, готик-рока и даже какие-то отголоски нуарной электроники а-ля Perturbator образца 2016 года в конце «Phoenix». В этой связи примечателен трек «Salt Paradise», звучащий как раз, как мне кажется, на стыке готик-рока, дарк-джаза и даже чего-то похожего на дарк-кантри. «Salt Paradise», кстати, возможно является идейным продолжателем «Surfaces and Depths» с прошлого альбома – это лишенный тяжелого звучания трек с приглашенным вокалистом. Также нотки готик-рока и пост-панка иногда проскакивают в некоторых других треках, однако зачастую они настолько мимолетны, что иногда непонятно зачем они вообще нужны. Будто интересные задумки с заходами в другие жанры бросались на полпути или музыканты были не уверены, что они будут слушаться органично, и тем самым прощупывают почву. Впрочем, и отторжения они тоже не вызывают.

Группа попыталась интегрировать в свое звучание другие мрачные и холодные жанры, и можно сказать, что в целом задумка удачная, нужна лишь более смелая реализация. Как итог – сильный альбом, наглядно показывающий возросшее мастерство музыкантов и в техническом плане, и в исполнительском, и в плане сонграйтинга.

Whiterey  16 сен 2022

Бывают такие моменты, когда не хочется ни замороченных аранжировок, ни красивых соло, ни вычурных пассажей, ни сложных риффов. Но послушать при этом что-то всё равно хочется. Тогда на помощь приходят альбомы, подобные «The Burden of Restlessness» американцев King Buffalo. В иной ситуации я бы, возможно, счел материал скучным и безыдейным, но так вышло, что я наткнулся на этот альбом, будучи в подходящем настроении.

Музыка на «The Burden of Restlessness» проста, как две копейки, но своей простотой она и цепляет. За исключением некоторых относительно динамичных моментов, она звучит очень гипнотично и расслабленно, если не сказать лениво. Такое звучание создается, в первую очередь, тем, что музыка буквально полностью строится на среднетемповых мягких грувовых последовательностях, часто состоящих чуть ли не из трех нот. Грув и гипнотичность обеспечиваются ритм-секцией, которую можно назвать как раз таки основой музыкального полотна этого альбома. Гитара же будто играет второстепенную роль. Как и вокал, успокаивающе монотонно напевающий что-то себе под нос и не утруждающий себя какими-то разнообразными партиями. Он целиком подчиняется тому медитативному вайбу, который создает инструментал, лишь иногда повышаясь в динамике.

Это, в общем-то, всё, что у меня есть сказать об этом альбоме. Ни на что не претендующая, приятная работа, подходящая для ленивого настроения.

Whiterey  11 дек 2021

«Of Breath and Bone» до сих пор является одним из моих любимых альбомов не только среди работ Be’lakor, но и вообще, а к тому же и первым услышанным у этой группы, поэтому ничего не могу с собой поделать – использую его как точку отсчета при оценке как последующих, так и предыдущих альбомов Be’lakor.

Как я уже отмечал в рецензии на «Of Breath and Bone», «Vessels» был, по моему мнению, не самой удачной попыткой австралийцев уйти в сторону прогрессивности. Да и звук там был значительно хуже, чем на его предшественнике. Будто музыканты сами толком не понимали в каком направлении они хотят двигаться. Этим, наверное, можно объяснить такую долгую паузу между релизами – целых 5 лет.

«Coherence», видится мне, однозначно демонстрирует, что Be’lakor мигрировали из стана МДМщиков, в котором они и раньше-то находились с большими оговорками, в стан прог-дэтстеров. Ведь здесь есть весь джентельменский набор признаков, позволяющих выявить прогрессивность: это и продолжительность треков, и событийная насыщенность, то есть смены динамики, темпа и ритма внутри одного трека, а также отсутствие стандартных музыкальных форм. В плане, кстати, событийной насыщенности треков Be’lakor явно продвинулись вперед, если сравнивать с предыдущими работами. Если на том же «Of Breath and Bone» каждый трек хотя и содержал большое количество цепляющих мелодий, но в целом альбом звучал довольно ровно, то «Coherence» выгодно отличается именно разнообразием динамики, темпа и ритма: от скоростных «стен звука» до мелодических проигрышей на акустической гитаре и фортепиано. И я не говорю, что на предыдущих альбомах всего этого не было, я о том, что «Coherence» использует и чередует эти приемы более часто и охотно.

При этом, как и раньше, основной боевой единицей Be’lakor является мелодика. Можно предположить, что люди по инерции относят Be’lakor к МДМ, потому что их музыка всегда очень мелодична. Кроме того, то тут, то там можно усмотреть чисто МДМовские фишки, как, например, в самом начале «Foothold». С учетом вышесказанного о прогрессивности я бы сказал, что «Coherence» сочетает в себе лучшие элементы МДМ и прог-дэта. Каждый трек на альбоме изобилует разнообразными мелодиями, которые, несмотря на большое количество, легко запоминаются, из-за чего потом некоторое время еще ходишь и мычишь их под нос.

По итогу, используя мерило, обозначенное в начале текста, я могу сказать, что группа заметно эволюционировала и отточила свою, не побоюсь этого слова, особую манеру исполнения.

Whiterey   6 дек 2021

Странная штука: технодэт, как известно, жанр не самый простой для восприятия, долгое его прослушивание утомляет, но некоторым его представителям удается исполнять его таким образом, что он звучит очень плавно, если не сказать мягко, несмотря на внешнюю жесткость. И вот как раз умение выстроить эти витиеватые американские горки скоростных пассажей и риффов таким образом, что ты не проблевываешься после очередного поворота, а, задрав руки вверх, с улыбкой до ушей наслаждаешься каждым зигзагом, по которому проносят тебя эти горки, и отличает, как мне кажется, музыкантов, которые по-настоящему понимают этот жанр и умеют его сочинять. На технодэт часто справедливо вешают ярлык «скорость ради скорости». И действительно, не счесть одинаковые кашеобразные работы, которые будто созданы с единственной целью – показать слушателю «смари че могу». Причина популярности Archspire, думаю, как раз в том и состоит, что люди услышали в их музыке не только высокий уровень мастерства исполнения, но и то самое понимание технодэта.

Альбом с первых секунд срывается с места, как автобус «Ночной рыцарь» из «Гарри Поттера», закручивая слушателя в урагане своего фирменного пулеметоподобного вокала и вьющихся вокруг него хитросплетений инструментального обрамления. Как отмечалось многими еще касательно предыдущих альбомов, музыка Archspire имеет во многом неоклассическое построение. Нашлись даже умельцы, которые аранжировали треки с альбома «Relentless Mutation» на оркестровый лад. Здесь я лишний раз обращаю на это внимание, потому что, если можно так сказать, в неоклассичности новый альбом прибавил еще больше, а также стал еще более гармоничным и мелодичным. В частности, это выражается в большем, по сравнению с предшественниками, числе мелодичных «чистых» проигрышей. Уже первый трек может похвастаться аж двумя такими, приятно разбавляя основной, так сказать, уровень динамики. В этом же треке позабавил момент с использованием излюбленного в современной популярной музыке ритмического вокального приема (с 1:39). Соло также стали более мелодичными. «Drain of Incarnation» - мой фаворит на альбоме - помимо наличия минутного красивейшего вступления на неперегруженных инструментах, чуть ли не на половину состоит из гитарных соло. Проходных вещей на альбоме нет, в том числе, по причине традиционно небольшой продолжительности работ Archspire. Каждый трек – плотный концентрат всего, за что уважают эту группу.

Стоит также отметить, что над визуальным оформление снова поработал один из самых интересных и узнаваемых, по моему мнению, современных оформителей экстремальных релизов – немецкий художник Eliran Kantor.

Archspire, еще на прошлых альбомах убедительно показавшие, что они – виртуозные музыканты, сумели не только не уронить свою высокую планку качества, но и, как мне кажется, заметно вырасти во всех аспектах своего творчества.

Whiterey   4 ноя 2021

В 2018 году парни из Rivers of Nihil выпустили один из лучших альбомов того года, что было отмечено многими рецензентами, в том числе и на старом добром Дарксайде. После выхода «Where Owls Knows My Name» я, как и многие, стал отслеживать жизнедеятельность этой группы. Так уж часто бывает, что ложкой дегтя любого хорошего произведения искусства, будь то музыка, фильм, книга, игра и т. д., можно назвать завышенные ожидания аудитории к дальнейшему творчеству автора этого произведения, ведь люди ждут от него чего-то еще более крутого, и часто разочарование ударяем им по лицу, как попавшиеся под ногу грабли. К счастью, вышедшие в качестве синглов «Clean» и «Focus» уже внушили определенную уверенность в том, что материал будет, как минимум, достойным. И к еще большему счастью, я ошибался, ведь материал вышел гораздо более чем достойный.

Синглы и обложка сразу недвусмысленно представили слушателю концепт альбома, который и назвали довольно лаконично – «The Work». Этот альбом как своеобразный блюз, одной из основных тем которого, как известно, являются трудности, связанные с отягощающей и нелюбимой работой, доводящей до физического и эмоциональное измождения. Страх и навязчивое чувство того, что всё что ты делаешь есть пустая и бессмысленная трата времени – также можно назвать лейтмотивами лирики альбома.

Музыкально же перед нами те же Rivers of Nihil, которые были на «Where Owls Knows My Name», но на этом альбоме они углубили и отточили свою манеру исполнения. Несмотря на то, что музыканты активно пользуются всеми приемами, характерными для прог-дэта, звучат и ощущаются они, тем не менее, очень самобытно. Правда, иногда напрягают своей внезапностью смены слишком контрастных по динамике отрезков. Но это проблема скорее микса, чем самих композиций. Вышеупомянутая самобытность Rivers of Nihil заключается главным образом в атмосфере, которую создают сочетания яростных металлических моментов и, так скажем, неметаллических моментов, спектр которых заслуживает отдельного внимания. Например, альбом начинается, можно сказать, с дарк-джаза, настроение которого очень подходит ладу пластинки. Вообще саксофон здесь, как и на прошлом альбоме, стал аппетитно поблескивающей вишенкой, периодически привнося в музыку свое мягкое и драматичное звучание, которое иногда даже пробивает меня на скупую слезу. Также с точки зрения неметаллических моментов интересен третий номер альбома – «Wait», начало которого напомнило мне небезызвестную «Rabbit In Your Headlights», а концовка сыграна чуть ли не в альт-роковом ключе. Также очень интересное динамическое решение можно встретить в «Clean», где во второй половине во время атмосферного проигрыша на синтезаторе продолжает приглушенно звучать экстрим-вокал. Далее, «Maybe One Day» приятно удивляет звучанием, напоминающим инди-рок. В ней даже небольшое повышение динамики в сторону металла с отдаленно раскатывающимися раскатами гроула не меняет общий светлый и полный надежды настрой песни. Необходимо при этом отметить, что и металлические моменты могут предложить определенное разнообразие. Помимо названных яростных запилов, можно отметить уже упомянутую «Clean» с ее думовым лейтмотивом. Местами также можно почувствовать и блэковый привкус, хотя и мимолетный. Заключительный же трек «Terrestria IV: Work» в определенный момент создавал впечатление того, что слушаешь какое-то из творений Дэвина Таунсенда с его излюбленными галопирующими ударными, внезапными сменами ритма и электронными эффектами, ведущими расплывчатую мелодию.

Чуть не забыл сказать пару слов про вокал. Если группа использует как экстремальные техники, так и чистый вокал, то часто бывает, что либо одно, либо другое очень сильно хромает и отбивает желание слушать группу в принципе. У Rivers of Nihil же со всеми аспектами вокала полный порядок: эксnрим-вокал надрывной и эмоциональный, чистый – лиричный и приятный.

Все названные моменты, смешиваясь, звучат очень захватывающе и кинематографично. Даже не понимая текстов, можно легко представить себе сюжет альбома, перемены настроения легко считываются. Как итог – зрелая и мастерская работа, достойная всяческих похвал и высокого места среди работ в схожем жанре.

Whiterey  24 окт 2021

Выпустив «Infinite Granite», Deafheaven пополнили обширный список групп, сменивших свое звучание в сторону облегчения. Этот список настолько обширный, что иногда такое развитие событий кажется закономерностью. Считать такие перемены эволюцией или деградацией или чем-то еще – дело каждого конкретного слушателя. Я в случае с Deafheaven склоняюсь скорее к первому. По какой-то причине эта группа приобрела большую (для блэка) популярность (чье-то лицо после использования мной «блэк» применительно к этой группе наверняка скривилось в гримасе), которая, как всем известно, измеряется количеством роликов с реакциями на YouTube, а с ней и довольно противоречивый статус. Для меня до сих пор остается загадкой, почему, казалось бы, не самая выдающаяся группа, исполняющая post black, стала если не флагманом этого направления, то, как минимум, его значимым представителем, заодно и перетягивая на себя большую часть негатива, направленного от труъ-блэкарей на post black как таковой.
Заслушав этот альбом, недоброжелатели, наверное, сочли, что наконец-то уличили Deafheaven в том, что те по своей сути никогда не имели отношения к блэку: «Вот она – их суЧность!». Я же, как человек, никогда особо не увлекавшийся этой группой, с удивлением обнаружил, что альбом «Infinite Granite» открыл для меня Deafheaven по-новому. Теперь это легкий и воздушный шугейз, написанный, сыгранный и спродюсированный настолько аутентично для этого жанра, что кажется, будто группа только сейчас нашла свою стезю, свой жанр, в котором им комфортно. Альбом создает настроение задумчивой созерцательности, светлой грусти, ощущение теплоты – «ламповости», как выражаются в интернетах. Этому способствует и минималистичное оформление альбома в спокойных оттенках синего. Есть, конечно, и довольно трагические номера, как «In Blur». Кстати, лучшая на альбоме, как по мне. Есть в ней какое-то…драматическое величие, если можно так выразиться.
Каждая песня изобилует эмоциями, воплощенными в размытых экспрессионистских мазках переливающихся гитарных мелодий, атмосферных электронных эффектах, мягких, почти джазовых, ударных и лирическом вокале Джорджа Кларка, который играет далеко не последнюю роль в создании той меланхоличной атмосферы, о которой говорилось выше. Однако блэк-металлические средства выразительности всё же нашли место и на этом альбоме, при этом они не выглядят чем-то посторонним. В заключительной «Mombasa» они хорошо работают на создание эмоционального кульминационного накала.
Этот альбом не пытается избавиться от грусти, он ею будто наслаждается – это иррациональное чувство наверняка многие за собой замечали. Кто как, а я не расстроюсь, если Deafheaven сохранят такое звучание на будущих альбомах. Шугейз, на мой взгляд, им удается куда лучше, чем пост-блэк.

Whiterey   2 окт 2021

Gojira – одна из тех групп, на которые наиболее часто делают ролики с реакциями на Ютубе (не спрашивайте откуда я это знаю). И неспроста, ведь эти французы всегда отличались очень интересной музыкой, в которой с первых лет существования группы отчетливо начал читаться их фирменный почерк. Умением звучать просто и одновременно сложно они напоминают мне Tool. Обе команды никогда особо не заморачивались по поводу техничности и, так скажем, количества используемых нот, но при этом обе - мастера в выстраивании захватывающих ритмических структур и грува, в чем чуть ли не главную роль играет монстр за ударной установкой что у тех, что у других. Ведь не зря трек «The Art of Dying» в шутку называют «The Art of Drumming», а интернет изобилует записями с концертов Tool с фокусом именно на игре Дэнни Кэри.
«Magma» в свое время вызвала очень неоднозначную реакцию, ведь звучание стало легче и уже не напоминало громоподобную поступь Годзиллы, идущего проучить грязных людишек беречь Родину-мать. По мнению некоторых, Gojira и вовсе стала попсовой, но таких обвинений не избежала, наверное, ни одна метал-группа. «Magma» - альбом более спокойный, даже где-то меланхоличный и отдающий некоторой усталостью. И действительно, между ним и «Fortitude» рекордный для Годжиры промежуток времени.
И вот, видимо, отдохнув, французы разродились новым полновесом, на котором они, очевидно, попытались вернуться к прежнему звучанию. В общем-то, я считаю, вполне удачно. Альбом с порога встречает слушателя богатым на события треком с традиционными для Gojira замороченными ритмическими рисунками, да и вообще первая песня является одной из лучших на альбоме, по моему мнению. «Amazonia» порадовала сходством с Sepultura, которое не отметил разве что только ленивый. Когда вышел этот сингл, я подумал, что было бы круто в целом на альбоме услышать влияние легендарных бразильцев, но, к сожалению, это была, как говорится, разовая акция. А может и к счастью, это уж для кого как. В дальнейшем же альбом состоит по большей части из типичных (в хорошем смысле) для группы треков, каждый из которых звучит мощно и драйвово, с узнаваемой яростью. Вместе с тем, мне показалось, что группа в целом в своей дискографии злоупотребляет таким гитарным приемом как скрежет (или как он там правильно называется?), из-за чего первые 20 секунд закрывающего трека «Grind» звучат как-то несуразно, при том, что в целом-то трек вполне себе крепкий. Почему мне бросилось это в уши именно в этой песне, сказать сложно.
Не могу не отметить две песни, которые будто были написаны для «Magma» или, может, вскоре после его выхода: «The Chant» и «The Trails». В окружении традиционных годжировских боевиков эти две песни смотрятся очень хорошо, позволяют немного передохнуть. «The Chant» же и вовсе приятно удивляет будто бы случайно попавшими на территорию Годжиры и загулявшими там солячками.
В общем, перед нами еще одна пусть не выдающаяся, но хорошая глава в истории по-прежнему отличной группы. Думаю, альбом достоин оценки 7,5, но за неимением возможности такую поставить округлю до 8.

Whiterey   1 май 2021

Старичкам сейчас, думаю, очень тяжело выпускать новую музыку. Причины тому могут быть самыми разными: продолжительная работа в одном и том же жанре, следствием чего может стать ярлык «исписались»; физическая усталость от тяжелого образа жизни музыканта; сложность того, что называется «идти в ногу» со временем, и т.д. У каждого конкретного музыканта или группы набор проблем, конечно, различный. Однако я, как, думаю, и многие, заметил такую тенденцию: если речь идет о какой-то старой уважаемой группе, то большинство людей разделяется на два лагеря. Одни, сильно занижая ожидания, строят свое отношение на мысли о том, что раз группа старая, то наверняка исписалась, да и вообще что еще могу сказать эти старперы? Одним словом, уже неактуальны. Вторые же, напротив, думают, что раз группа старая и уважаемая, то и выдать должны очередной шедевр, ведь такое количество опыта за плечами и т.д. То есть ожидания в данном случае завышены. Возможно, такое разделение мне лишь кажется.
Хочется также отметить следующий момент. Грань между оценочными суждениями «выполнено в лучших традициях» и «банально», «тривиально» до того тонка, что иногда сложно определиться в своем отношении. Такая дилемма как раз часто возникает, когда пытаешься оценить работы старых групп или работы новых групп, подражающих старому звучанию, или когда смотришь свежий боевик и т.д.
В случае с новым альбомом Testament такая дилемма тоже, конечно, возникла, особенно опасения внушил первый сингл «Night of the Witch», который звучал довольно блекло, но последующий сингл «Children of the Next Level» вернул немного оптимизма, поэтому альбом я встречал с умеренными ожиданиями.
«Titans of Creation» очень быстро доказал мне, что музыканты по большей части смогли избежать заезженности и тривиальности звучания. Вышла зрелая и выверенная работа, почти каждая песня изобилует качевостью и энергией. В композиционном плане, конечно, ничего особенного, но всё сделано в тех самых «лучших традициях». Скоростная агрессия трэш-метала – на месте, хуковые риффы с ощутимым рок-н-ролльным привкусом и нотками дэт-метала – на месте (приятно удивило заигрывание с блэком в «Curse of Osiris»), отличные технично-мелодичные соло – check, а также мощнейший вокал Чака Билли, которого я всегда считал лучшим вокалистом в трэш-метале – check. И все эти составляющие поданы с прекрасным качеством записи и сведения, всё звучит объемно и сочно, инструменты отлично прослушиваются. Кроме того, считаю невозможным пройти мимо альбома с такой шикарной обложкой.

Whiterey  24 окт 2020

Alestorm, выбрав для себя пиратскую тематику, которая отражается и в звучании, и в текстах, и в обложках, и в костюмах музыкантов, обрекли себя на неизбежное болезненное столкновение лбом с рамками жанра, за которые они не смогут выйти, не перекроив полностью всю свою концепцию. Чем, конечно же, вызвали бы гнев фанатов, которые и полюбили Alestorm за тот образ, который у них существует сейчас. Сидеть в «клетке» своего жанра с достоинством, не скатываясь в самоповторы и клише – задача очень сложная. Вот и получается, что на выходе за границы жанра музыкантов ждет недовольство фанатов, а в этих самых границах – творческий кризис. Вот и приходится музыкантам ограничиваться мимолетными вставками в стиле дэт, трэш, ну и иногда мелькают 8-битные вставки. Беря аналогию из этого самого альбома: за пределами твоего корабля – бескрайнее море, а на твоем кораблей тебя сожрут твои же товарищи по команде, ставшие зомби.
Кризис идей, по моим ощущениям, стал явно заметен у группы на прошлом альбоме. На «Curse of the Crystal Cocount» же и вовсе сложно отыскать хоть что-то интересное. Складывается ощущение, что слушаешь тот же самый альбом уже в шестой раз: все те же мелодии и риффы, но перелопаченные ради приличия. Это напоминает дипломную работу, когда студент берет готовый материал и перефразирует, чтобы выдать за что-то свое и новое. А иногда в уши и вовсе врезается отвратительный так называемый «крик миллениала» (на «Treasure Chest Party Quest», «Fannybaws», например - уже на первых двух песнях!). Бывшая когда-то очаровательной несерьезность подачи и общего настроя стала теперь как-то раздражать, особенно в этой неуклюжей попытке закосить под хип-хоп на «Tortuga» (а ведь это удалось гораздо лучше на кавере «Hangover» Taio Cruz с альбома 2014 года). Но справедливости ради стоит отметить парочку более-менее удачных песен: «Zombies Ate My Pirate Ship» и «Wooden Leg Part 2 (The Woodening)». Касательного «Wooden Leg Part 2 (The Woodening)» стоит сказать, что такие ставшие традицией для Alestorm эпические и относительно продолжительные номера удаются группе по-прежнему хорошо. Хорошо хотя бы потому, что группа позволяет себе на них хоть немного экспериментировать.
По итогу, за 6 альбомов гордый и грозный корабль Alestorm порядком поизносился, все прочие обитатели морей давно знакомы с тактикой его команды, поэтому от былого величия остался лишь Shit Boat.

Whiterey  30 май 2020

Завидев недавно в ленте новостей Be’lakor, я уже обрадовался, подумав, что наконец-то они сподобились на что-то свеженькое, однако, как и многие, расстроился, увидев лишь лирик-видео на песню с альбома 2016 года. Дабы удовлетворить внезапно возникшее желание послушать их, я решил повспоминать их прошлые альбомы. И за прослушиванием я в очередной раз убедился, что "Of Breath and Bone" - их лучший, по моему мнению, альбом.
Без лишних долгих вступлений альбом начинает свое повествование на "Abeyance" и очень ровно звучит в том же ключе до самого конца с небольшим, разве что, c перерывом в "To Stir the Sea". До того ровно, что при невнимательном прослушивании может создаться ощущение, что играет одна и та же песня. В иной ситуации я бы посчитал это минусом, но не в данном случае. На этом альбоме всё звучит так, что своей размеренностью и монотонностью успокаивает и навлекает какую-то умиротворенную задумчивость и светлую грусть. Эта плавность звучания выражается в нескольких аспектах. Во-первых, звучит альбом очень мягко. Так и вертится на языке слово «зефир». Поэтому здесь хочется провести параллель с атмосферным блэком. Такое сходство также напрашивается, если обратить внимание на игру ударных: барабанщик не балует слушателя разнообразием партий и почти постоянно самозабвенно молотит бластбит. Однако, опять же, не хочется называть это недостатком, так как такая игра на ударных хорошо работает на общую атмосферу и звучит очень органично во взаимодействиями с другими составляющими музыки. Во-вторых, песни сливаются в единый поток еще и из-за своей необычной для мдм структуры, в них нет стандартного разделения на «кулет-припев-куплет-припев-соло-припев». В этом можно усмотреть толику прогрессива, однако все же больше сходства именно с атмо-блэком. В-третьих, все песни звучат плюс-минус в одном и том же темпе. Альбом наполнен отличными мелодиями, многие из которых хорошо запоминаются. Нельзя также не сказать про вокал: очень нравится такого рода гроул – глубокий и величественный.
Сравнивая этот альбом с прочими работами, хочется отметить, что на 'Of Breath and Bone" музыканты нашли свою лучшую, на мой взгляд, кондицию. Хоть содержательно альбом 2012 года не сильно отличается от своего предшественника, но всё же в самом характере звучания "Stone’s Reach' я не почувствовал той обволакивающей медитативной атмосферы, за которую, помимо прочего, я так люблю "Of Breath and Bone". На "Vessels' же, как по мне, австралийцы совершили пусть и интересную, но не самую удачную попытку уйти дальше в сторону прогрессивности. Что ж, с нетерпением жду от них новые работы, а то ведь 4 года прошло с выхода "Vessels" – уже пора бы!

Whiterey  16 май 2020

В последние несколько лет мелодик дэт-метал настолько приелся, что мне стало чуть ли не физически неприятно его слушать. Не претендую на объективную истину, но с большой долей уверенности могу сказать, что жанр находится в стагнации, он перестал развиваться, стал скучным и однообразным. Сложилось ощущение, что в рамках жанра сказали уже всё, что могли. Лишь иногда встречаются стоящие образчики, которые, хоть и не привносят ничего нового, но мастерски работают с имеющимся жанровым арсеналом. Новый альбом Insomnium как раз из таких.
Однако я бы всё-таки не сказал, что это чистокровный мдм. То тут, то там слышатся отголоски других жанров: некоторые фрагменты отдают атмоблэком, в некоторых местах мелькает дум, а также в большей части песен ощущается привкус прогрессивности. Удивительно, как такие небольшие щепотки специй из других жанров преображают мдм. Также не последнюю роль тут играет фирменная атмосфера Insomnium, которая будто надевает на тебя очки, с помощью которых ты можешь увидеть истинные красоту и грусть природы, как в старом фильме «Чужие среди нас» (но там, конечно, с помощью очков можно было увидеть совсем другие вещи). Музыка наполнена прекрасными мелодиями и цепляющими риффами, плавными переходами от тяжелых фрагментов к легким, мощным гроулом и вполне уместным и приятным чистым вокалом. Лирика, которая в этот раз мне показалась более мрачной, чем обычно, также способствует созданию меланхоличной атмосферы, погружая в экзистенциальные раздумья. Касательно оформления: обложка в этот раз какая-то не очень интересная.
В общем-то, про новый альбом Insomnium больше нечего сказать, кроме итога в нескольких словах: добротная работа от признанных мастеров жанра. Альбом не шедевральный, но он явно надолго задержится в моем плейлисте и даже, наверное, войдет в мой личный топ лучших за этот год.

Whiterey   6 окт 2019

Украинцам по каким-то причинам очень хорошо удается блэк-метал. Слушая очередную годную украинскую блэк-метал группу, невольно ловлю себя на этой мысли. Сложно сказать почему так. Возможно, потому что…не знаю в общем. Впервые White Ward попались мне на глаза в 2017 году, когда вышел их альбом "Futility Report", которому из каждого угла пели дифирамбы. Вполне заслуженно, я считаю. Такие интересные группы в блэк-метале появляются нечасто, поэтому White Ward быстро оказались на острие украинского блэка, о чем свидетельствует внимание как СНГ-слушателей, так и западной публики. И вот, музыканты представили новый альбом, который я очень ждал.
Звучит "Love Exchange Failure" несколько иначе, нежели его предшественник. В первую очередь в уши бросается сама фактура звука: он мне показался более сырым, более блэковым, более холодным и мрачным, в то время как "Futility Report" звучал более чисто и жирно, тяготея к звучанию прогрессивных блэкарей, а-ля поздние Enslaved, поздние Shining, Borknagar и т.д. Такая перемена в звуке в общем-то не идет альбому во вред, даже, я бы сказал, именно такое звучание во многом способствует созданию той меланхоличной атмосферы, которая, очевидно, и задумывалась музыкантами.
Касательно качества содержания. Перед нами дарк-джазовый блэк-метал. Если прошлый альбом так можно было назвать с натяжкой, так как саксофон выполнял там скорее функцию приятного и экзотического для жанра дополнения, то здесь наличие дарк-джаза, я считаю, очевидно. Использование саксофона в металле не ново, для блэк-метала в том числе, однако скрещивание такого нуара с блэк-металом я не упомню, сколько бы ни пытался. Конечно, скорее всего, я просто не знаю о таких проектах (а хотелось бы узнать). Саксофон на данном альбоме фигурирует заметно чаще, чем на прошлом, что меня несказанно радует. Относительно же металлической части могу сказать, что не всем доволен. Зачастую переходы от меланхоличного дарк-джаза к скоростному атмо-блэку происходят, на мой взгляд, довольно резко, что создает впечатление некой инородности по отношению друг к другу этих двух элементов. Также немного разочаровал экстрим-вокал, который звучит очень уж монотонно и скучно, как будто скороговорки читает. Скримить же тоже можно с выражением! В остальном же, металлическая часть представляет собой добротный атмосферный пост-блэк-метал с кучей красивых мелодий и крутых риффов. Дарк-джазовые фрагменты порадовали меня больше всего, они прекрасны. Также приятно порадовало наличие нескольких приглашенных вокалистов, которые придают альбому больше красок и создают более яркий контраст между блэковыми и дарк-джазовыми частями. "Surfaces and Depths", практически полностью дарк-джазовый трек с проникновенным женским чистым вокалом, стал для меня одним из лучших треков на альбоме. В общем-то здесь нет откровенно слабых песен, разве что "Shelter" я отдельно переслушивать не стану, но вкупе с остальным альбомом она звучит вполне органично и хорошо работает на атмосферу.
В общем, как говорится в одном несмешном меме: «Слушайте маму и блэк-метал». White Ward – одна из тех групп, которые, я считаю, задают вектор развития жанра, не дают ему кануть в лету и наскучить (плевок в сторону джента).

Whiterey  30 сен 2019

Hadean – группа, которую широкое общественное внимание обошло стороной. Даже среди любителей всяких авангардов. Сами посудите, на ресурсах, где размещено их творчество, просмотров/прослушиваний раз, два и обчелся. И это, конечно, очень огорчает. Но что поделать, в наше время много золота погребено под километрами безликой массы, которая словно размножается почкованием.
Постараюсь ответить на вопрос почему же этот альбом – золото. Экспериментальная музыка всегда нравилась мне тем, что ты никогда не знаешь что тебя ждет после нажатия кнопки «play», даже после прочтения всевозможных тегов, которые тщетно пытаются «впихнуть невпихуемое» в рамки каких-то жанров. «On Fading» же встречает слушателя очень агрессивно. Настолько агрессивно, что в первые несколько раз я, прослушав полминуты, выключал, кидал в кучу «послушать позже» и забывал про этот альбом на n-ое количество времени. Однако обложка в данном случае делала свое дело: ее минималистичный и притягательный стиль раз за разом заставлял меня включать этот альбом. Почему-то мне на ум пришла аналогия с лампой джинна: маленькая, красивая, с виду хрупкая и даже нежная вещица содержит в себе огромную силу, способную натворить дел, если ее выпустить. Так вот, альбом начинается с хаотичного нагромождения гитарных риффов, истошных воплей вокалиста, грохота Шивы на ударных, духовых инструментов, фортепиано и еще черт знает чего. Второй трек представляет из себя эмбиентовую зарисовку с элементами нойза, которая дает немного перевести дух перед тремя основными композициями альбома, если не считать «New Low (Redux.)». Каждый из этих трех треков оставляет после себя впечатление, как после просмотра какого-нибудь экшн-фильма с элементами хоррора, за который отвечают мощные куски с гнетущими сладжевыми риффами и закрученными диссонансными проигрышами на саксофоне, а также с примесью философской меланхоличной драмы, которая прослеживается в чуть ли не в smooth-джазовых прекрасных соло на саксофоне и фортепиано, и + всё это сдобрено трогательной любовной линией, мысли о которой приходят во время красивейших и даже жизнеутверждающих проигрышей. Венчает всю эту красоту монументальная, торжественная и немного трагичная вторая половина заглавного трека, который является квинтэссенцией всего, что есть в арсенале у Hadean. В голове даже появляется образ, будто звучит целый оркестр под руководством обезумевшего, но гениального дирижера. Отдельно хочется отметить саксофониста - он несомненный мастер своего дела, MVP этого альбома, если можно так выразиться. Звук на альбоме, кстати, тоже довольно любопытный: обычные металлические инструменты, как мне показалось, звучат немного грязновато, что создает интересный контраст с чисто и ярко звучащими духовыми инструментами и фортепиано.
Я уже сказал, чем мне нравится экспериментальная музыка. А не нравится она мне тем, что, найдя что-то поистине прекрасное для себя, очень трудно найти что-то похожее. Надеюсь, музыканты из Hadean не сильно беспокоятся по поводу отсутствия должного фидбэка, который они, несомненно, заслуживают, и в будущем порадуют столь же отличной музыкой. В двух словах же альбом можно описать так: «ужасная красота».

Whiterey   6 сен 2019

Как-то раз в одной из групп в ВК, посвященной новостям прогрессивного рока, произошла небольшая дискуссия по поводу того, какую музыку следует считать прогрессивным роком и вообще в принципе прогрессивной. Отправной точкой обсуждения послужило высказывание Тииса ван Леера, основная мысль которого в общих чертах заключается в следующем: прогрессивный рок начался Фрэнком Заппой и с ним же и почил, а то, что сочиняется сейчас – лишь вариации на тему. И это крайне интересная тема для обсуждения, так как вряд ли кто-то воспринимает определение понятия «прогрессивный рок», данное в википедии, как неоспоримую истину. Многие, кстати, согласились с этим утверждением, добавив несколько достойных по их мнению имен.
Я же считаю, что прогрессивность рока и музыки в целом заключается в экспериментировании с формами и содержанием. Прогрессивность как характеристика музыки, подстать своему содержанию, уже давно вышла за рамки поджанра «прогрессивный рок». Этот термин спокойно используют для характеристики не только рок-музыки, но музыки других направлений. К чему я все это? К тому, что считаю дебютный лонгплей one-man проекта с планеты Земля, как автор написал о себе в bandcamp’е, прогрессивной музыкой.
Альбом представляет собой смешение таких стилей как blackgaze и synthwave. Оба жанра имеют довольно обширный список представителей, многие из которых комбинировали свой основной стиль с чем-то другим. Синтвэйв знает множество примеров сочетания с рок-музыкой, а блэк-метал в меньшей степени, но также успешно сочетался с электроникой. Однако такого микса, как у Abstract Void, я еще не встречал.
Автор взял лучшее, что есть в блэкгейзе и синтвэйве, и получил из этого потрясающе вкусную конфетку. Что касается атмоблэковой стороны, здесь в наличии и отдаленно звучащий эмоциональный скриминг, достойных лучших представителей этого жанра, и зефирные тремоло на электрогитарах, и напористые бласт-биты. Можно сказать, что блэковая составляющая в данной работе взяла на себя роль аккомпанемента. Даже вокал - и тот лишь играет роль одного из инструментов, дополняя космическо-величественную атмосферу. Музыкант позже даже выпустил инструментальную версию альбома. Синтвэйв-составляющая же здесь играет роль по большей части солирующую, заполняя сознание изящными обволакивающими мелодиями, отправляя слушателя в путешествие по космическому Майами с видом на какую-нибудь красивую звезду. Местами, кстати, присутствует и электронная ритм-секция, что, однако, никак не конфликтует с металлическими ударными.
Думаю, две эти составляющие хорошо слушались бы и по отдельности, но из их слияния получилось нечто такое, что не хочется разделять. Беспрецедентная работа на моей памяти, кроме, разве что, Mesarthim, но это все-таки не то. С нетерпением жду следующих работ Abstract Void и надеюсь, что он продолжит движение в том же направлении.
P.S. Если кто-то знает что-то подобное, то буду рад послушать.

Whiterey   2 мар 2019

Долгие 7 лет... В определенных кругах шутки про новый альбом Alrakis стали подобны шуткам про третью часть Half-Life, новый альбом Tool, Оскар для Ди Каприо, гроул в Opeth и т.д. Господи, как же приятно, когда такие шутки теряют актуальность! Ди Каприо получил свой Оскар, Tool объявили о скором выходе долгожданного альбома, и вот теперь Alrakis радует любителей космического блэка своей новой работой. Альбом представляет собой 52 минуты эталонного атмосферного блэка, щедро сдобренного дарк-эмбиентовыми вставками. Alrakis продолжает меланхолично и мечтательно смотреть в небо, тянуться к звездам, улавливая эхо c далекой двойной звезды-гипергиганта в созвездии Киля, и слушателя также неизбежно ждет погружение в бесконечную пустоту, холод, красоту и величие космоса. Звучит альбом великолепно как в ambient-частях, так и в атмо-блэковых: пронзительный, эмоциональный вокал раскатывается эхом под неспешный аккомпанемент ударных и зефирные тремоло гитар, переплетенных с атмосферной электроникой, которые переливаются в красивейших мелодиях. К сожалению, такого атмо-блэка сейчас делают очень мало, что еще больше повышает ценность данного альбома, и Alrakis в целом. Потрясающая работа!

Whiterey   9 апр 2018

«Таких людей, как я, Ватсон, в мире очень немного. Может быть даже, я такой один».

Только вместо «людей» подставить «групп». Ну и «я такой один» поменять на «я такая одна», но это так, для придирчивых. Для меня группа Ne Obliviscaris стала феноменом, откровением, поразившим меня до глубины души. Конечно, скажете вы, подобных миксов из дэта, прога, блэка и. т. д. можно много найти, и будете правы, но ТАКИХ экземпляров, как эта команда, мне кажется, только днем с огнем и сыщешь.

Итак, исполинские врата Цитадели открываются перед нами с тяжелым скрипом первой части трилогии «Painters of the Tempest», и, по мере их неспешного отворения, этот скрипучий звук как будто отдается эхом в огромных мрачных помещениях.

Фантазия рисует гигантский, величественный замок, который, казалось бы, давно уж заброшен, от него веет холодом и смертью, но как только врата открываются с помощью какой-то невидимой, но, без сомнения, могущественной силы, нас как будто втягивает внутрь, и с грохотом мощных риффов и безумной игры ударных в начале второй части «Painters of the Tempest» врата захлопываются за нашей спиной. Теперь мы должны пережить эпичное и захватывающее приключение, чтобы выбраться из мрачной Цитадели и вернуться домой к котику и печенькам.

Этот альбом несколько менее продолжителен, нежели его предшественник – менее 50 минут против over’часового «Portal of I». По сути на данном альбоме только три полноценные песни, остальные либо предваряют, либо закрывают их, стоят, как крепостные стены вокруг замка. Однако, эти три песни – целые истории, которые рассказывают нам обитатели Цитадели, заставляющие то сжиматься от страха и трепета перед величием и грандиозностью происходящего, то мечтательно и почти печально взглянуть в одно из окон Цитадели на холодное темное небо, усеянное лениво мерцающими звездами. Всегда любил такой контраст в музыке. В песнях по несколько раз происходят смены настроения: то брутальные дэт-блэковые риффы, сопровождающиеся инфернальным гроулом/скримом и скоростными бластбитами, то очень приятный и мягкий чистый вокал чертова Паганини, который частенько радует слух потрясающими пассажами на скрипке (не всегда, конечно, консонансными, как можно понять из первого трека), и даже акустическая гитара в стиле фламенко. И всё это не кажется полотном, сплошь состоящим из неумело и не к месту сшитых кусков, напротив - всё гармонично и органично сочетается. Также стоит отметить интересное сведение альбома. Очень хорошо прослушивается бас-гитара, которая в некоторых местах чуть ли не перетягивает всё одеяло на себя, отдавая роль ритм-секции гитарам и беря роль «первой скрипки».

В общем, очень мелодичная, красивая, разнообразная и эпичная работа, как и прошлый альбом. А вот лучше ли он предшественника – сказать не возьмусь, ибо для меня они где-то примерно на одном уровне. 10 Цитаделей из 10.

Whiterey  23 окт 2017

Несмотря на то, что, как отметил предыдущий рецензент, группа имеет весьма банальное название, никак нельзя сказать, что у них банальная музыка. Совсем даже наоборот. Это команда с самого момента знакомства с ней показалась мне особенной, выделяющейся. Редко встретишь в этом жанре что-то такое, что так органично совмещает технику, брутал и мелодику. При первом взгляде на плей-лист может возникнуть мысль, что де маловато что-то треков, хоть они и несколько длиннее среднестатистических техникал-дэтовых песен. Но при прослушивании ты понимаешь, что этого количества вполне достаточно. Итак, 7 сильнейших, не считая интро, композиций, каждая из которых преподносит слушателю что-то свое, доносит свою мысль по-своему, то есть песни абсолютно индивидуальны, они замечательно будут слушаться и по отдельности, в то время как часто тех-дэт альбомы хорошо звучат только цельно. Обычно тех-дэт группы мало зацикливаются на мелодичности своих риффов и соло, но на данном альбоме, напротив, царят мрачные, брутальные и в тоже время красивые и мелодичные риффы, которые даже запоминаются (!), что нечасто бывает в технично-смертельном жанре. Morphosis может прийтись по вкусу не только ценителям тех-дэта со всеми его причудами, но и тем, кто относится к этому жанру прохладно. Некоторые говорят, что здесь мало соло, но мне кажется, они присутствуют здесь ровно в том количестве, в каком нужны. Ни больше, ни меньше. Очередной красивый рифф с лихвой компенсирует отсутствие соло в каком-нибудь месте, где, казалось бы, оно должно быть. Что касается звука, он здесь идеален, он яркий, насыщенный. Для себя лично не побоюсь причислить сей опус к эталону дэтового звучания, как и последующие альбомы Hate. Также нельзя не отметить красивое внешнее оформление. Сразу видно, что музыканты ценят качество во всем.

Whiterey  20 сен 2015