|
|
 |
|
| Kalmah - одна из моих любимых групп, люблю я эту северно-болотную атмосферу, знаете ли (наверное, потому что сам из таких краёв). Но про их одноимённый альбом я не знал ничего, практически до самого выхода. И не сказать, что я как-то сильно его ждал. Мне казалось, что прошлый вышел буквально пару лет назад, вот ведь как время-то нынче летит...
Я не знаю сколько раз мне ещё нужно прослушать этот альбом, чтобы он полностью раскрылся. Но за те пару недель, что я его слушаю, я так и не определился хороший он или просто "норм". Причиной тут, скорее всего, стала некоторая однообразность материала.
Вроде бы все песни неплохие, может, даже хитовые, но я не могу их отличить друг от друга! Я даже не всегда уверен, что какая-то из финальных песен не является той же самой из начала альбома. Потому что по темпу, риффам и звуку они, как однояйцевые близнецы. То есть как бы и отличаются, но чем конкретно - непонятно. Единственное в чём уже уверен: первые две и последние две песни - точно хорошие. Ну и №3 и №8 тоже с претензией на хитовость.
В середине есть разделяющая баллада "No Words Sad Enough", собственно, она как раз и является единственной песней, которая отличается от других. Баллады все всегда любят, так что тут тоже плюсик альбому.
Новый альбом по ощущениям - это что-то среднее между "12 Gauge" и "Seventh Swamphony". Такой же густой и ровный. В них я тоже долго не мог въехать, но сейчас вроде качают. А вот предыдущий альбом "Palo" был поярче, похитовее и более разнообразный. Включал его сейчас и на контрасте он ощущается, как кусочек торта после печенья.
Так что откровения никакого не ждите, это просто стандартный набор старых калмаховских приёмов и ввиду этого есть стойкое ощущение вторичности. Все риффы и мелодии как будто сами из своих старых альбомов набрали, но немного допилили и переставили местами. Очень сложно понять, что откуда взяли, потому что каждая песня похожа на практически любую у этой группы, постоянное ощущение дежавю присутствует.
Легко смогу понять тех, кто поставит этому альбому 3/10 или ещё ниже. Но я люблю этих финских ребят, поэтому и крутил их новую работу так долго на репите, и оно как бы "слюбилось, стерпелось". В этом полупустом стакане я старался прежде всего отыскать плюсы и практически в каждой песне они есть. Но, возможно, это самый слабый альбом группы, хотя с таким названием хотелось бы услышать магнум опус. Поэтому оценка не 8-9/10, какую я мог бы поставить всем предыдущим альбомам Kalmah, а всего лишь 7/10.
|
|  |
|
|
|
|
|
| "Staind - a brand new drug for your brain"
Именно такой фразой Фред Дерст охарактеризовал коллектив из Спрингфилда, который на стыке конца 90-х - начала нулевых ворвался в мейнстрим не без помощи фронтмена группы Limp Bizkit.
Стоит сказать, что на момент 1997 года Дерст и Ко сами только-только протиснулись в шоу-бизнес, благодаря интересному знакомству с группой Korn в Джэксонвилле в 1996 году. Limp Bizkit искали малоизвестную группу, которую можно было бы взять с собой в тур в поддержку дебютного альбома, и спустя какое-то время судьба свела два коллектива вместе. Staind годом ранее своими силами записали и выпустили дебютный альбом "Tormented", материал которого был пропитан духом сиэтловского гранжа. Не секрет, что парни из Спрингфилда были фанатами Alice in Chains, но к этому я вернусь немного позднее. Получив копию дебютной пластинки, Дерст был ошарашен обложкой альбома, посчитав Staind "теистическими сатанистами". По слухам лидер "бизкитов" разбил диск об стену своей квартиры. Однако побывав на живом выступлении Staind, Фред изменил свое мнение и пообещал ребятам лично заняться продюсированием группы. Некоторое время спустя демо-материал спрингфилдцев впечатлил компанию Flip Records, и те, в свою очередь, заключили контракт с группой на выпуск первого мэйджор-альбома. Продюсерами пластинки выступили небезызвестный Терри Дейт (который ранее работал с такими группами, как Pantera, Soundgarden, Deftones) и непосредственно Фред Дерст.
В апреле 1999 года свет увидел "Дисфункцию". Как позднее рассказывал вокалист группы Аарон Льюис: "Этот альбом обо мне. Он о всем том дерьме, через которое я проходил в течении своей жизни". Если первый альбом был с концептуальной идеей исповеди самоубийцы, то уже на этом опусе лирическая составляющая затрагивает личные проблемы самого Льюиса. Так, например, открывающая "Suffocate" повествует о проблеме отношения общества к человеку, об оказывании негативного давления на личность. Такие композиции, как "Just Go", "Me", "Home" объединены проблемой взаимоотношений с родителями. Композиция "Mudshovel" в более утяжеленном варианте была выпущена еще в 1996 году, и для этого альбома в ней переработали припев и брейк, сделав песню менее грязной и тяжелой. В данном сингле речь идет об измене со стороны девушки, а лирический герой, в свою очередь, узнает об этом, и отвечает своей возлюбленной тем же, предвкушая её страдания. Трек "Spleen" также был записан для "Tormented", однако та версия не попала на альбом и демо было уничтожено. Заключительный трек "Excess Baggage" был исполнен лично Льюисом на акустической гитаре, а сам Аарон не знал, что его записывают. Песня повествует об определенных зависимостях, которые усложняют жизнь лирическому герою.
В общем, суть проста. Вся лирическая составляющая посвящена жалкому существованию лирического героя, который нуждался в любящей семье, желал здравых отношений с возлюбленными и был не понят обществом. Стоит сказать, что инструментальная часть значительно отличается в плане тяжести от дебютника. Самых тяжелых композиций на "Дисфункции" две, это "Raw" и вышеупомянутая "Spleen". В плане вокала, по совету Дерста, Льюис больше прибегал именно к мелодичному пению, так как Фред был впечатлен чистым вокалом Аарона. Уже на этом релизе в нескольких композициях можно услышать зарождение пост-гранжевых ноток в творчестве Staind. В остальном же это альтернативный метал с вкраплениями ню-метала.
После выхода альбома Staind попали в ротацию на MTV с клипами на "Just Go" и "Mudshovel", приняли участие в Family Values Tour 1999, представив широкой публике демо-версию будущего хита "Outside", и потихоньку пробовали на вкус нарастающую славу, которая дойдет до пика с выходом "Break the Cycle" в 2001 году.
|
| |
|
|
|
|
|
| Неразлучные японские мушкетеры выпустили одиннадцатую серию своей дорамы в жанре эротического, драматического, хай-тек триллера.
Стремление музыкантов запихнуть в свои композиции как можно больше хитрых звуковых приемов работает на протяжении всей их карьеры безотказно. Господин Kyo в очередной раз тоже стремится использовать весь свой вокальный диапазон, но уже более скромно, потому как очевидно живы воспоминания о проблемах со здоровьем на этой почве, да и может всё дело банально в возрасте. Естественно, его голос чуть ли не главная особенность группы и, вопреки всему, он всё так же местами груб, лиричен, психопатичен, ужасен, мягок и просто мил.
Во всех композициях слышно, что группа почти исчерпала себя, но также слышно, что музыканты изо всех сил пытаются выжать из себя всё что можно, лишь бы не окунуться с головой в самоплагиат. Они всегда стремятся быть новыми от альбома к альбому, но это всё сложнее сделать, только одно по-прежнему неизменно в их песнях - они всегда звучат нанотехнологично.
В позднем творчестве группы нет четкого разграничения на боевики, альтернативные середняки или любовную электронщину, уже как года с 2007 они всё это валят в кучу и пытаются структурировать. Такая же история и с "Phalaris", выдержанном в общем тревожном настрое, хотя очевидно, что позитивом группа никогда не блистала в принципе.
Конечно, они пытаются внести изюминку в музыку, ускоряясь и замедляясь, усложняя некоторые композиции до абсурда, резко меняя настроения, но опять же - это уже всё было на предшественниках. За последние лет 17 обо всех релизах группы можно сказать одно и то же - они находятся в погоне за своей тенью.
Поклоннику исконно японской альтернативы именно это и нужно, хотя, возможно, уход в мэйнстрим как раз бы и спас ситуацию. Но это уже была бы другая группа и совсем другая история.
|
| |
|
|
|
|
|
| Новый альбом Immortal пришлось ждать не так долго, как "Northern Chaos Gods" (впрочем, 5 лет тоже немалый срок), но, как и в случае с предшественником, создание "War Against All" сопровождали очень странные новости из стана группы. В прошлый раз неожиданное противостояние Demonaz & Horgh vs. Abbath за имя группы привело к устранению последнего из состава. Спустя несколько лет "коалиция" распалась, и уже друг против друга "схлестнулись" в суде Demonaz и Horgh. Результатом всего этого стало превращение группы из трио в one-man-band во главе с одним из основателей Immortal. Бессменного в студийной работе со времен "At the Heart of Winter" Петера Тэгтгрена заменил другой старый знакомый Demonaz'a, Айс Дейл из Enslaved (причем сменил как на месте продюсера, так и на роли басиста в студии). Какой же результат получился из всего этого?
Как и в 2018 году, первой песней с альбома был представлен одноименный трек, как и в прошлый раз, он оказался быстрым и напористым боевиком. Второй представленной песней оказался "Wargod", это была уже среднетемповая вещь, при прослушивании которой на ум явно приходил "Tyrants" с релиза 2002 года. После этого можно было убедиться в и так достаточно очевидном: Demonaz не собирается изобретать что-то новое, а будет использовать проверенные временем ходы. Так и вышло: на альбоме скоростные композиции чередуются с величественными среднетемповыми песнями с фирменным акустическими фрагментами. Есть у этого релиза и что-то свое, немного выделяющее его на фоне предыдущих. Как ранее упоминалось, многолетний участник группы Horgh оказался "за бортом", его заменил Kevin Kvåle из Gaahls Wyrd. Horgh обладал узнаваемым стилем игры, поэтому его отсутствие внимательный слушатель Immortal заметит сразу. Другим новшеством оказался очень симпатичный семиминутный инструментал "Norlandihr", чего за Immortal ранее обычно не наблюдалось. Можно сказать, что свежий релиз 2023 года является прямым продолжением "Northern Chaos Gods", когда вы можете перемешать треки с альбомов и не заметить разницы. Несмотря на это, "War Against All" представляет собой отличный образец Блаширк-метала, который должен вызвать у любителя Immortal только приятные ощущения от прослушивания.
После релиза "Northern Chaos Gods" Demonaz в своих интервью рассказывал, что планирует собрать концертный состав и отравиться в тур. На тот момент это вызывало определенный интерес - что будет представлять из себя группа на сцене в отсутствии Abbath'a (при всей своей неоднозначности, он был лицом Immortal)? Как будет играть и петь Demonaz после такого долгого отсутствия? Кого возьмут на бас? К сожалению, тогда так и не нашлось ответов на все эти вопросы, а сейчас их уже и не ожидаешь. Остается просто слушать новый хороший материал. Уйдет ли Demonaz снова в тень до следующего релиза или "War Against All" будет его последним альбомом покажет только время.
|
| |
|
|
|
|
|
| Является ли это способом полностью подавить слушателя на самом входе, или наоборот воодушевить его - с помощью толковой ударной установки и драммера за ней? Итак, мельком вроде, зашел в ВК посмотреть, как себя ныне видит команда. Post-Black Metal/Metalcore. Так пишут.
Микс оголтелый и, с ужасом понимаю, деструктивный, чуть ли не новый поджанр. Ибо всё так вывернуто, извращенО, что от пост-блэка остались рожки да ножки, а от металкорa рога да ноги. Что же сейчас ваяет команда, оттолкнувшись от указанных стилей? Притом одев стальные крылья, уверенно стоя на крышах тысячи зданий, вперив взор в горизонт?
Философично? Да так и есть, - музыкальная философия с финским ножом в изысканном дипломате. Обязательно философично - ибо блэк-думовый распад и металлический генезис, они всегда, так сказать, вызывают глубокие думки как минимум о будущем утре.
К тому же думовый вокал в мид-темповом огране несет какое-то вечное и, возможно, прекрасное. И даже мид-темпово, не обращая внимания на окружающие события. Да, черт возьми, - окружающие события разворачиваются так же неспешно. К трэку "Soil" автор решил, что нужно гораздо активнее задействовать чистый голос - тем страшнее и думовее оказался рядом тектонический, поистине думовый харш, длящийся как зима в Заполярье. А чистый - рОковый - такой серьезный вокал, меланхоличный (от слова «мелан» - черный). Вот такая пара вокалов с самым серьезным видом - добрым словом и, видимо, пистолетом «Кольт» принудила превратить композицию в губительный Post Black Doom.
Сколько у них там вокалистов, подумалось, когда включили панк-хардкоровый вокал в "Decisions" (вокалист один). Музыкальная основа здесь - усложненный многослойный пирог хардкора, который настолько тяжеленный, что просто сносит всё со своего пути. Хорош, наверное, для сценического воплощения, may be... особенно если учесть, что примочка превратила струнную строганину чуть ли не в духовую группу. И опять обратил внимание на ударника, который работает... не то чтобы не от мира сего. Наоборот, как раз весь мир он желает запихнуть в свой барабан, дабы...
И тут подсыпали рОкового вокала, в главном директорском аватаре с замом харшевого вида - "Illusion of Dawn". И ладно бы, играй рок и даст вам бог. Ну так и начали, а потом что-то произошло. Засорение реактивного двигателя металлическими стружками, и так два раза подряд...
Почему я не удивлен? Данный труд финализирует Death/Doom-композиция, претендующая изъять все нервные окончания у слушателя почище некоторых олдовых зубных врачей.
У автора(ов) этой драматической эпопеи постоянно диагностируются завышенные требования к своему музыкальному коллективу. А те рады стараться. Но! Есть от чего оттолкнуться. И крылья в наличии... но важнее, конечно, творческий опыт и желание соорудить нечто многосеръезное и значительное. Получилось ли? Несомненно!
Проблемы? Только в начале альбома, при подсоединении к линиям связи. А там только успевай выходить подышать на балкон.
|
| |
|
|
|
|
|
| Никогда не понимал недолюбленности со стороны общественности к этой группе. Сам же слушаю их. Не взахлеб, хотя альбом "All the Right Reasons" заслушан до дыр. И до сих пор считаю его самым удачным их творением.
Так почему же мне понравилась новая пластинка Никельбек "Приключения Скуби-Ду и его команды"... Ой. А обложка ведь так напоминает именно этот мультфильм. На самом деле, увидев её, я был настроен очень скептически, ожидая услышать какой-то очень легкий гавайский кантри-рок. К моему счастью, обложка и наполненность этой пластинки имеют мало чего общего.
"San Quentin" - драйвовое вступление. Трек, на который был снят клип и который заставил меня поностальгировать по своему любимому альбому "All the Right Reasons".
"Skinny Little Missy" - для меня самая неудачная композиция на альбоме, который отталкивает примерно всем. Отвратительный припев, вынуждающий меня каждый раз переключать её.
"Those Days" - еще один трек с клипом в своем багажном отсеке. По мне, Никельбэк - это группа подобных песен с плотной акустической составляющей и на этом альбоме предостаточно таких композиций.
"High Time" - очень заводной трек с рок-н-рольным настроением. После первого прослушивания Вас подтянет подпевать (хотя бы в припеве) и танцевать.
"Vegas Bomb" - трек, напоминающий, что группа всё-таки входит в разряд метал-групп, пусть и мягких. Композиция, схожая с открывашкой, но всё-таки послабее.
"Tidal Wave" - это именно та песня, для которой, наверное, выбиралась обложка. Вот если бы попросили описать её картинкой - обложка бы полностью отображала стилистику данной композиции.
"Does Heaven Even Know You're Missing?" - еще одна лирическая песня. Ещё одна песня, ради которых и слушают Никелей. Акустическая, медленная, душещипательная.
"Steel Still Rusts" - еще одна кантри рок-н-рольная песня. Напомнила мне почему-то времена ковбоев на лошадях.
"Horizon" - единственная композиция, которая вообще никак не зацепила.
"Standing In The Dark" - среднетемповая типичная композиция для Никелей, которую хочется послушать еще и еще.
"Just One More" - никак бы не поставил эту песню на закрытие альбома. Немного странный выбор. Может быть, музыканты намекают, что ничего не закончено и "продолжение следует..."?
В целом мы получаем хорошо укомплектованный альбом Nickelback. Почему-то после нескольких прослушиваний он мне напомнил свой любимый альбом. Могу порекомендовать данную пластинку фанатам Никелей и их медленных лиричных акустических композиций.
Для меня же этот альбом встает на 2-ое место в их дискографии.
|
| |
|
|
|
|
|
| Никогда не испытывал какой-то сильной фанатичной любви к Godsmack, цепляя по 3-4 песни с каждого альбома. Но в связи с сильным музыкальным голодом решил прослушать и эту пластинку, тем более что, как сообщила сама группа, это их последнее творение.
Необычное начало альбома треком "You And I". Медленная, тягучая полубаллада. Считаю подобные композиции сильной стороной Годсмаков. Любовная лирика в совокупности с вокалом Салли дает свои результаты.
"Red White & Blue" - я бы сказал, что-то рок-н-рольное. По мне, так бодрое начало и какие-то провалы в середине песни, вкупе со средним припевом, делают этот трек проходным.
"Surrender" - первый сингл с данного альбома. Типичная песня для группы, которая цепляет своей драйвовостью, темпом, запоминающимся припевом и, конечно же, вокалом. Однозначно удачный выбор для сингла.
"What About Me" - не могу чем-то выделить данный трек. В нем вроде бы всё есть, но как будто не хватает души. Что насчет души?
"Truth" - мой фаворит на альбоме. Несколько дней просто по кругу крутил эту композицию. Сильная лирика, удачно расположенные клавишные и музыкальная составляющая, слегка давящая, заставляет проникнуться проблемами, о которых поется. Достойный последователь "Under Your Scars" с предыдущего релиза.
"Hell's Not Dead" - так же, как и трек №4, я ничем не могу выделить и этот.
"Soul On Fire" - очень напомнила ранний Годсмак. Как писали люди, что подобного от них и ждали. Пожалуй, соглашусь. Заводная песня в их стиле. Очень быстро запоминается и въедается в уши.
"Let's Go" - интересная музыкальная составляющая песни, с как будто немного выдвинутым вперед басом. Из недостатков хотелось бы отметить легкую затянутость трека, который беспощадно отбирает интерес к нему.
"Best of Times" - проходная композиция, которая и не особо пытается сфокусировать на себе внимание.
"Growing Old" - еще одна баллада, с которыми у Годсмак не бывает проблем. Медленная, почти акустическая композиция, которая вынуждает тебя погрустить вместе с ней и еще раз оглянутся на путь, который ты уже прошел.
"Lighting Up The Sky" - и, наконец, хорошая закрывашка, подводящая как бы воображаемую линию под всем, что сделала группа за эти годы. Хотелось бы заострить внимание на этой композиции, потому что приглушенным вступлением и медленным развитием она заставляет скучать в самом начале, но поверьте - дослушав её до конца, вы не пожалеете.
Я не могу сказать, что у Godsmack получилось сделать что-то необычное. Скорее нет. Получился типичный их альбом со своими сильными сторонами, о которых они знают и пользуются, так и со слабыми, когда вроде бы неплохие треки захлебываются, как будто сами в себе.
Хотелось поставить 8, но думаю, что справедливее будет поставить 7 этому альбому, уточнив, что хороших песен тут всё-таки чуть больше, чем проходных. Ключевое слово "чуть".
|
| |
|
|
|
|
|
| После полного вымирания человечества на "Death Atlas" прошло 4 года и пришла пора к перерождению. В муравьев? Слушателей сразу встречает яркая (кринжовая) обложка, которая явно дает понять, что такой мрачности, как на "Атласе" уже не будет и нас ждет зарождение чего-то нового и непонятного...
Спешу сразу подготовить читателей, что для меня последний альбом "Death Atlas" является любимым альбомом Cattle Decapitation. Хотя заслуг "Вымирания" и тем более "Монолита" я ни в коем не случае не умаляю. К чему я сделал это уточнение? Ну, наверное, к тому, что новый альбом по стилистике и звучанию ближе всего как раз к "Атласу".
К первому выпущенному синглу "We Eat Our Young" после прослушивания я отнесся весьма скептически, хотя не мог не отметить, что фирменное звучание и техника группа никуда не делась и вроде всё на месте, но вот после второго сингла "Scourge of the Offspring" я понял, что всё то, что мне нравится в этой группе, они только улучшают.
Давно уже придерживаюсь мнения моего старого знакомого, который как-то сказал, что если альбом хороший, то он цепляет с 1-ого раза, а вот эти все "надо расслушать", "нужно выждать", "нужно побольше времени"... Ну не знаю...
И вот как раз новоиспеченный "Terrasite" зацепил меня с первого прослушивания.
"Terrasitic Adaptation" - медленная и тягучая в начале открывашка со временем раскрывается повышением скорости, превращаясь в типичную композицию Катлов. Не могу её чем-то выделить.
"We Eat Our Young" - скоростной боевик, который обрушивается мощной стеной на уши слушателя. Скоростью, напором и гневом напомнил почти любой трек с "Монолита".
"The Insignificants" - среднетемповая композиция, которая ближе к концу еще больше теряет темп, превращаясь в тягучую грозную массу, которая медленно затекает в уши.
"The Storm Upstairs" - как будто ловит тягучесть прошлой композиции и продолжает её, но после минуты мгновенно набирает обороты. Почему-то на этом треке обратил внимание на барабанные партии, которые отбиваются как пулеметная очередь.
"...and the World Will Go On Without You" - трек интересный с точки зрения лирики, который во второй половине открывается интересным припевом.
"A Photic Doom" - третий сингл и третий клип с данного альбома. Мощная стена барабанов с самого начала подхватывает вихрем и несет по всему треку. Присутствуют моменты с "Голлумом" на бэк-вокале. А если без шуток, то невероятна способность Трэвиса настолько менять свой голос и его диапазоны. Я не знаю, кто еще настолько техничен в вокале. Шикарный, эпичный конец трека въедается в голову и еще долго там сидит.
"Dead End Residents" - не смог выделить трек чем-то особенным. Скорее, в целом сбалансированная композиция в стиле Катлов с типичной сменой темпов и вокала Трэвиса.
"Solastalgia" - весьма сильная композиция, которая с каждой минутой тащит тебя сильнее в свою пучину, заставляя переслушивать еще и еще. Конец композиции - один из самых сильных моментов на альбоме, который уступает разве что окончанию последнего трека.
"Just Another Body" - мрачное клавишное начало заставляет слушателя подготовиться к лучшим 10 минутам на этом диске. Мой фаворит на альбоме, с различными техникой, скоростью, вокалом и всем-всем. Кстати, проследил некую параллель между заключительными треками "Монолита", "Атласа" и "Террасайта". Схожесть в некой структуре. Как будто группа нашла эту победную жилу, которой можно заканчивать свои альбомы, оставляя самые приятные ощущения после прослушивания. Чистый вокал Трэвиса в самом конце заставляет почувствовать ту безысходность, напоминая, что мы "лишь еще одно тело".
У Cattle Decapitation получилось в очередной раз прыгнуть выше головы и удержать ту высочайшую планку, которую они задали сами себе альбомом "Monolith of Inhumanity". Невероятное качество записи, сведения. Сильные барабанные партии, высочайшее мастерство гитарных риффов и, конечно же, фирменный вокал Трэвиса, который не поддается описанию. Это надо слышать.
Ну что ж... после смерти мы прошли перерождение... Что будет дальше? Будем ждать, а пока сильный и запоминающийся релиз.
|
| |
|
|
|
|
|
| Наконец-то я собрался и написал эту «маленькую» рецензию.
Свершилось значимое событие в мире тяжелой музыки, спустя 7 лет выходит долгожданный новый альбом Metallica. Признаюсь честно, что после выпуска в 2016 году достаточно крутого "Hardwired...To Self-Destruct" я ожидал услышать новое творение группы, ну, максимум через 3-4 года, но пришлось ждать целых 7. Спасибо, что хотя бы не пришлось томиться в ожидании 8 лет, ведь именно такой промежуток был между перегруженным по звуку, но очень плодовитым генератором крутых риффов "Death Magnetic" и почти идеальным по звучанию, компоновке идей, а также своей целостности "Hardwired...To Self-Destruct".
В принципе, задержка альбома вполне оправдана, учитывая что в 2019-м мир потрясла эпидемия COVID-19. Все участники группы сидели по домам в разных городах и сочинять что-то вместе было достаточно сложно, учитывая что эта группа из тех, кто любит поджемовать. Несмотря на этот казус, Metallica, благодаря Zoom, записали классную акустическую версию песни "Blackened" из их самого сложного (с точки зрения музыкальных идей) альбома "...And Justice for All" 1988 года выпуска. Получилось просто великолепно.
Итак, возвращаюсь к «72 Seasons».
Сделав предзаказ цифровой версии альбома, я стал смиренно ожидать его выход, хотя, признаюсь, было очень тяжело. Хотелось поскорее услышать что же там насочиняли папа Хэт, быстрый и говорливый Ларс, мистер Кирк и синьор Роберто. До официального релиза группа успела порадовать фанатов 4 синглами, три из которых звучали превосходно.
И вот пришел тот самый момент, когда можно насладиться новой пластинкой любимой группы. Конечно же, все ранее выпущенные синглы пришлось слушать по новой, что, безусловно, помогло мне взглянуть на них под другим углом и услышать то, что пропустил при первых прослушиваниях.
Я слушаю Metallica начиная с 2001 года, именно тогда я первый раз с ними познакомился. На тот момент я ведь даже и не подозревал, что группа переживает тяжелые времена и между ее участниками назревает самый настоящий разлад, который вполне мог бы повлечь за собой распад Metallica в её привычном виде.
Моим первым альбомом группы, который я купил и послушал, был "Master of Puppets". Как сейчас помню, стоял холодный октябрь, приношу новенький диск домой, ставлю его в музыкальный центр отца, делаю погромче и... магия, поток энергетики, разряды молний, учащенное сердцебиение, эйфория - всё это буквально размазало меня под звуки ревущих гитар, бешеные ударные партии Ларса, невероятно красивый и мелодичный бас Клиффа и, конечно же, пронизывающий до костей вокал Джеймса. И с тех самых пор эти четыре всадника апокалипсиса завоевали мое вечное уважение…
Мне даже довелось побывать на 3-х концертах Metallica. Незабываемое времяпрепровождение!
Итак, воспоминания в сторону... Перед нами новый альбом - «72 Seasons».
Альбом открывает заглавный трек и начинается он очень даже бодро, отсылая слушателя сразу в две эпохи группы - "Kill 'em All" (дебют) и "The Black Album" (альбом, который сделал группу мировым музыкальным явлением). Фрагмент песни (0:00-1:37) хочется переслушивать снова и снова. По мере развития вступления звучит быстрый, почти даже скоростной бас Роба (давно я такого не слышал от группы), намекающий на времена их дебютной пластинки. Его дополняют плотный гитарный рифф и тяжёлые ударные в стиле "The Black Album". Потом все инструменты органично сливаются воедино и переходят в более быстрый, но глубокий темп, который был особым явлением на первых 2\3-х пластинках группы. Но при всем этом липкая и немного тягучая атмосфера "The Black Album" нависает над структурой песни, словно грозовые тучи. Далее, словно молния, вклинивается вокал, и Джеймс звучит просто изумительно, слегка напористо, местами торопливо и как-то даже тяжеловато. В целом манера пения в этой песне похожа на ту, что была на прошлом альбоме, но слышны отголоски времён "Load/Reload", и в этот раз Джеймс активно подвергает свой голос различным испытаниям, потому что в каждом треке он звучит всегда иначе, с определенным набором фишек. «72 Seasons» временами переходит на снижение темпа и утяжеляется, а потом снова набирает обороты, выходя на тропу "Kill 'em All", как бы показывая всем, что группа еще может играть быстро и убойно. К сожалению, после указанного фрагмента песня звучит немного однообразно, словно застревает на одном уровне и не может пройти дальше (увы, но так оно и есть), а запил Кирка (2:52-3:10) только усугубляет падение той энергетики, которая была продемонстрирована в начале трека, и в какой-то мере даже отталкивает от дальнейшего прослушивания. После того, как Кирк прекратит мучить свою гитару и песня продолжится, мы снова окунемся в немного мутноватый участок композиции, который вполне быстро забывается. Песня снова оживает в этом фрагменте (4:18-4:52), но не до конца, ибо этот момент мужики зачем-то (а может даже намеренно) перетянули, и получается, что при очень достойном вступлении эта часть песни как-то даже усыпляет от ожидания чего-то убойного и взрывного, но, увы, нарастающая агрессивная мелодия просто сопровождается одним гитарным, хоть и ритмичным чёсом в стиле Хэтфилда, который переходит в очередной небольшой куплет. А вот в последующем фрагменте (5:00-6:00) снова возвращается настоящая магия. Мистер Кирк звучит мощно, быстро и красиво. Этим соло гитарист показал насколько он всё-таки хорошо умеет играть, что бы там не говорили критики с галёрки и всякие рыжие музыканты (Дэйв Мастэйн). Тут вам и отсылки к "Kill 'em All", и более мелодичные, хорошо вплетенные в структуру этого соло куски, которые образуют настоящий бронебойный сплав. Далее и уже до конца трек звучит вполне сносно и, можно даже сказать, превосходно. В итоге данная композиция вполне себе хороша, в ней есть запоминающиеся яркие фрагменты и если бы общую продолжительность трека сократили до 4-5 минут, то получился бы очень сильный боевик, так как в этой песне есть, пусть и не совсем свежие, но весьма сильные идеи с хорошей реализацией.
«Shadows Follow» менее интересная композиция, которая начинается очень отрывисто и словно приползла к нам из эпохи "Death Magnetic", как ненужный обрывок тех лет, не сумевший пробраться на тот альбом. Начало трека и вовсе ничем не примечательно, и его (в принципе, как и сам трек) можно даже пропустить, но, тем не менее, в структуре песни будет несколько хуков и скрытых пасхалок, ради которых стоит дослушать песню до конца. Более-менее живой импульс начинает пробиваться в этом фрагменте (1:45-2:03), благодаря интересному припеву и формату голоса Джеймса, который меня приятно удивил, но потом трек снова погружается в некую кому и выползает из нее во время очередного припева, который удачно перерождается в грубый, тягучий, качающий рифф, который сменяется более мелодичным проигрышем в совместном исполнении Джеймса и Кирка, перерастающий в жгучий риффак с отголосками небрежного, сырого, но откровенного "St. Anger" (3:35-3:50). На самом деле, ничего сверхъестественного, просто нормальный фрагмент, который можно послушать и даже переслушать. Соло мистера Кирка в этот раз совсем не требуется и без него композиция стала бы даже лучше. Но из-за его внедрения ярко ощущается искусственность трека, словно «Shadows Follow» наспех собрали из разных кусков и получился мертворождённый, которого тщетно пытаются оживить на протяжении всей песни, а он лишь иногда брыкается под разрядами электричества, пропускаемого через его тело. После завершения ненужного и бездушного соляка, снова вступает в игру гитарный рифф из эпохи "St. Anger", но его портят какими-то постоянными скачками. Пожалуй, одна из самых слабых композиций на альбоме, которую можно послушать ради припева и одного риффа, который постоянно портят какими-то нелепыми и ненужными вставками, сбивающими с толку.
«Screaming Suicide» один из пламенных хитов этого альбома. Весьма богатая на идеи и крутая по звучанию композиция, которую приятно слушать от начала и до конца, и ставить на повтор. Много шикарных и запоминающихся гитарных риффов, которые откладываются на подкорке. Сразу видно, что музыканты вложили душу в этот трек. Эту композицию даже не хочется разбивать на лучшие фрагменты, ибо таких тут предостаточно, «Screaming Suicide» всецело звучит и ощущается, как самое настоящее логически завершенное произведение, в котором соблюдается нужный баланс всех его частей, не дающий треку расползаться на куски. Но если уж выбирать самый-самый крутой фрагмент песни, то это, безусловно, будет 2:35-3:37.
Хронометраж тоже вполне уместен, урезать ничего не нужно. Отличный трек, который очень органично и бодро звучит на концертах.
«Sleepwalk My Life Away» начинается с достаточно скучноватого вступления с лязгающей басовой партией Роба, которая сопровождается гитарным риффом а-ля "Load/Reload". Далее композиция придерживается того же курса, но фантомный корабль, вышедший из гавани "Load/Reload", начинает постепенно набирать ход. Так, например, фрагмент 0:54-1:15 цепляет своим качевым и тяжёлым риффом. Сама по себе песня звучит, как приблюзованный хард-рок на максималках. Джеймс на этом треке в плане вокала возвращается во времена "Load/Reload". Он использует ту же самую тягучую и немного ленивую манеру исполнения, но добавляет к ней немного зрелой агрессии. Мне вокал Джеймса в этой песне очень даже понравился. Хороший темп и немного грубоватая манера исполнения, а также запоминающийся припев, пронизанный тягучим центральным риффом композиции, делают «Sleepwalk» хорошим крепким треком, но со своими тараканами. Вся эта немного наркотическая идиллия со знойной атмосферой американского юга набирает обороты (3:54-5:00), сначала звучит грубоватый переход к соло, а потом в игру вступает и сам мистер Кирк. Его соло вполне органично вписывается в общий рисунок этой композиции. Фрагмент, идущий сразу же после соло (4:58-5:35), воспринимается как частичка "St. Anger", но уже с налаженным и стабильным звучанием, без кастрюльного отголоска. Вот именно так, на мой взгляд, должен был звучать самый спорный, но не менее откровенный и богатый на хорошие идеи альбом Metallica 2003-го. Далее трек звучит ровно, без изысков, и снова удивляет в этом фрагменте (6:17-6:45). Сначала Ларс делает неожиданный подарок, выдавая короткое, но приятное уху соло на ударных, а потом, словно морское чудовище, медленно плывущее в глубинах океана, где-то по холодному каменистому дну ползет крутой гитарный рифф. Вполне достойная композиция, которую можно поставить в один ряд с лучшими треками этого альбома.
«You Must Burn!» продолжает гордо нести знамя всё тех же "Load/Reload". Вся композиция буквально пропитана духом того времени, но, в отличие от материала вышеупомянутых пластинок, этот трек звучит немного бодрее и злее, в основном, конечно, из-за периодической спешки мистера Ларса. Признаюсь честно, что при первом прослушивании композиция показалась мне немного безликой, и только во время повторного прогона мне открылся её настоящий потенциал. Хороший трек, но затянутый, что, несомненно, повлияло на его восприятие. Лучший, но в то же время слегка усыпляющий фрагмент песни (0:49-3:27) потом переходит в отрывистую долбёжку по барабанам в исполнении резвого датчанина, который словно планирует пробудить в песне демона, вызывая своими барабанами грубый гитарный рифф из фильма ужасов, ведущий за собой на окровавленной цепи соло Кирка, которое, на мой взгляд, получилось неинтересным и почти раскололо композицию на до и после. Если бы не затянутость и проходное соло, то «You Must Burn!» можно было бы назвать отличной песней, а так получился трек для частичного прослушивания.
«Lux Aeterna», как самый первый выпущенный сингл, задал весьма высокую планку для всего альбома. Быстрая, мощная и короткая композиция снова открывала перед слушателем ту самую Metallica, которая 40 лет назад выпустила свой первый зубодробительный альбом "Kill 'em All". «Lux Aeterna» это одна большая отсылка, которая насквозь пропитана энергией дебютника. Как сейчас помню, решил я в школьные годы спросить у моего друга, какая у него была реакция на альбом "Kill 'em All". И он ответил, что никогда такого не слышал, звук такой резкий и стальной, словно на гитаре играет Железный человек или Терминатор. Его ответ меня очень позабавил. «Lux Aeterna» один из главных алмазов этого альбома. Хороший, мощный и незатянутый трек, который непременно хочется переслушать. Все элементы композиции удачно гармонируют между собой, а вокал Джеймса это нечто, особенно когда он берет высокие ноты и всё это пробирает до мурашек. Тем не менее, несмотря на свою крутость, трек играет роль некого отщепенца, так как он совсем не вписывается в эту пластинку. У «Lux Aeterna» совсем другая энергетика. В качестве отдельно выпущенного сингла песня чувствовала бы себя гораздо лучше, а так она теряется на фоне остальных, более тяжелых и продолжительных треков.
«Crown of Barbed Wire» - композиция, которая была создана под влиянием "Load/Reload", но с более тяжёлой атмосферой. Этот трек один из самых слабых и невыразительных на этом альбоме. Возможно, кто-то найдет его интересным, но меня эта композиция совсем не зацепила. Продолжительность умеренная, но за эти 5 минут с хвостиком ничего интересного не происходит. Трек фактически не вызывает никаких эмоций, кроме скучного равнодушия, разве что только припев (1:40-2:00) хоть как-то может привлечь внимание к этой композиции. Небольшая реанимация всё-таки происходит с появлением соло, которое поначалу звучит внушительно и бодро, но потом скатывается к любимому эффекту «вау-вау» от мистера Кирка и композиция снова погружается во мрак комы, в которой она пребывает большую часть времени. Возможно, в будущем я смогу её понять и услышать в ней что-то ускользающее от меня в данный момент.
«Chasing Light» продолжает утягивать альбом за собой в зыбкую почву под хохот «Lulu», откуда практически нет возврата. В песне есть слушабельный фрагмент с олдовым звучанием (0:45-1:16), а также запоминающийся припев в стиле классического хэви, и на этом все подарочки заканчиваются, остаются лишь слабенький скелет песни и спадающие с него музыкальные куски разорванной плоти. Трек отчаянно пытается выбраться на поверхность, но его снова и снова закапывают, пуская в ход однообразное соло и небрежно склеенные куски, которые, по сути, и завершают этот слабенький трек. Композиция тухловатая и это уже ничего не изменит. Слушать её заново нет особого желания даже из-за припева. А что касается вокала Джеймса в этой песне, то он слишком сбивчивый и слышны моменты, где его голос нехило так проседает, получается какая-то пародия на себя самого. Вот вам и претендент на звание худшей песни с альбома.
«If Darkness Had a Son» - тот самый герой, разгоняющий всю скуку, которая накопилась после прослушивания «Chasing Light» и «Crown of Barbed Wire». Несмотря на свое, казалось бы, темное название, спасительный трек приносит во тьму настоящий яркий свет. Перед нами весьма крепкая композиция с хорошим вступлением, которое начинается в стиле «One», сопровождаемое четким и напористым риффом, а также приятной мелодикой от мистера Кирка. Вся эта музыкальная идиллия взрывается мощным, второстепенным припевом (1:20-1:37), который словно делает отсылку на нереализованный трек со времён "St. Anger", доступный лишь в виде демо-записи, и то в очень плохом качестве. При написании данной композиции группа определённо черпала свое вдохновение в "The Black Album" и слегка разбавляла его атмосферой "Master of Puppets". На самом деле, выделять какие-то отдельные крутые фрагменты из песни не вижу никакого смысла, ибо композиция всецело слушается просто отлично. Хотя если бы трек звучал 4-5 минут, то он точно был бы одним из моих фаворитов на этом альбоме. А так мы имеем крепкую и достойную композицию, которая наверняка будет очень хорошо звучать вживую.
«Too Far Gone?» выступает на альбоме в качестве сводного брата "Lux Aeterna", звучит почти так же быстро, с явным налётом "Kill ’em All", но, в отличие от "Lux Aeterna", этот трек проваливается по всем параметрам. В композиции нет ничего, что могло бы зацепить. Словно она была записана просто так, для того, чтобы довести пластинку до необходимого числа треков.
«Room of Mirrors» - предпоследний трек с пластинки. Эта вполне хорошая композиция, которая определенно достойна внимания, словно родилась во время написания предыдущего альбома группы. Очень уж напоминает мне по стилистике "Hardwired… To Self-Destruct". В особенности такие песни, как «Spit Out the Bone» и «Lords of Summer», первую в большей степени. По крайней мере, структурно они очень схожи. Возможно, что «Room of Mirrors» находилась на стадии демки, про нее вспомнили и решили доработать для включения в состав "72 Seasons". Мне очень нравятся плавные переходы, которые не вызывают ощущения какой-то грубой склейки из разных и не совсем совместимых фрагментов. К тому же в этом треке хороший хронометраж, прямо-таки в яблочко попали. А фрагмент 3:36-4:00 берет за душу.
«Inamorata» это 11-минутный красивый опус, который завершает новый альбом Metallica. Композиция обладает множеством интересных идей, но её достаточно непросто слушать целиком и управиться с ней за один раз. Более того, этот трек нужно слушать вдумчиво без каких-либо внешних раздражителей, тогда «Inamorata» откроет вам свою музыкальную душу, а она у нее весьма богатая и включает в себя много скрытой печали. Как только вы поймете «Inamorata», то эти 11 минут будут пролетать для вас почти незаметно и с каждым разом вам будет всё приятнее и приятнее возвращаться к этой композиции.
По итогу могу сказать, что альбом «72 Seasons» мне определенно понравился. Он берет всё самое лучшее от прошлых работ группы, в особенности от "Load\Reload", но в то же время умудряется звучать по-своему. Сложно выделить победителя между «72 Seasons» и «Hardwired… To Self-Destruct», оба альбома звучат хорошо и каждый из них открывает новую страницу в истории группы. «Hardwired… To Self-Destruct» практически лишен проходных и слабых треков. Большая их часть вполне себе крепкие композиции, но среди них нет действительно крутых треков, которые звучали бы мощно от начала и до конца. Среди самых лучших композиций с прошлого альбома я могу выделить: "Moth Into Flame", "Spit Out the Bone", "Hardwired".
В связи с этим я всё-таки склоняюсь в сторону «72 Seasons». Для меня этот альбом звучит даже как-то лампово и открывает новую эру Metallica. Хотелось бы услышать следующую работу группы в более-менее похожем стиле.
По факту в «72 Seasons» всего три слабые песни - «Chasing Light», «Crown of Barbed Wire», "Too Far Gone?", и то, вторая еще может выбраться на поверхность, оставив за собой "Chasing Light" и "Too Far Gone?".
Лучшими треками на альбоме являются, в порядке убывания: "Screaming Suicide", "If Darkness Had a Son", "72 Seasons", "Inamorata", "Lux Aeterna", "Room of Mirrors".
"Sleepwalk My Life Away", "You Must Burn!" (а также "Shadows Follow", которая находится на волоске от того, чтобы попасть в третий эшелон) вполне себе крепкие композиции, но не дотянули до уровня лидеров по ряду недостатков, которые я указал выше.
Лично я ставлю «72 Seasons» 8.5 балла из 10.
Кстати, новые песни очень круто звучат на живых выступлениях.
|
| |
|
|
|
|
|
| Тайна велика сия есть. Кроме названия "Lightning to the Nations" этот диск проходит как «Белый альбом». Потому что первопресс и «второпресс» были с белой обложкой, подписанной вручную музыкантами группы. Вот это называется сэкономили! Где одна подпись, где две, кто-то, видимо, тащил виниловую пластинку на концерты и брал автографы у музыкантов всей группы. Это ж надо было так заморочить людям патлатые головы! Сколько стоят эти экземпляры у коллекционеров, я даже боюсь посмотреть на Дискогсе.
Кстати, я, например, слушаю ремастер 2011 года от Universal. Даже после мастеринга звук - не ахти, и потому не могу представить, как он звучал в оригинале. Наверное, еще сырее и круче.
Diamond Head некоторые называют одной из первых групп NWOBHM – это хорошо чувствуется на данном альбоме. Команда была организована в 1976 году и играла Heavy Metal/Hard Rock. Пара демо-записей, пара синглов за 4 года. Ну и вот вам винил. Контракта нет, сами выпустили.
Рецензенты отмечали музыкальные связи Diamond Head с UFO и Black Sabbath. Что, очевидно, было намерением поддержать группу, дать новичкам шанс. А я бы еще назвал Led Zeppelin.
Чем хороши вот такие издания - 2CD Deluxe Edition? Да тем, что там есть даже история команды. И биография начинается с одной большой металлической группы М. Которая честно как-то назвала Diamond Head своими важнейшими предшественниками. Другие приколы вы читали в биографии этой группы M., когда один музыкант по молодости ездил, как привязанный, за DH в турне.
И хватит про M.
Гитарист Diamond Head Brian Tatler рассказывает про свои школьные годы: «Я начал врубаться в Deep Рurple и Ричи Блэкмора. Я хотел сыграть соло из "Highway Star". Я думал, если сыграю, то люди заценят. …Я приезжал домой из школы и практиковался в спальне».
И обратите внимание, когда Брайан нашел себе ударника, они уже в самом начале пробовали писать СВОИ песни. И еще - когда команда уже сформировалась - никогда не думала, что вот они - молодые, только начинающие. Всегда думали о себе, как о молодых, но перспективных. Играли, где только возможно, и в 1980-ом сыграли в Лондоне, открывали Angel Witch.
А вокруг уже пахло Металлом, поднимались такие группы как Iron Maiden и масса других... накатывала тяжелая NWOBHM. А Брайан крутил головой и думал: «Да мы не хуже иных, а может быть и лучше». Потому ребята и заделали самиздатом ныне легендарную виниловую пластинку "Lightning To The Nations".
А что? Материала хватало - в загашнике было около сотни (!!!) своих песен (!!!). Потом, кстати, нашлись и лейблы, готовые официально издать альбом. Большая история Diamond Head началась...
Группа культивировала Heavy Metal с Blues Rock и Hard Rock влияниями, а также следами классической музыки, которую слушал Татлер. И с самого начала альбома можно заметить еще один фактор - команда не заигрывает со слушателем - «сделаем просто и красиво, а то вдруг не оценят, не поймут». Музыканты со всей серьезностью впряглись в тему, не давая слабины, выдавая материал изо всех сил, на которые были способны. И эта энергетика не могла быть не замечена.
Гитарист Татлер (20 лет на момент записи) вспомнил бдения в своей спальне, а также некоторые работы Густава Холста (английский композитор, 1874-1934). Его гитара то беснуется, жалит и драконит, то вполне по-блюзовому тяжко-меТодична и риффами цепляюща. По его струнной теме скажу сразу - это большой труд, местами по-кайфовому хаотичный, неоднородный - будто его вот тут сразу сочинили, сыграли и записали. Вот такое здоровое впечатление сиюминутности и импровизации. А меж тем атмосферы и спецэффектов, актуальных на то время, в альбоме хватает...
Что с вокалистом? Sean Harris (20 лет на момент записи)... а ведь нормально спел (не Плант - да, но Плант у нас один). Обладатель не сильно мощного, но выразительного вокала - однозначно. Местами он немного проседает, но я считаю, что это издержки записи всего альбома за 7 дней студийного времени. Великий плюс от этого - уже упомянутый эффект непосредственности. Будто вот группа встала и сыграла перед нами этот альбом.
Еще раз: 2CD Deluxe Edition.
На втором диске собраны некоторые вещи с EP 1980 и EP 1981. И это классно, ибо там никакого ремастеринга нет. А есть техничность, бесшабашность и оттого, что удивительно - цельность. Очень даже неплохое дополнение.
P. S. Чуть не забыл. Слушая этот альбом, заметно, что упомянутая группа М. вдохновлялась кой-какими идеями Diamond Head.
|
| |
|
|
|
|
|
| Ай да Энди Кернс, ай да сукин сын! Именно это шутливое и перефразированное восклицание, некогда адресованное великим прозаиком Пушкиным самому же себе, первым приходит на ум после прослушивания свежего релиза от культовых североирландских альтернативщиков из группы Therapy?. Воистину непоколебимый коллектив, который вот уже свыше тридцати лет прямолинейно режет правду-матку и изливает свой негативизм посредством незамысловатого альтернативного рока. Хотя с незамысловатым я, может быть, немного погорячился, учитывая что в своем творчестве музыканты использовали весьма серьезные наработки и элементы от таких музыкальных стилей, как нойз, фри-джаз, прогрессив... Но вот то, что они так резко вернутся чуть ли не к корням, а именно к прямолинейному, мощному и мелодичному по звучанию материалу времен "Troublegum", честно сказать, слегка удивило, и в то же время искренне порадовало. Возможно, это просто, что называется, "слезы олдфага", но именно такой творческий подход, продемонстрированный на альбоме "Hard Cold Fire", как нельзя лучше к лицу этим нестареющим, бьющим ключом тестостерона ирландским музыкантам.
"Hard Cold Fire" - это десять исключительно динамичных композиций, практически не выходящих за радиоформатный хронометраж в три с половиной минуты, в которые, как всегда, искусно вплетена минорная и депрессивная лирика с большим упором в рефлексию. Где отчетливо считывается тенденция возвращения к творческим корням прямолинейного альтер-рока, толики пост-панка и гранжа, и все эти элементы музыкальных стилей искусно балансируют между собой в симбиозе относительно тяжелого гитарного звучания, утопающего в весьма мелодичных гармониях. Прибавить к этому продюсирование Криса Шелдона и недавно зарекомендовавших себя независимых Marshall Records - вырисовывается картина крайне удачно записанного и спродюсированного музыкального релиза от ветеранов альтернативной музыки, которые (не чета остальным коллегам по цеху) остались устойчивыми, не только на плаву, но и, как говорили в одной замечательной киноленте, еще способны "дать рока в этой дыре".
И свежий релиз Therapy? в действительности способен оказать подобный эффект мощного музыкального нокаута, отойдя от которого почему-то определенно хочется повторить подобный опыт заново, ну, в смысле поставить как минимум на repeat. К счастью, небольшая продолжительность альбома и его обволакивающая энергетика к этому располагают.
|
| |
|
|
|
|
|
| К началу третьего десятилетия 21 века создавать что-то интересное в тяжёлой музыке стало неимоверно трудно - все основные жанры давно открыты-переоткрыты, между собой мешаны-перемешаны. Кроме того, возможности даже небольших студий звукозаписи вкупе с возросшим качеством аппаратуры позволяют даже за не самые большие бюджеты записывать музыку в таком качестве, которое и не снилось корифеям метал-жанров на заре их появления. А значит в этом конвейере создания музыки на любой вкус ключевым параметром становится качество материала. Необязательно удивлять слушателя, главное, чтобы музыка была гармонична, чтобы она цепляла, чтобы запоминалась даже на фоне сотни схожих собратьев по жанру, чтобы к ней хотелось вернуться и переслушать.
Итальянцы из Genus Ordinis Dei впервые заявили о себе ещё в 2013 году, выпустив дебютник "The Middle" на независимом лейбле, но всерьёз обратили на себя внимание слушателей после релиза "Great Olden Dynasty" – крепкого death-metal релиза с вкраплениями металкора и задатками симфонической части, к полноценной реализации которой они подошли через три года.
В 2020 вышла их последняя полноформатная работа к настоящему моменту, концептуальный альбом под названием "Glare of Deliverance". История происходит в вымышленном итальянском городе 15-16 веков и рассказывает о девушке Элеонор, попадающий в лапы инквизиции под предводительством Чёрного Монаха в страшной маске. Следует отметить, что помимо создания музыкальной части, группа также привлекла операторов, костюмеров и постановщиков и визуализировала свою историю: каждой песне посвящено небольшое (укороченное по сравнению с самой песней в 1,5-2 раза) постановочное видео, показывающее очередную главу истории. В какой-то степени музыканты написали дэт-метал мюзикл. Не берусь оценивать визуальную составляющую, меня работа зацепила прежде всего своей музыкой.
Что отличает "Glare of Deliverance" от схожих альбомов: как правило, решив поиграть с симфоническими примочками, металлисты «забивают» ими всё свободное пространство инструментальной части, делая их основой своей музыки. Здесь же музыкальный каркас именно дэт-металлический, на который Meiz сотоварищи надстраивают симфонические примочки. Да, есть красивые полуакустические переборы. Да, иногда появляется чистое гитарное соло, как в "Judgement" или "Edict". Оркестровые многоголосья, хоры, но всё же каркас – мощный, среднетемповый дэт-метал. За это нельзя не отметить мощную ритм-секцию, за которую отвечали Steven F. Olda (басс) и Richard Meiz (барабаны). К сожалению, оба покинули группу к настоящему моменту, и, учитывая что Meiz был основным композитором и идейным вдохновителем команды, будущие диски группы ожидаю с некоторым опасением… Но вернёмся к обсуждаемому альбому: как отмечал выше, сами гитарные соло достаточно красивы, а в остальном гитары (Tomasso Monticelli и Nicollo Cadregari) не выделяются, но зато органично вплетены в основу инструментального повествования. За вокальные партии отвечает всё тот же Nicollo Cadregari: красивый глубокий гроул, скрим невыдающийся (благо его немного), ну а чистые, с хрипотцой вокальные линии мне вообще напомнили по манере и тембру Heri Joensen из Týr.
В итоге немалая 71 минута пролетает незаметно: казалось, трое лучших охотников за нечистью Черного Монаха ещё только отправились вглубь лесной чащи отловить носящую артефакт Элеонор, а вот уже Хранитель каменного сердца через уста Элеонор насылает проклятие на каждого причастного к чудовищным расправам в городе перед тем, как душа девушки покинет тело, истлевающее в огне костра инквизиции. Притягательность музыки заставляют слушать эту работу раз за разом, открывая новые грани творения итальянских музыкантов.
P. S. Каким-то таким, полагаю, должен был быть альбом "In Sorti Diaboli" коллег из смежного жанра. Но Dimmu Borgir были на пороге очередных дрязг и пертурбаций состава, а потому альбом 2007 вышел в достаточно серых тонах (как "Трудно быть богом" Германа-старшего). Ну а заявленная тема была представлена в ярком обрамлении только спустя 13 лет, выйдя из-под кисти итальянских мастеров.
|
| |
|
|
|
|
|
| Приветствую всех любителей хорошей музыки! Итак, вышел новый долгожданный альбом Металлики "72 сезона". Ожидание, действительно, получилось долгим - целых семь лет! Но, надо сказать, группа всё это время не сидела сложа руки - в 2020 вышел потрясающий концертный альбом c оркестром "S&M 2", своего рода продолжение концерта с симфоническим оркестром 1999 года "S&M". Были переизданы ранние альбомы, кое-какие каверы, вышел сольный миньон Кирка. Наконец группа вернулась в студию, традиционно Metallica записывала альбом довольно долго: с марта 2021 по ноябрь 2022. Впрочем, вернемся непосредственно к "Сезонам". Почему альбом получил именно такое название объяснил фронтмен Джеймс Хэтфилд:
«"72 сезона" родом из книги, которую я читал о детстве, она о том, как разобраться в детстве, будучи взрослым. А 72 сезона — это первые 18 лет твоей жизни. Как вы развиваетесь, растёте, взрослеете и развиваете свои собственные идеи и самосознание после этих первых 72 сезонов? Некоторые вещи сложнее, чем другие. Некоторые моменты вы не можете забыть, и они остаются с вами на всю жизнь, а в другие моменты вы можете перемотать пленку и сделать новую запись в своей жизни. Так что для меня это действительно интересная часть — как ты сможешь справиться с этими ситуациями, став взрослым и зрелым».
Открывает альбом одноименная песня «72 Seasons» - драйвовая и разнотемповая вещь с мощными тяжелыми риффами и яркими соло Кирка. Песня содержит несколько красивейших соло Хэммета. Кирк вернулся как соавтор на этой пластинке, после того, как прошлый альбом он пропустил - так велико было разочарование от потерянного телефона с его музыкальными идеями. Зато теперь The Ripper вернулся и является полноценным композитором в новом альбоме! Не знаю наверняка, но возможно он и есть автор центрального грувового риффа, по крайней мере, этот рифф в его стиле. Безусловный хит, впрочем, как и все четыре сингла с альбома.
«Shadows Follow» - довольно бодрый и хороший боевик, здесь прежде всего обращает на себя внимание необычная манера пения Джеймса в куплетах - это больше напоминает скороговорку. Причем на этом альбоме это не единственная песня с нетипичным вокалом и исполнением Хэтфилда. Далее идет очень мелодичное пение в припевах и вокальные гармонии. Очень атмосферное соло. Очень хорошо. Лирика о человеке, боящимся взглянуть в лицо своему страху. Надо заметить, что этот альбом практически концептуален - он посвящен противостоянию темной и светлой сторон личности.
«Screaming Suicide» - ещё один энергичный, быстрый и в какой-то мере веселый боевик, несмотря на серьёзную тему, которую затрагивает лирика. Есть в этой песне что-то бесшабашно веселое, начиная с вступления, и заканчивается она хорошо - мысли о суициде оставляют в покое лирического героя:
"I’m no longer needed here
Now you've faced your biggest fear
Я больше не нужен здесь,
Теперь ты встретил свой самый большой страх."
«Sleepwalk My Life Away» - песня стартует с бодрого фанкового интро авторства Роба. Вот и нашлось место его любимому стилю на альбоме Металлики. Песня среднетемповая с запоминающимся мелодичным припевом. Лирика повествует о человеке, проживающим свою жизнь словно во сне, застрявшим в бесконечной рутине и не понимающим как выбраться из неё.
«You Must Burn!» - хотите потяжелее? Металлика даст вам это! На альбомах группы всегда найдется место для приличной тяжелой вещи, вроде "Harvester of Sorrow", "Sad but True" или "Dream No More. Практически на всех альбомах есть медленные тяжелые песни. Здесь это "You Must Burn!".
Песня звучит великолепно, тягучая, тяжелая, атмосферная с мелодичным соло и инфернальным бэк-вокалом Роба! Надо отметить, что здесь Трухильо выступил соавтором, как и на двух предыдущих вещах. Лирика довольно прозрачна, изобличает людей которые крайне нетерпимы к чужому мнению и готовы "сжечь еретиков", но это можно понимать шире - не суди, да не судим будешь.
«Lux Æterna» - "Вечный свет", безусловный хит, просто безоговорочный. Очень мощная и драйвовая песня, быстрая и энергичная, стремительная и заводная. Лирика повествует о концертной деятельности группы, песни с подобной лирикой у группы появляются периодически (начиная с "Hit the Lights" до "Lords of Summer"). Эту вещь можно смело ставить в ряд с проверенной временем классикой группы. Металлика просто не могла ошибиться с выбором первого сингла.
Джеймс о "Lux Æterna":
«Жёлтый цвет для меня — это свет. Это источник добра. Поэтому на фоне чёрного он действительно выделяется. Это свет.
Я хотел, чтобы этот альбом назывался "Lux Æterna" потому что это подытоживало все песни для меня, своего рода вечный свет, который всегда был внутри нас и, возможно, только сейчас выходит наружу. И я оказался в меньшинстве, ну и славно. "72 Seasons" определённо более удобоваримый вариант. Вы можете понять, что это такое. Вы можете покопаться в этом и задуматься над этим. Но цвет оформления появился из "Lux Æterna"».
«Crown of Barbed Wire» - после напряженного вступления идет ещё одна медленная и атмосферная песня, где все музыкальные инструменты и, не в последнюю очередь, надрывный вокал Джеймса нагнетают напряжение. Очень мелодичный и запоминающийся припев продолжает прекрасное соло. Лирика о добровольном человеке-мученике (наподобие "My Friend of Misery"), причем мучения его бесполезны, это страдание ради страдания. "Так тесна корона из колючей проволоки", - поет Джеймс.
«Chasing Light» - марширующий танк, так бы я назвал вступление к этой песне. Бодрая мелодичная вещь с красивыми соло. Как и предыдущая, написана в соавторстве с Хэмметом. Борись с жизненными трудностями, несмотря ни на что - как я понял смысл песни:
"Struggle on, cause without darkness
Without darkness, there's no light
Продолжай бороться, потому что без тьмы,
Без тьмы - нет света".
«If Darkness Had a Son» - "Если бы у тьмы был сын, вот и я! Искушение было бы его отцом!" Эта вещь одна из моих безоговорочных фаворитов альбома. Еще одна песня в соавторстве с Кирком Хэмметом. Снова мелодика и тяжесть в одном флаконе! Как и все синглы, она - явный хит. Только этот хит не радиоформатный. Песня тяжелая с классным грувовым риффом (подозреваю, что хэмметовским). Припев сразу и надолго застревает в голове. Выкрикам Джеймса "Temptation!" хочется подпевать. Песня - чудесный пазл, где всё на своем месте. Лирика повествует о человеке, поддающимся тёмным сторонам своей натуры и желаниям:
"Temptation, leave me be!
Искушение, оставь меня в покое!"
«Too Far Gone?» - ещё один мелодичный драйвовый боевик. И ещё одна песня с нетипичным пением Джеймса. Больше всего мне эта манера пения напоминает "Purify" c "St. Anger". Хрипотца в голосе придает песне красок, также имеются несколько прекрасных соло. Песня о некой зависимости(ях), насколько я понимаю.
«Room of Mirrors» - без передышки сразу же идет ещё один скоростной и энергичный боевик, переполненный мелодиями и гармониями. Просто хит, просто великолепно! Лирика повествует об открытости и искренности:
"So I stand here
Before you
You might judge
You might just bury me
Or you might set me
Or you might set me free
Вот, я стою тут, перед тобой,
Ты можешь осудить меня,
Ты можешь похоронить меня,
Или ты можешь, или ты можешь освободить меня".
«Inamorata» - "Возлюбленная". Кода. Эпическое завершение и жемчужина альбома. Тут есть всё: мелодичные проигрыши и соло, гитарные и басовые. Одиннадцать минут проходят в один миг - несмотря на внушительный хронометраж, песня воспринимается легко. Можно сказать, что она восполняет собой роль отсутствующей баллады на этом альбоме.
Лирика вновь обращается к теме добровольного страдальца, человека, которому "удобно жить в знакомом аду", в постоянном негативе. В данном случае возлюбленная - это страдание, в котором пребывает лирический герой:
"Misery
She needs me
Oh, but I need her more
Страдание,
Оно любит меня,
Но я люблю его больше".
Но всё не так фатально для лирического героя (в котором каждый из нас при желании узнает и себя), луч надежды дают последние строки:
"Misery
She fills me
Oh no, but she’s not what I’m living for
She’s not what I’m living for
My misery
No no
Страдание, оно наполняет меня, но это не то, ради чего я живу,
Это не то, ради чего я живу,
Мое страдание,
Нет, нет".
Альбом получился очень разнообразным и энергичным. Он гораздо драйвовее, быстрее и интереснее предшественника - альбома "Hardwired... to Self-Destruct", хотя, безусловно, это был крепкий и сильный альбом. Новая пластинка содержит множество интересных и красивых мелодий, гармоний, прекрасные соло и проигрыши. Каждый музыкант группы раскрылся здесь полностью. Джеймс поёт в различной манере на протяжении всего альбома. У Кирка здесь множество красивейших соло и проигрышей. У Ларса интересные и узнаваемые партии ударных. Роб привнес свои фанковые фишки, интереснейшие интро, соло и даже вокальную партию. Об этом хочется сказать отдельно, до того атмосферно получилось, что мне хотелось бы услышать его вокал и на следующим альбоме группы!
Без преувеличения, это лучший альбом Металлики в двадцать первом веке. Альбом по-своему концептуален, он о становлении личности, но не за 72 сезона, а за всю жизнь. Здесь нет баллад - они тут не нужны. Здесь нет инструментала - большинство песен, как последняя, например, содержат интересные проигрыши и мелодии. Здесь нет стандартных каноничных песен. Металлика снова сделала всё по-своему и сделала великолепно. Еще один момент, Металлика - это живая концертная команда, и, уверен, все песни с альбома будут сыграны со временем. Те, что уже были сыграны - звучат превосходно.
Мой вывод: альбом получился просто великолепным. С удовольствием слушаю его. Личные фавориты: "Lux Æterna", "If Darkness Had a Son", "Inamorata", "72 Seasons", "Screaming Suicide", "Room of Mirrors".
|
| |
|
|
|
|
|
| Грамотно состряпать обзор столь весомому, каковым был и, я надеюсь, остаётся в истории мировой рок-музыки альбом "Argus", и непросто и в то же самое время достаточно легко. Легко уже хотя бы потому, что хвалить всегда проще, чем критиковать. Сыпь комплименты, пой дифирамбы, заливайся соловьём и почти наверняка останешься в выигрыше. Тем более что хвалить есть за что.
Однако за последние пятьдесят лет "Argus" оброс таким количеством легенд, сомнительных измышлений и разного рода подробностей, в достоверности которых нет уверенности, что невольно задумаешься - готовить обзор на их основе, всё равно что продвигаться по минному полю.
В ретроспективе британского рока "Argus" занимает особое место. Впрочем, 1972-й год подарил музыкальной общественности целую россыпь отменных рок-альбомов. Достаточно перечисления названий только самых известных в те времена коллективов, приложивших к этому свои усилия, с одних лишь британских островов: Uriah Heep, Yes, Slade, Deep Purple, The Rolling Stones, Genesis, Black Sabbath, Jethro Tull... И это далеко не все, достойные упоминания. Думаю, не самое последнее место в этой славной когорте занимал тогда и квартет Wishbone Ash со своим "Argus".
Впрочем, и переоценивать эту пластинку вместе с группой не следовало бы. Как ни крути, а до значимости, скажем, "...In Rock" или "Dark Side..." эта работа WA не дотягивает. При всём к ней уважении.
Пятна, как известно, есть даже на Солнце. Вот о "пятнах" "Argus" в основном и поговорим.
Думаю, нет необходимости долго пояснять, чем запомнилась в своё время эта пластинка. Прежде всего тем, что четвёрка WA первой из числа наиболее известных рок-команд стала применять формат сдвоенных лидер-гитар (поначалу, правда, лишь эпизодически). Кроме того, в основу программы "Argus" музыкантами группы заложено так называемое кентерберийское звучание, проще говоря, средневековые фолк-мотивы. Быть может, кто-то вспомнит, что первые "опытные образцы" этих проявлений присутствовали уже в предыдущем альбоме WA "Pilgrimage" (1971 г.). И будет прав, хотя и бытует предубеждение, что ничего похожего ни до, ни после "Argus" группа не делала.
И всё же обратим внимание на пару номеров из "Pilgrimage". В инструментальной зарисовке "Alone" гитаристы Э. Пауэлл и Т. Тёрнер пробуют гармонизировать мелодию этой пьесы двумя солирующими партиями, пока ещё робко и не слишком убедительно. А в "Valediction" можно услышать вариацию того самого кентерберийского звучания, если бы не стремление музыкантов решить этот вопрос чересчур серьёзно. Потому и получилось у них слишком академично и, говоря откровенно, сухо и скучно.
Неверным будет считать "Argus" исключительно рок-альбомом. Элементы фолк-музыки, увязанные с приёмами, которые гитаристы использовали при исполнении "средневекового рока", квартет удачно закрепил нетривиальными решениями. Впрочем, в этом усматривается уже продюсерская работа. Например, у большинства композиций программы в основе многогранные дискретные структуры, что приблизило звучание WA к прогрессивному року. Но это их звучание оказалось единственным в своём роде. Не вспомню случая, чтобы кто-то даже из числа умелых и маститых исполнителей попытался бы повторить нечто подобное.
Не получила, впрочем, развития эта музыка и у WA. Разве что их следующий диск "Wishbone Four" содержит отдельные наработки "Argus". В каком-то смысле этот альбом в те времена явился миру этакой квинтэссенцией оригинальных решений, когда, казалось бы, хорошо забытое старое стало представляться в ином свете.
В общем, проявления прогрессивного рока в музыке WA - это явление ситуативное и мимолётное, в какой-то степени зацепившее соседние их альбомы "Pilgrimage" и "Wishbone Four".
Это же касается и концептуальности пластинки. Уже по истечении какого-то времени сам Энди Пауэлл высказался по этому поводу следующим образом: "Изначально "Argus" не задумывался как концептуальный. Концепция начала проявляться в процессе работы над ним. Близкая тематика текстов побудила нас к написанию соответствующей музыки. Или же под готовую музыку придумывались нужные слова. Отсюда и создаётся ощущение некой концептуальности. Но изначального замысла точно не было".
В этом плане несколько оторванной от прочих представляется роскошная элегия "Leaf And Stream". Отстранённая философская романтика её текста без какой-либо конкретики нейтрализуется изящным гитарным сопровождением, отчасти всё же сохранившим этот номер в рамках концепции:
"Нахожусь в потоке пустых мыслей,
Словно опавший лист,
Унесённый течением моих сновидений,
Только и способным меня пробудить.
Много лет я брёл этим путём в одиночестве,
Прислушиваясь к ветру,
Зовущему меня по имени.
Плачущие деревья замерли
В грустном ожидании нового дыхания весны..."
Отважно нарушив классический песенный формат, где куплеты последовательно чередуются с припевами, подменив его дискретными мелодическими конструкциями, не такими уж, впрочем, и сложными, четвёрка WA выбралась на, казалось бы, безбрежные просторы прогрессивного рока, гуляй - не хочу! Однако в силу ли недостатка собственного опыта, возможно, под давлением авторитетного продюсера Дерека Лоуренса, до WA сумевшего обуздать амбиции музыкантов Deep Purple (вспомним первые три их LP 1968-69 годов), практически все композиции "Argus" "ставшие пеплом" соорудили по единой схеме из двух или трёх частей с разными размерами такта.
Наглядный тому показатель - композиция "The King Will Come" с затянувшимся intro, в котором угадывается приближающаяся армада, бряцающая оружием. В зарождающийся саунд, созидаемый обеими гитарами, мало-помалу встраивается ритм-секция и в конце концов подключается вокал на два голоса (Мартин + Энди) с фразы "In the fire the king will come", звучащей, как заклинание:
"В огне явится король
С раскатами грома, волынщиком и барабанами.
Злые сыны заполонят землю.
Грядущий суд учтёт их прегрешения..."
Столь радикальные отступления от классического песенного формата, впрочем, вышли группе боком с другого фланга. Затяжные нудные композиции WA не вписывались в существующий радио-формат и отвергались владельцами радиостанций, главным образом на американской территории. Как бы то ни было, свою благодарную аудиторию на североамериканском континенте музыканты этой группы обрели. Более того, активная гастрольная деятельность британского квартета позволила ему облюбовать в Штатах несколько приоритетных площадок, которые WA посещали регулярно и подолгу там "стояли на якоре".
Одним из стержневых номеров в "Argus" представляется "Blowin' Free", не так чтобы явно вписывающийся в рамки концепции альбома. Сомнение вызывает текст Мартина Тёрнера, короткий и печальный, о том, как часто мечты расходятся с обыденностью. Предысторией этой песни явилось спонтанное знакомство ведущего вокалиста группы с девушкой-шведкой прямо на одном из концертов WA в Гётеборге в 1971 году.
"Её золотисто-каштановые волосы развевались на ветру, словно цветущее кукурузное поле" (строчка из "Blowin' Free"). Чем закончилось то мимолётное знакомство, скорее всего, не помнит уже и сам Мартин Тёрнер. Но вот Энди Пауэлл какое-то время спустя сетовал, что долго мучился, подбирая соответствующую настроению текста мелодию. Пока однажды во время студийного джема с приятелем-гитаристом Миком Грумом у него ни прорезался нужный, как он тогда решил, рифф. Энди даже раздумывал о включении М. Грума в соавторы. Вдохновил же его на тот локальный подвиг, по воспоминаниям самого Э. Пауэлла, лидер The Who Пит Таунсенд.
Но и это ещё не всё. Среднюю сдержанную часть композиции с тонкой гитарной партией Энди, навеяла ему мелодия песни "Children Of The Future" группы Стива Миллера из репертуара 60-х годов.
Так по фрагментам, собственно, и сложилось инструментальное сопровождение "Blowin' Free" из трёх, казалось бы, не соответствующих друг другу частей. Случилось это в одном из клубов Лос-Анджелеса, где WA репетировали по ходу американского гастрольного тура 1971 года.
При всех достоинствах дуэта Э. Пауэлл - Т. Тёрнер, следует, пожалуй, заметить, что порознь они являлись достаточно средними гитаристами, а их техническая выучка в то время была далека от уровня, скажем, Ричи Блэкмора или Джимми Пейджа. В силу ли молодости лет (напомню, на момент подготовки альбома в студии De Lane Lea в фешенебельном лондонском районе Сохо Теду едва исполнился 21 год, Энди был на полгода старше) или по причине провинциального происхождения в профессиональном плане оба всё ещё пребывали в стадии становления. Требовать от них большего не стоило и тогда, не стоит и теперь. В этой связи вспомнилось, как безбожно фальшивил Фрэнсис Росси во время записи пластинки Status Quo "Dog Of Two Head", гитарист приблизительно того же возраста.
Не так чувствительно, но заминались в своих сольных партиях и Пауэлл с Тёрнером. Как, допустим, в стартовой композиции "Time Was". Хотя, по большому счёту, здесь вопросы следовало бы адресовать продюсеру, пропустившему огрехи гитаристов.
Трек "Time Was" скомпонован из двух разномастных кусков. Настолько разных, что во время концертных выступлений группа подчас исполняла их отдельно, как самостоятельные номера. В первой части - размеренное пасторальное звучание с вокалом на два голоса (как и в большинстве композиций этой программы). Замечу, что в подобных случаях вокал Мартину Тёрнеру давался легче и сам он был более убедителен, чем в вещах более экспрессивных. Когда же WA исполняли музыку более жёсткую, с вокалом у них была просто беда.
Ближе к финалу "Time Was" во все тяжкие в бой бросается Энди Пауэлл со своей достаточно продолжительной гитарной партией. Делает он это лихо, отчего и допускает пару невынужденных сбоев. А философское наполнение текста в точности соответствует названию композиции:
"Это было время сплошных опасностей.
У меня имеется причина, почему я
Не меняю течение своих воспоминаний
И не изменяю себя.
Было время, когда его не надо было сдерживать
И что-то в нём исправлять.
Теперь об этом остаётся лишь вспоминать
И другого мне не надо..."
По схожим лекалам музыканты соорудили и опус "Sometime World", где они начинают так же элегантно, как и в "Leaf And Stream", а преисполненный меланхолии вокал М. Тёрнера сопровождает изящная гитара его однофамильца. На стыке двух частей к Мартину со своей вокальной партией пристраивается Энди Пауэлл, а Тед переключается на другую "частоту". Когда же у текста заканчиваются слова, вокалисты переходят на тарабарщину, что-то в духе "дам-татарам-даром". Следом за этой запоминающейся тирадой Энди старательно исполняет свою гитарную партию. Едва не запутавшись в собственной импровизационной паутине, он, впрочем, ловко изворачивается и в целом справляется.
"Warrior". Если верить одной из версий, обложка конверта пластинки иллюстрирует именно этот трек. Очень на то похоже:
"Я ухожу искать что-то новое,
Оставляя всё, что мне здесь знакомо.
Сто лет под солнцем
Не научили меня тому,
Что следовало бы знать..."
Воин всматривается в туманную долину, словно перед дальней дорогой на чужбину. Лишь ближе к завершению композиции ситуация проясняется - его войско потерпело поражение:
"...Время пройдёт,
Оно сохранит нашу тайну.
Но однажды я вернусь,
Чтобы ещё раз сразиться..."
Тандем гитаристов WA завораживающе и вдохновенно исполняет свои партии. Создаётся ощущение, что оба это делают легко и с видимым удовольствием, органично дополняя друг друга, обмениваясь удачными риффами и добротными сольными дорожками. Ненавязчиво, но всякий раз к месту и в нужное время к ним подключаются бас-гитара Мартина Тёрнера и барабаны Стива Аптона.
С тех времён гитарная вязь Т. Тёрнера и Э. Пауэлла закрепила за этими парнями своего рода звание первопроходцев в кентерберийском звучании. О чём-то подобном в своё время помышлял и Ричи Блэкмор, но так к этому и не подступился.
Впервые в музыку WA вторгся орган ("Throw Down The Sword") под управлением Джона Таута из популярной тогда группы Renaissance. Впрочем, орган вписался бы, наверное, в любой из треков программы "Argus". Но в последовавших после завершения студийной работы гастрольных поездках с WA отправился пианист Грэм Мэйтланд (участие в группе Glencoe - это всё, что о нём известно). Надо думать, работы в тех турах у Грэма было немного.
Должно быть, по нынешним временам "Argus" представляется излишне академичным и малоэмоциональным альбомом. А для слушателя, не слишком глубоко погружённого в раннее творчество этой группы, пожалуй, даже утомительным и занудным. Отчасти с этим можно согласиться, вот только для 1972 года, при всём многообразии звучащей отовсюду музыки, эта пластинка стала новаторской и была высоко оценена. А дуэт гитаристов WA явился немалым откровением, свершившим если уж и не открытие, то что-то к этому близкое.
Да, чуть позднее внимание увлечённой публики перехватят Типтон и Даунинг из Judas Priest, хотя формально их группа и WA сформировались в одном и том же 1969 году.
Ещё позже уже в Iron Maiden образуется искусный тандем гитаристов, когда к Дэйву Мюррею добавится его школьный приятель Эдриан Смит.
Но это будет уже совсем другое время и другая рок-музыка. А вот Энди Пауэлл и Тед Тёрнер в памяти народной навсегда останутся первыми. А быть первыми, как известно, всегда труднее.
|
| |
|
|
|
|
|
| Ну вот - это такое старое издание, что альбом был выпущен вначале только на виниле и кассете. И только через пару лет фирма Noise выпустила компакт-диск.
Первый альбом легенды швейцарского сыра металла. Ну, так бывает, что ударник оказывается номером первым при формировании группы. Marquis Marky вначале создал рок-команду и даже записал демо, а потом что-то (всё) рухнуло, и он решил организовать метал-группу под тем же названием и логотипом. А что терять такие крутейшие наработки?
Обязательный для музыкальной формации демо-период, где на одном артефакте - демо «Death Cult» (1986) - даже спел Tom G. Warrior из Celtic Frost. Просто спел, а не был членом группы. Как это кто-то придумал позднее. Кстати, на сабжевом альбоме лирику к трэку "Spiral Dream" написал тот же T.G. Warrior. И, видимо, понеслось...
Все подмечали, что нечто общее у групп есть. Ну, взаимовлияние. Как без этого. Раскрою еще один НЕ секрет - Tommy T. Baron (гитарист, вокалист Coroner) и Marky были роуди у Celtic Frost в туре Tragic Serenades.
Coroner на дебютном альбоме «R.I.P.» играют Thrash metal с небольшим влиянием одной известной группы. И это выражается в создании «качающегося» гитарного риффа (который фирменный у CF). Но Coroner не бросается в удалые эксперименты а-ля Селтик. Зато вокалист слегка использует манеру певца CF.
А вот Tommy T. Baron довольно-таки неплохой и своеобычный гитарист. И он любил впилить артистичного и даже техничного соляка, не особо посматривая на секундомер. И знаете, прокатывает - когда в группе три человека (третий - Ron Royce - бас, вокал). Надо же чем-то заполнять пустоту.
Вот этот гитарист Tommy T. Baron и есть главное приобретение команды. Именно его солидное музицирование сделало «эффект Coroner», прославило группу на весь металлический мир. Особенно на последовавших альбомах.
Местами Coroner играют вполне обычный на тот момент трэш-метал, но вот когда Baron углубляется в свои закидоны (а писал он музыку вместе с Ron Royce), то тогда появлялись техно-трешевые эпики. Причем внятные и удобоваримые для слушателя, что очень важно. Слушатель должен послушать и ПОНЯТЬ, что это круто, а не выключить проигрыватель и выкинуть пластинку.
В этом смысле показателен трэк "Nosferatu" - гитарная неоклассика, предложенная слушателю, органична и доходчива. Слушатель говорит: "Ого, да я начал слушать что-то типа металлического Моцарта", и ходит полдня довольный собой.
|
| |
|
|
|
|
|
| Герман Франк однозначно яркая фигура в немецком металле и имеет за плечами колоссальный опыт работы в разных группах и проектах, в которых, как правило, надолго не задерживался, в т. ч. в Accept. Возможно, это связано с творческими разногласиями с другими участниками коллективов, где Герман не мог в полной мере реализовать свои идеи. Именно по этой причине в 2008 году он создал сольный проект Herman Frank, в рамках которого выпустил уже пять полноценных альбомов, последним из них является «Two for A Lie» (далее - HF5).
Итак, что хочется сказать о данной работе. На мой взгляд, HF5, как и предыдущие альбомы Германа, создан для истинных любителей классического тяжелого рока. Отличительными его особенностями являются выполненные в стиле 80-х годов аранжировки и грязный звук. Я не буду затрагивать конкретные композиции, они все по-своему хороши. Наиболее запоминающимися считаю "Teutonic Order", "Eye of the Storm", "Danger" и "Open Your Mind". В положительную сторону хочется отметить, что Герман сократил количество песен, как будто услышал критику слушателей, которые негодовали на чрезмерную затянутость HF3 и HF4. В то же время нельзя не отметить уже постоянного фронтмена и автора текстов Рика Альтци, хриплый и пронзительный голос которого четко вписывается в выгрызаемые Германом зубодробительные риффы, что в целом создает атмосферу тевтонского металла. Вместе с тем на HF5 имеются и недостатки, которые, по моему мнению, выражаются в отсутствии мелодичных соло-партий. Хотя если покопаться в творчестве немца прошлых лет, он ими особо и не блистал.
В заключение добавлю, что HF5 далеко не шедевр, но данная работа, как и другие сольные альбомы Франка, заслуживает особого внимания. Любителям жанра рекомендую ознакомиться и приобрести в коллекцию «Two for A Lie», не пожалеете.
|
| |
|
|
|
|
|
| Если верить утверждениям многочисленных представителей категории ученых в области психиатрии, психологии и немного философии, то факт интереса у психически относительно здоровых граждан к тематике нездорового быта клинически больных представителей социума обусловлен формой сублимации, когда сознание человека эволюционно вытесняет социально неприемлемые импульсы, преобразуя их в социально приемлемые, обусловленные принципами морали и выработанных цивилизацией общественных норм. Проще говоря, все эти увлечения и склонность к данной тематике помогают нашей психике вымещать запретные желания, при этом одновременно, не без помощи защитного механизма, бороться и разрешать внутренние конфликты, оставаясь в рамках относительной нормы.
В контексте данного музыкального релиза, я думаю, навряд ли стоит так далеко копать в области наук, а просто принять факт того, что самые "знаменитые" первопроходцы сладж-метала в Чехии, спустя 12 лет творческого затишья и практически полного развала коллектива, вернулись на сцену в обновленном составе с весьма провокационным альбомом, концептуально посвященным знатному генетическому психопату Рош Терио - основателю секты "Община горных муравьев". Личность, прямо скажем, не самая известная из злодеев (но выродок основательный), хотя и отметился прототипом в массовой культуре в мелодраматическом триллере "Дикий мессия". Ну а теперь, что называется - воспелся и обнародовался в полной красе благодаря пластинке "Blowtorch Mankind", где первертная и садисткая сущность этого сумасброда буквально перекочевала в каждый аккорд и незамысловатые мелодии, созданные этими, не менее безумными музыкантами. Которые, как и в эпоху своего становления, остались верны ортодоксальному сладж-металу, представляющему собой замедленный (до думового темпа) хардкор-панк с плотной ритм-секцией и в меру пониженным гитарным строем. Где поверх этого своеобразного музыкального сопровождения доносятся надрывные вокальные партии единственного оставшегося от первозданного состава участника коллектива, скрывающегося под псевдонимом "Ультра". Как итог - четыре напряженных по своему звучанию трека, общей продолжительностью не более получаса, где звучание и запись свежего альбома, под стать ранним релизам группы, находятся на достаточно высоком уровне, а в рамках данного музыкального жанра и вовсе можно считать эти аспекты эталонными. Аналогично хочется похвалить и художника-оформителя пластинки, правда, полностью раскусить замысел его работы можно только после ознакомления, так сказать, с матчастью.
И это будет весьма кстати, ведь весь этот недолгоиграющий альбом может выступить достаточно отличным подспорьем, например, для ознакомления с тематикой, поднятой на поверхность этим коллективом. В качестве "фона" при чтении - для создания давящей атмосферы, и вовсе подойдет идеально! Навряд ли, конечно, такого плана музыкальный материал даст ответы на многие аспекты данной предметной области: как, например, срабатывал "стокгольмский синдром" жертв секты, или каким эволюционным образом формируется личность психопата, но зато отчетливо отметит обстоятельства на такого рода момент истины: врожденные потребности психически нездоровых личностей, возведенные в некое подобие гимна, посвященного, разумеется, тяжелой форме безумия.
|
| |
|
|
|
|
|
| Этюд в ссаных тонах №2.
вместо эпиграфа
Что будет, если скрестить скуку, лень, деградацию, полную композиционную немощность и импотенцию с сенильной деменцией? Правильно, дорогие мои детишечки, – мы получим новый альбом некогда талантливой и, не побоюсь этого слова великой, группы Metallica. Результатом омерзительнейшей оргии вышеупомянутых отрицательных человеческих качеств и стал выродок по имени “72 Seasons”. Вот уж точно – жертва неудачного аборта. Уже два десятка лет коллектив страдает той же болезнью, какая поразила и других великих ветеранов-мастодонтов тяжелой сцены – я говорю об Iron Maiden. Симптоматика проявляется в неоправданном растягивании продолжительности как самих композиций, так и альбомов в целом. Но если британцы, несмотря на хронический характер протекания заболевания, всё ещё в состоянии сочинять песни и композиции, (Да, они получаются длинными, тоскливыми и занудными, но это именно композиции и песни!), то у Metallica клиническая картина гораздо более тяжёлая и запущенная. Приходится с сожалением констатировать, что, начиная с “Death Magnetic”, на альбомах американцев мы имеем честь услышать многоминутные псевдомузыкальные выкидыши-гомункулы, якобы песни, собранные из разнородных риффов, которые далеко не всегда гармонично состыкованы друг с другом. Этакий риффовый конструктор без какой-либо чётко оформленной композиционной мысли, звуковое творение доктора Франкенштейна, музыкальная Химера, созданная противоестественным образом. Так было в 2008-м, так было и в 2016-м, так есть и сейчас, в текущем 2023-м... Это в корне отличает творчество Metallica в XXI веке от нежно любимого мною “…and Justice for All”, где тоже имеются в наличии продолжительные вещи с кучей разнородных кусков, риффов и мелодий. Но там была мысль! Теперь её нет. Конечно, можно сказать, что невозможно в 60 лет работать и творить с такой же отдачей и эффективностью как в 30 и, тем более, в 20. Я согласен. Но тогда, может быть, стоит вовремя остановиться, поняв, что тебе уже нечего сказать этому миру? Видимо, у престарелых миллионеров от тяжёлой сцены другое мнение, а жаль... Убогую игру датского недотеннесиста теперь стало просто невозможно терпеть – это уже издевательство над слушателями, ей-богу. Гавайский цыгано-румын тоже окончательно деградировал как гитарист. Особенно его потуги елозить по грифу вызывают гомерический хохот после слов в интервью о том, что он знает “все эти гаммы, арпеджио, гармонии и прочее”, и сознательно их не применяет. Может быть, гражданин Хэммет, вам стоило меньше мастур…, ой, прошу пардону, медитировать, а побольше заниматься гитарой? Глядишь, и прок был бы какой-нибудь, а пока это только позорище какое-то. К Хэтфилду и Трухильо вопросов нет, они исправно тянут на себе всю эту гружёную протухшим навозом телегу, последнему даже дали возможность поголосить в “You Must Burn!”. Только вот смысла особого в данном акте я не вижу, ну да ладно.
Когда Metallica для затравки внезапно выкинули первый сингл, я немного опешил, и меня поразила внезапная мысль, что у группы началось просветление от того маразма, что присутствовал на предыдущих работах. Но прослушивание всего альбома целиком похоронило эту надежду. Буду ли я возвращаться к “72 Seasons”? Нет, как точно так же я не возвращаюсь к “Death Magnetic” и “Hardwired… To Self-Destruct”. Потому что новой работой американцев смело можно пытать, настолько тяжело даётся ознакомление с ней полностью. В свое время были новости о том, что американские вояки пытали пленных арабских террористов, врубая им “Kill’em All”. Так вот, докладываю: при помощи свежего альбома это можно делать гораздо эффективнее. Но миллионы поклонников по всему миру будут петь новому диску дифирамбы, скупать его на всех носителях, как горячие пирожки, и расхватывать билеты на грядущие анонсированные концерты. Только вот искать жемчужины в этой куче зловонного дерьма, которое мне подают участники Metallica под видом музыки на “72 Seasons”, я не стану.
P. S. Если за отмерянные Ларсиком в интервью ещё 10 лет существования группы, они сподобятся разродиться ещё одним выкидышем, я, конечно, с ним ознакомлюсь. Но исключительно из энтомологического интереса.
|
| |
|
|
|
|
|
| Самое главное в таком феномене как Металлика, так это то, что обо всём, что они делают, рассказывать можно долго и с эмоциями! В том числе и об их многострадальном одиннадцатом альбоме, который вновь вышел спустя большой промежуток времени (впрочем, к этому уже привыкли), и который вновь не оправдал ожидания большинства поклонников и хейтеров группы, ожидающих/делающих вид, что ожидают от группы альбом, сопоставимый с их творчеством до 1991 года включительно.
Скажу сразу - на мой взгляд, «72 сезона» получился гораздо слабее предыдущего, действительно интересного «Hardwired». От таких музыкантов всегда ждали и будут ждать чего-то особенного - посему наличие просто хороших песен большинством воспринимается как преступление. В данном случае это звучит оправданно, поскольку вновь долгое ожидание (на этот раз семь лет) в итоге обернулось альбомом, в котором большинство композиций звучат ну очень просто и незатейливо. С одной стороны, для тех, кто был измучен последними работами группы, которые частенько грешили неоправданно громоздкими конструкциями песен, это может стать облегчением. С другой - простота никогда не была характерна для «Метлы», а тут, слушая условную «Shadows Follow» или «Chasing Light», так и подмывает воскликнуть: «И это, блин, писалось целых семь лет!». Создаётся ощущение, что у музыкантов банально заканчиваются идеи для своего творчества. Дело тут не в возрасте, просто группа не смогла преодолеть заоблачно заданную ими же планку. Из-за этого всё, что было выпущено после ухода Ньюстеда, кажется пусть порой и неплохим, но не идущим ни в какое сравнении с условным «…and Justice for All».
Это очень хорошо чувствовалось даже по синглам, в которых местами вроде бы и присутствовала «та самая Металлика», но ещё слышалась бессильная попытка превзойти самих себя. К тому же, группе ещё со времен «Death Magnetic» катастрофически не хватает свежей крови. Три четверти участников записи играли на всех номерных альбомах, а прижившийся в группе Трухильо находится в команде уже 20 лет. Создаётся ощущение, что для реализации амбициозных планов музыкантам часто не хватает по-настоящему смелых решений - поэтому вот уже третий раз подряд приходится слушать местами неплохой, но глубоко вторичный материал.
Звук на альбоме, разумеется, качественный - кто бы сомневался. Также уже второй альбом подряд, по сути, на своих плечах вытаскивает Хэтфилд. В свои 60 лет Джеймс находится в просто потрясающей вокальной форме - намного лучше, чем на том же «Магнетике». Кроме того, на этом альбоме абсолютно в каждой песне есть очень интересные вокальные линии, порой вытягивающие даже совсем проходные вещи. Неожиданно разыгрался Трухильо - его бас на альбоме очень чёткий и громкий. Насчёт оставшихся участников группы больше всего подходит термин «как обычно» - ничего нового, но послушать их просто приятно (особенно если не сравнивать игру Ларса с другими барабанщиками треш-метала).
По стилю, кстати, это скорее неотесанный, грубоватый хэви. К трешу отнести можно разве что реально тяжелую заглавную песню, ностальгичную «Lux /-Eterna» да забойную «Room of Mirrors». Весь остальной материал - это либо обычный, либо совсем уж простенький металл, в котором нет даже намёка на какой-либо прогрессив. Ни баллад, ни инструменталов в этот раз не завезли - ей-богу, так незатейливо «Метла» не звучала даже на своём дебютнике! Пожалуй, единственной изюминкой тут является закрывающая «Inamorata» - действительно очень красивая и трагичная песня, пусть даже бесконечные реверансы в сторону «My Friend of Misery» таки приедаются ближе к концу. Ну а помимо вышеупомянутых композиций, стоит выделить бодрую «Screaming Suicide», мрачную «If Darkness Had a Son», более-менее хитовую «Shadows Follow» и отсылку ко временам «Load-Reload» в семиминутной «You Must Burn!». Остальные песни ничего особого из себя не представляют, хотя и обладают концертным потенциалом. Но всё вместе это способствует излишней затянутости - даже во второй раз переслушивать эти 77 минут простой, но часто затянутой и, в общем-то, звучащей довольно по-стариковски музыки, захочется не каждому.
Надо, наверное, добрым словом упомянуть лирику Хэтфилда, поэзия которого на этот раз является концептуальной и посвящена книге, в честь которой назван альбом. Хотя, по сути, как и все тексты группы начиная с «Load», его лирика – глубокое самокопание на тему нереализованности в жизни, детских психотравм и пр. Конкретно на «Жёлтом альбоме» это достигает своего апогея – лирика на "72 Seasons" мрачна, образна и глубока – порой даже складывается ощущение, что такой сухой, однообразный альбом выступает лишь в качестве фона для рефлексивных стихов Хэтфилда. В них, кстати, полно отсылок к другим песням Metallica, особенно с релиза 1991 года. А вообще, приятно, что при всей приевшейся медийности группы, поэзия их фронтмена представляет собой стихи настоящего художника, создающего строки, отличающиеся глубиной и индивидуальным почерком. Особенно в этом плане удались «Screaming Suicide», «Room of Mirrors» и «Inamorata».
Оценить "72 Seasons" сложно. Если не предъявлять к нему запредельных требований, то на выходе получается просто не самый плохой метал-альбом от ещё одной олдовой группы в 2023 году. Но если сравнивать с любым альбомом музыкантов, выпущенным в прошлом веке, получается просто очередной релиз Металлики с кучей недочётов, который не соответствует долгому сроку ожидания. Больше для фанатов группы.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Только здесь я дух свой успокою, дух свой…»
Пока все металхэды планеты пытаются расслушать и вникнуть в новый альбом Металлики, приглашаю здешних любителей тяжёлой музыки окунуться в непролазные дебри густых карельских лесов и гиблых топей. Как раз для этого подвернулся хороший повод. Ведь, как и заслуженные калифорнийские рокеры, петрозаводские их коллеги тоже разродились новым альбомом!
Альбом 2023 года «Карелия» вышел спустя аж целых 8 лет, став у группы четвёртым номерным. Почему же музыкантам потребовалось столько времени на написание всего десяти (10!!) песен? Попробуем разобраться в причинах и последствиях!
Во-первых, Василий Козлов – основатель, идейный вдохновитель, автор музыки и текстов, уже как лет 10 живет в некой глуши без связи с внешним миром и это, со слов участников группы, сильно тормозит запись нового материала (Василий связывается с группой через какого-то местного жителя, у которого есть телефон, т. к. сам предпочитает жить без средств коммуникаций). Во-вторых, после концертов, приуроченных к выходу альбома «Север», Василий сильно повредил голос, заболел простудой и долго не мог записываться, да и к тому же, с его слов, его напрочь покинуло вдохновение, а без него он не хотел приступать к записи, чтобы не делать откровенной халтуры. В-третьих, Василий за это время дважды стал отцом и просто наслаждался жизнью, лесом, свободой. Между тем остальные музыканты всецело поддерживали своего лидера и ждали, когда же уже медведь пробудится от спячки. И вот он пробудился…
Что же мы имеем на альбоме? Нас он встречает совершенно мрачной, нарочито тусклой и бесцветной обложкой, от которой так и веет тоской, одиночеством и даже каким-то трауром. Отчетливо читается намёк на то, что сейчас деревни повсеместно вымирают, леса уничтожают, а солнце уже не греет. Хотя под этой самой обложкой никакой не фьюнерал-дум, а притрешованный дет-метал с элементами фолка и блэка. Уже с первого полноценного трека «Дорога» формируются основные черты альбома. Это в основном среднетемповые композиции, совершенно лишенные привычной для песен структуры «куплет-припев-куплет-припев-проигрыш-припев», да и вообще без припевов как таковых; манера пения Василия, больше напоминающая «чтение» или «выплёвывание» слов; тяжесть и практически отсутствие весёлых песен, таких как «Баня», «Пивовар», «Свадьба», даже очередной опус про попа Сиволдая вышел каким-то совсем мрачным! Общее звучание, несмотря на вкрапления чистого вокала, фолковых элементов или хора, очень похоже и при первом прослушивании может показаться настоящей «кашей» - теми самыми дебрями лесными. Да еще и вторым номером (точнее третьим) сразу идёт эпик. Но уже при следующем прослушивании риффы тех или иных композиций плотно оседают в голове («Дорога», «Топи да гады», «Помер», «Мой сон»), песни обретают свою индивидуальность, слова – смысл. Лирика же под стать настроению альбома – отражает его название и посвящена в основном теме, близкой сердцу её автора: лес, море, деревня, свобода, воля, одиночество.
Из описания альбома: «Карелия. Таинственная и нелюдимая. Край непролазных болот, дремучих лесов, быстрых рек и чистых озёр. Величие природы, свежесть морского ветра, крики перелетных птиц. Тишина и покой заснеженных просторов под тусклым светом Северной Звезды... Красивая картинка снаружи - лишь ширма, за которой стонет растерзанная природа, неизбывной тоской отражаясь в глазах тех, кому посчастливилось погрузиться в этот угрюмый мир древних, дремлющих духов».
Что ж, отдадим музыкантам должное, несмотря на все внешние и внутренние факторы, сдерживавшие выход нового альбома, они не заплутали в непроходимых чащах, не затонули в топких трясинах, не стали жертвами гадов-слепней и лесорубов, а нашли время и вдохновение и записали настоящий гимн родному краю! Браво!
|
| |
|
|
|
|
|
| Прозрачными, тонкими, скользящими струнными начинает Nebulae Come Sweet свой свежий опус... включает ритм-секцию под током... и оттого эти змеистые месседжи начинают струиться быстрее, увереннее. Погодя включаются струнные помассивнее, незаметно входит виолончель и оформляется вокал. После чего становится понятно, что NCS творят на территории прог-рока и прог-метала. Уж больно здесь всё мастерски отстроено и, самое главное, буйно структурировано.
Музыканты дорожат каждой своей (нашей) минутой и не «наматывают нервы на кардан», а наоборот, не теряясь, выдают свою творческие наработки. И если вам покажется, что время вдруг замедлилось где-то на дорожках этого диска, то это куски Doom Metal, которые умелой рукой хирурга музыканта введены с помощью то ли скальпеля, то ли клавишных.
В команде Nebulae Come Sweet есть своя виолончелистка и её партии - это не наивное украшательство, а зрелая музыкальная инъекция в финальный продукт. Тут же подчеркну, что на альбоме звучат живые СКРИПКА и ТРУБА. И САКСОФОН. И РОЯЛЬ. Пришлось даже навести справки по этому поводу!
С половины первого трэка замечаешь, что группа выдает нам зрелый, мощный, уверенный саунд. Где каждая партия любого инструмента вложена на свое место и самое главное - она прекрасно коррелирует с остальными. Вот где искусство саунд-инженера.
И даже не знаю, с какого такого разумения, параллели, мне вдруг вспомнился Pink Floyd и, что удивительно, не именно каким-то пассажем, а воздушностью и прозрачностью звука и постановкой инструментов. А это лучшая коннотация, которая бывает в этом мире.
Что сразу же обращает на себя внимание - музыканты имеют возможности, но не устраивают невообразимый проговый хаос, как это полагается у некоторых адептов сложной музыки. NCS идут уверенно дорОгой мид-темповой презентации, ладно раскладывая перед изумленным слушателем свои мелодические и композиторские наработки.
Пора бы пару слов сказать про вокальную архитектуру (не менее) этого альбома. В группе есть два штатных вокалиста, есть ОСНОВНОЙ, который вытаскивает свои непростые задачи, НО скажу (и боюсь испугать), что при создании альбома очень серьезную работу провел аранжировщик ВСЕГО, и в немалую очередь вокалов. В том числе и привлеченного женского. Всё это сделано на профессиональном уровне. Вокальное взаимодействие оставляет лучшее впечатление. Когда основной поет, взывает, вызывает демонов, а некоторые бэк-вокалы, в том числе и женский, создают гипер-атмосферу не только ритуала, но ритуала просто шокирующего... и это я не имею в виду кинематографическую, выверенную вопящую партию в "Fulgor". Вокалисты очень уверенно проживают свои роли в альбоме и заставляют слушателя иногда буквально задерживать дыхание. Их работа очень сильно ложится в прог-роковую и прог-метальную составляющую альбома.
Ну уж придется процитировать авторов: «Лавируем между пост-роком, классической музыкой, пост-металом, прогрессив-металом, дроном, думом и даже дарк-джазом». И хочется заметить для некоторых категорий меломанов, что этот микс - щадящий нервную систему. А иногда и нет! Но повсеместно - очаровывающий, драматический и очень визуальный.
В плюсах этого альбома и его динамическая структура - смена «жестких» и «мягких», «нежных» партий, интенсивного гитарного металлического драйва и меланхолических струнных и клавишей. Опять-таки все взаимодействия внутри альбома проведены артистично, на высшем исполнительском уровне.
Это второй полноформат замечательной минской команды.
|
| |
|
|
|
|
|
| В лихие 90-е пятёрка хардкорных "философов" из Нью-Йорка вступила, прямо скажем, не в лучшем своём состоянии - вокалист Роджер Мире всё ещё мотал срок в тюрьме за хранение наркотиков, да и разногласия между участниками явно не способствовали поддержанию благоприятного климата в коллективе. Судьба "фронта" оставалась в подвешенном состоянии вплоть до 1991-го года, пока фронтмен наконец не вышел на свободу с целой кипой готовых текстов для нового альбома; чуть позже устаканилась ситуация и с составом - на смену двум ушедшим участникам явились кадры на несколько голов выше предыдущих - гитарист Мэтт Хендерсон, приложивший руку к 90% музыкального материала будущей пластинки, и басист Крейг Сетари (ex-Youth Of Today), также внёсший свою посильную лепту в сочинение альбома. Как говорится, все звёзды сошлись...
Вышедший в 1992-м году, "Один голос" стал идеальным сплавом злобы, тяжести и прямолинейности хардкора, приправленным экспериментами группы с кроссовером и трешевым звучанием (которые отчётливо проявились ещё на предыдущем альбоме "Liberty & Justice For..."). Мэтт проявил себя как действительно талантливый и разноплановый музыкант - в каждой из 12-ти композиций гарантированно найдётся как минимум один рифф, который намертво засядет в вашей голове после первого же прослушивания (основные риффы "Over The Edge" и "Undertow" уж точно). Вкупе с самым тяжёлым и "жирным" саундом в истории команды (по крайней мере, до 2004-го года точно), а также безупречной поддержкой со стороны ритм-секции и бессменного ритм-гитариста Винни Стигмы, игра Хендерсона производит потрясающий эффект - на протяжении 32-х минут вы не услышите ни одной композиции, которая была бы похожа на своего "соседа". Безумно жаль, что он не задержался надолго в группе (как, впрочем, и львиная доля остального состава за вычетом Мире и Стигмы), но что поделать...
Вокальная работа Мире также весьма интересна - его фирменное "сдавленное" пение здесь реализовано, на мой взгляд, наиболее удачно: вокал в меру агрессивен и выразителен, да и к тому же исполнен с надлежащей дикцией, чтобы можно было уловить основную суть текстов. Безусловно, не каждому придётся по вкусу его специфическая манера пения, но дать ему шанс определённо стоит - в этом случае голос Роджера становится полноправным участником каждого трека, безупречно работая на атмосферу. Что касается лирики, она тут проходит некой связующей нитью сквозь каждую песню - тема бунта против угнетения/притеснения личности в любой сфере, будь то его взгляды, происхождение или же прошлые проступки, а также мотив банальной вселенской несправедливости и тщетности усилий ("Undertow") - ведь миру на твои старания плевать (да и Всевышнему, скорее всего, тоже - см. "Crime Without Sin"). Отдельно тут можно отметить открывашку "New Jack", представляющую собой обращение бывалого зэка, дающего новичку советы о том, как выжить в этом новом и неприветливом мире.
"Теперь, когда ты здесь, твоя человечность отозвана / Тут тебя знают только по порядковому номеру, твоя жизнь отдана в залог;
Готов поспорить, ты даже представить себе не мог, что однажды будешь избит и посажен в клетку / И никого рядом, кто посочувствовал бы твоим молитвам и страданиям."
К сожалению, продолжения идей этого шедевра не последовало - дав напоследок концерт в культовом клубе CBGB в декабре того же года (который позже выпустят в формате компиляции "Last Warning"), команда, не выдержав творческих и личностных разногласий, принимает решение о распаде. Следующий альбом выйдет лишь 6 лет спустя, но уже с новым составом, на новом лейбле и с совершенно иным подходом - группа решит вернуться к более каноничному хардкор-панк звучанию, что лично для меня стало разочарованием. С другой стороны, благодаря данным обстоятельствам "One Voice" теперь по праву можно считать особенным альбомом в дискографии Agnostic Front - ничего подобного в данном ключе ни ранее, ни позже группа так и не выдала (при всём уважении к его наследнику в лице "Another Voice", это было уже скорее повторение пройденного, нежели открытие новых граней); во-вторых, сама история и обстоятельства создания альбома также внесли свой штрих в его уникальный "портрет". Действительно штучная работа, однозначно рекомендуемая к ознакомлению всем фанатам жанра. "The streets remain in heart without a doubt..."
|
| |
|
|
|
|
|
| Шестой альбом группы “The Power Of The Nightstar” был выпущен осенью 2022 года, после долгого перерыва длиной более десяти лет, так что ее поклонники, скорее всего, уже и не надеялись, что Dragonland вернутся к активной деятельности. Тем не менее, по новому диску совсем не заметно, что произошла такая большая пауза в творческой деятельности. Как будто музыканты логически продолжили с того места, где остановились 11 лет назад. Да, может быть «The Power Of The Nightstar» получился более кинематографичным, эпическим и сложным, чем любой из их предыдущих альбомов, но в то же время он содержит и типические энергичные и сверхбыстрые пауэр-металлические части. Симфонические элементы и электронные клавиши составляют основную оболочку, фон альбома, причем, в некоторых треках все же доминируют гитары и клавишные, а в других превалируют симфонические аранжировки. При этом, клавиши на «The Power Of The Nightstar» не являются дополнительным украшательским инструментом, а нередко ведут основную линию, иллюстрируя футуристическую концептуальную сторону альбома - Elias Holmlid проделал фантастическую работу. Альбом посвящен космической концепции, он рассказывает о народе, путешествующем во враждебной галактике в поисках новой родной планеты.
Единственным изменением в составе между альбомами стало появление нового барабанщика Johan Nunez (Firewind, ex-Nightrage), который идеально вписался в группу. Он прекрасно справляется с изменениями темпа, отрабатывает как спокойные, так и запредельно быстрые участки. В общем, идеальный пауэрный драммер. Не стало сюрпризом, что дуэт гитаристов Olof Mörck (Amaranthe, ex-Nightrage) и Jesse Lindskog отлично отработали, на альбоме есть масса прекрасных соляков, мелодичных и быстрых, которые идеально соответствуют настроению песен. Вокалист Jonas Heidgert с типичным для пауэра голосом в буквальном и переносном смысле на высоте, он часто берет высокие ноты, идеально подходит для музыки, прекрасно передает текст, и при этом всегда звучит очень энергично. Стоит отметить, что записью, сведением и мастерингом занимался известный специалист Jacob Hansen, а это также гарантия качества.
В числе недостатков я бы назвала некоторую затянутость материала и нудноватые вступление и симфонические вставки. Музыкально и эмоционально альбом выдержан в одном настроении, которое по замыслу музыкантов ведет в концептуальный астрал, но на практике периодически усыпляет. Также при всем великолепии вокала иногда надоедает и он, кажется немного однообразным. Ну а то, что все ходы очень типичны для стиля, и из песен, не скрываясь, торчат уши классического Хелловина и тому подобного стаффа, поклонников пауэра, наверное, скорее порадует, чем огорчит… Из песен я для себя отметила в первую очередь Flight from Destruction – типичный темповый европауэр с бодрым и немного подвывавающим вокалом, хитрыми и быстрыми гитарными соло и интенсивными ударными. А также A Light in the Dark и A Threat from Beyond the Shadows, тронувшие мелодически, зацепившие своим настроением. Причем, вторая из романтического трека легко и внезапно превращается в скоростной боевик с брутальным вокалом. Также отмечу бодрую Celestial Squadron с романтичным куплетом и тревожащими и интригующими припевами. В общем и целом, это вполне приличный альбом, адресованный, в первую очередь, поклонникам группы и в целом фанатам пауэра. Как минимум несколько песен подойдут для личных плейлистов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Жанр melodic death metal. Дебютный альбом. Испания. Ничто не предвещало даже желания послушать этот альбом. Ну что там испанцы смогут сыграть? Тем более в таком "замыленном" жанре.
И знаете, что получилось у этих "ноунеймов"? Хочется сказать "великий альбом", но остановлюсь, пожалуй, на эпитете "великолепный". Ни одной слабой песни, сложная для первого прослушивания, но интересная для последующего разбора музыка. Композиции очень витиевато закручиваются и раскрываются настолько ярко, что местами пробирает до мурашек.
Своими кумирами наши три идальго из группы Perpetual Night считают Omnium Gatherum и Be'lakor. И оно заметно! Композиции имеют плотную структуру и мощный звук, как у австралийцев, а красота мелодий создаёт ту же атмосферу, которую вы встретите практически в любом альбоме виртуозных финнов.
Название альбома отсылает к буддийскому догмату, постулирующему отрицание "абсолютного Я", нетленной и вечной души. Тексты песен, которые мне удалось найти, наполнены философскими рассуждениями о бренности бытия и в основном поднимают вопросы экзистенциального характера.
На лучшие песни тут претендует как минимум пол-альбома, но парочку особо ярких выделю: "Unpronounced Words" и "Wild". Но буквально каждая композиция тут насыщена, как полноценный альбом и таит столько "вкусного", что рука невольно тянется к той или другой песне, чтобы посмаковать их ещё и ещё.
Мало у кого удавались настолько хорошие дебютники. В памяти всплывают разве что Moonspell и Katatonia. Получилось мощно, величественно, атмосферно и очень красиво! Это один из лучших альбомов 2018 года, а в своём жанре так и вовсе лучший. Браво, испанцы!
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.