|
|
 |
|
| Игроманов (в современном понимании слова) в роке/металле всегда хватало. Вспомним знаменитое увлечение Лемми аркадными автоматами, или Трея Азагтота, создававшего карты для олдскульного "Doom", или подсевшего на ежиную иглу Джонии Джиоэли, или Мастейна, который не раз писал эксклюзивные треки для игр, или всеобщий энтузиазм вокруг "Brütal Legend". Видеоигры и дэт-метал решила соединить воедино группа из Гааги Black Mesa Preservation Society. Сразу видно, что в первую очередь вдохновлялись известной серией об учёном-недотёпе. Альбом же назван в честь leet-письма, что указывает на более обширный спектр затрагиваемых вселенных. Насколько интересной вышла аркада от нидерландцев?
Начинается всё с весьма криво звучащей гитары, накрученной дисторшном по шведскому рецепту. Во вступительной песне "Misery" заметны весьма набившие оскомину конструкции, усугубляемые непритязательным звучанием ударных с какими-то отголосками. Группа называет себя дэт/трэш-коллективом, но трэша тут не видать. Куда больше здесь элементов модерн-дэта и слэма со всеми вытекающими. В некоторых местах заметны явные заимствования, как, например, в одноимённом названию группы треке, где слышны "Коробейники", или "Тема Тетриса", ну или несколько тем из ЗВ в "Sick of the Jedi". Вокал Джеффри Спанса балансирует между терпимым и слабым (его скриминг - уши, бедныя мои уши!). К общей синхронизации двух гитар периодически возникают вопросы, не всегда они звучат в миксе слаженно. Соло не являются впечатляющими, кое-где, например в "Chaos", вообще неприкрытый рассинхрон. По текстам здесь всё максимально незатейливо - три трека о "Half-Life", один - о "Звёздных войнах"; два боевичка о геймерах - один чуть-чуть мелодичный "Red Ring of Death" - о погибшей консоли Xbox 360, другой - бойцовский "Ragequit" - о нервном срыве за игрой (хотя настоящие стуки об компьютерный стол будут звучать убедительнее); три последних трека о Скайриме ("Ragnar the Dead" - кавер, судя по всему на голландском, на "Песнь о Рагнаре" - фактически единственный кое-как интересный трек). В общем, ни музыкально, ни по текстам, фантазия не бьётся ключом.
Очередная глуповатая попытка привязать хобби или франшизу к музыке увенчалась скучным, вторичным провалом. Своих Nile геймерам, судя по всему, ждать нескоро, ведь это далеко не единственный коллектив, пытавшийся сделать подобное. Но данная работа вышла уж совсем никакущей.
И зачем я только потратил время...
|
|  |
|
|
|
|
|
| В конце 90-х и в начале 2000-х нидерландская сцена брутального дэта переживала настоящий бум. Появились на горизонте такие коллективы, как Disavowed, Severe Torture, Xenomorph - и герои сегодняшнего вечера - Pyaemia (медицинский термин для гнойного инфекционного поражения крови). Дебютный альбом группы "Cerebral Cereal" вышел на лейбле Unique Leader Records, активно собиравшего рьяных и ярких бруталистов.
По музыке сразу можно заметить, что стилистически всё весьма близко к непосредственным хозяевам лейбла - Deeds of Flesh. В целом всё тут - в рамках нью-йоркской школы - глубокий утробный вокал с аккомпанементом скриминга. Барабаны радуют постоянно возвращающимся бластингом, хотя в части "взрывных" моментов самую малость отстают от конкурентов, включая дебютник Disavowed "Perceptive Deception", на котором тоже барабанил Робберт Врейенбрук. Но вот по миксингу претензий к звуку ударных нет. Отменное качество гитарных партий, обеспечиваемое Антоном де Витом и Джоэлем Ста, скорее подчёркивается его неполным диапазоном звучания, сохраняется доля сырости и шероховатости, что является ещё одной отличительной чертой "Cerebral Cereal". Периодические басовые переборы Френка Стейнена вновь и вновь отсылают нас к Алексу Вебстеру. Ни мелодических приёмов, ни нарочито усложнённых партий, ни соло вы здесь не заметите - все 29 минут альбом держится исключительно на брутальности риффов. Из личных фаворитов, определённо достойных внимания, стоит отметить самую длинную и проработанную вещь "Impaled on Stakes" c шикарным вступлением, в быстром темпе следующую за ней "Carried in Proboscis", неожиданно легко раскачивающий "Malodorous Rancidity" и вступительный трек "Gorging on Mucus and Bile", который не один раз каверили дэт-метал-энтузиасты.
В итоге вердикт скорее положительный, чем отрицательный: музыка от Pyaemia качественна, брутальна и не оставляет после себя лишних вопросов, но в моём личном рейтинге стоит пониже соотечественников Disavowed и Severe Torture, которые в самом начале 2000-х тоже издавали очень шикарный материал. К сожалению, группа Pyaemia к 2005 году исчезла, что ещё больше увеличивает ценность их единственного студийника. Очень рекомендую фанатам жанра.
|
| |
|
|
|
|
|
| Только уроки смирения позволили группе Who Dies In Siberian Slush выпустить свой альбом "Уроки смирения" именно вот 31.12.2023. Могли бы первыми выйти в 2024 году 1 января, к примеру. Это уже много говорит о самой команде, но не всё, конечно. Попытаемся разобраться.
Это с 2003 года уже пятый полноформат московской команды, которая, как легко заметить, применяя аналитику и математику, выбрала музыку небыструю, холодную, мрачную и местами - как на альбоме 2023 года - просто жуткую. Funeral Doom/Death Metal её называют, но я довольно серьезно собираюсь подрихтовать это осознание, и добиться хоть какого-то позитивного, пусть и не обязательно оптимистического результата.
Ну, надо посмотреть, на каком этапе мы расстались с группой, дабы было пояснее, чего музыканты добились ныне. Диск "Intimate Death Experience" выходил в 2018 году. И о нем:
«"Intimate Death Experience", это не только особая ступень развития группы, но и претензия по-новому отформатировать рамки стиля. Поразительное чувство при его прослушивании. Понятно, что может быть, группа будет всё отрицать - посягательство на устои и проч.»
Проще говоря, Who Dies In Siberian Slush уже долгое время создают собственный подстиль Funeral Doom/Death Metal, с крутейшим неоклассическим тачем и духовой секцией среди инструментария.
Кстати говоря, я вот буквально перед этой рецензией переслушивал альбом Deathspell Omega - 2010 - "Paracletus", который позиционируется как Avant-garde Black Metal с тематикой Theology, Philosophy, ну ещё кое-какие тэги. И заметил, что существует уловимое родство меж этими альбомами. Возможно - в полном отречении от канона.
Сразу сознаюсь, что я слушаю в высшем качестве и причем в миксе для винила. Тем самым, возможно, открываю какую-то инфу. Ну ничего, группа поправит.
В прошлый раз Who Dies In Siberian Slush вроде начинал с арт-рока. А сейчас душа не стерпела, почали с Фюнерал-Арт-Рока, которого, по несчастью, заправили чуть глубже в тело композиции, как только появились погребальные стоны гитары, а тем паче вот этот драматический вокал - впечатляющий гроулинг. В этом миксе звуки гитар производят впечатление того, что перед вами постоянно открываются большие, широкие и высокие тяжелые пологи. И от колонок низкочастотным бризом веет. Это ощущение подкрепляется печалящимися клавишами, томно грустящими над своей партитурой. Но когда миновали эпицентр «Вместе незримо» и прошёл мост - титанический железобетонный мост, то всё наносное унесло - будто ту песню из 80-х.
Композиция «Омск» - да, хорошо, неплохо отзываются уже появившиеся рецензенты и слушатели в комментах. Не знаю, хорошо ли от этого Омску, что про него песни сочиняет Funeral Doom/Death Metal группа. Time will tell.
Надо поднять пожилое интервью с Who Dies In Siberian Slush, по-моему кто-то из ребят рассказывал про Омск. Ага, вот цитата: «Как раз в этот период мы с коллегой поехали на машине из Омска в Тюмень». Вспоминали, как ехали по саранче и она мерзко скрипела под колесами. Может быть, как раз с тех пор музыканты и играют Funeral Doom?
Часто команда врубает духовую секцию и от того свет сам выключается у вас и гаснут свечи. Музыканты Who Dies In Siberian Slush чутко уловили некую дрожь земли, которая происходит когда играет, например, тот же тромбон. А это как раз признаки надвигающегося землетрясения...
#Neoclassical_Funeral_Doom/Death_Metal - вот вам финальный тэг для «Уроков смирения».
Рекомендации? Это шесть композиций с этого альбома, но особенно - «За гранью». Которая начинается слезливой истеричной гитарой и мид-темповым забоем (не забыли - Funeral Doom/DEATH Metal?), которые совместно размалывают окружающее в тонкую муку, и неистово уничтожают шестерни нашего будильника-времени - оттого, что «мид-темпо» здесь пытается свернуть голову поползновениям на медленный темп. Неочевидная эта борьба «медленного» с «побыстрее» за шесть минут финализирует этот монструозный альбом, не попавший ни в какие чарты года 2023-го.
Придется ему искать пристанище в плейлистах года нынешнего.
P. S. Из того, что хотелось бы всё-таки заметить авторам этого диска. Наррацию (повествование) в трэке «Где смерти нет» нужно было произнести на итальянском языке.
|
| |
|
|
|
|
|
| Многие хорошо осведомлены об африканских корнях в популярной музыке - госпел, джаз, блюз, фанк, хип-хоп, регги, карибские сока и калипсо, рок-н-ролл - почти все они были созданы под подавляющим по силе влиянием африканских ритмов и музыки рабов. А вот как насчёт музыки независимой субсахарской Африки? Пожалуй, если обратиться к рок-музыке, то здесь всё весьма скромно - сцена очень слабо развита, и тому есть объективные причины. Скудность рок- и метал-движения там сохраняется из-за хронической нехватки инфраструктуры, подходящей аппаратуры, профессиональных инструментов, иногда - банально электричества. В странах Франкафрики влияет также неприятие рока суннитским исламом. Ну и далеко не все субсахарцы имеют лишние средства, чтобы банально посещать концерты - не до покупок фирмы и мерча, когда не на что поесть и собрать детей в школу. Тем не менее отдельные рок-группы существовали, существуют, а некоторые даже успешно гастролируют и создают профессиональные альбомы. Большинство из них либо являются роком/металом с добавлением аккомпанемента племенных инструментов, либо подражателями - банальной заменой грандам рока, которые никогда не приедут в условную Киншасу. Для слушателя из других регионов они могут быть интересны разве что с позиций географической экзотичности. Но даже в таких условиях, точнее, даже более сложных - ещё в начале 70-х - в Медной стране возникла целая уникальная музыкальная сцена, чьё влияние смогло даже просочиться вне континента. Наименование этому феномену - замрок. И это далеко не "замена року", а крайне самобытная музыка. А началось всё с группы W.I.T.C.H. - название-акроним расшифровывается как "We Intend To Cause Havok" - "Мы собираемся начинить бед" - смелое название для, по сути, первого по-настоящему профессионального коллектива популярной музыки в стране. Группа выпустила на кенийском лейбле (за неимением других, а с бурским ЮАР договориться было почти невозможно) в 1972-м году дебютник "Introduction" - альбом, явно навеянным такими группами, как The Zombies, The Doors, Jefferson Airplane - западный психодел с африканским, фанковым фасадом. Даже если не брать в учёт априори узкий круг потенциальных слушателей и нулевую конкуренцию (никаких других рок-винилов, кроме дефицитных западных, не было в природе). Неизбежный успех привёл к созданию настоящей сцены Замрок - такие группы, как Amanaz, Salty Dog и The Peace, создавали музыку в похожем ключе, однако феномен оставался в большинстве своём локальным явлением, известным лишь самым пытливым меломанам. Падение цен на нефть к концу 70-х привело к разрушению сцены.
С развитием Интернета больше энтузиастов узнали о замроке, сформировался андеграундный культ. В итоге в 2017 году вокалисту WITCH Эммануэлю Чанда пришла идея набрать новых музыкантов - как из Замбии, так и из Европы (остальных оригинальных участников, увы, давно уже скосили беспрестанные эпидемии инфекционных болезней и ВИЧ), и восстановить группу, так как в более-менее сытой Замбии, ровно как у афроамериканцев в США, появился интерес к замроку. Его труды в итоге вознаградились новым релизом - в 2023 году вышел в свет первый за десятилетия альбом в жанре - "Zango" (на одном из наречий банту означает "место встречи").
Анализируя содержимое пластинки, можно сказать, что изменения от прошлого варианта есть, влияния всего массива музыки и новых технологий, вышедших в период комы замрока, нельзя избежать. Но стоит заметить, что множество психоделических, застывших во времени, чуть ли не архаичных элементов, даже со сменой участников сохранились. В музыке всё ещё присутствуют веяния мастеров психоделического рока и узнаваемая ритмика. Материал вышел даже более живой и совершенный, чем когда-либо прежде. Ну и пусть вас не смущает белые инструменталисты - веселый, жаркий африканский дух пронизывает музыкальную основу на всём протяжении альбома. Разнообразие звуков африканской перкуссии, эмбиенты от клавишника Патрика Мвонделы и множество приглашённых локальных этно-музыкантов, включая вдохновителя другой знаковой команды Amanaz - Кита Кабве на "Nshingilile", позволяет слушателю совершить увлекательное путешествие в тихие и дружные (относительно соседей) замбийские уголки и проникнуться атмосферой сполна. Звук на альбоме выстроен очень хорошо, подчёркивая нужные элементы для создания атмосферы. Даже "Avalanche of Love", эксперимент с более современным хип-хопом с участием известной на континенте певицы Sampa the Great, смотрится более чем гармонично. Классические приёмы эйсид-рока в гитаре Стефана Лилова также на месте. Музыка никуда не спешит, не видя нужды намеренно перегружать размеренный темп племенной жизни. Перескоки между нарочито жизнерадостным английским и мелодичным ньянджа также придают особого колорита психоделической ауре альбома. Хвала достаётся и самому Чанда - для 71-летнего старика он с неплохим результатом сумел встать в строй. Лично отмечу песни: вечерне-мелодичную "Streets of Lusaka", фанковую и расслабляющую "By the Time You Realize" и финальный манифест "Message from W.I.T.C.H." - громкое утвердительное заявление, что Zamrock смог восстать из пепла и не собирается сдавать позиции - призыв продолжать, сохранять, распространять музыку, активно возрождать феномен замрока, всадить его себе в сердце.
Отзывы критиков на возрождение жанра оказались восторженными и, разумеется, хочется верить, что усилия Чанда не пропадут даром и на одном альбоме всё не завершится, а замрок сможет вдохновить и стар и млад не только в Африке, но и далеко за её пределами.
|
| |
|
|
|
|
|
| Для выпуска второго альбома уральским творцам холодно-созерцательной атмосферы Elderwind понадобилось целых шесть лет! Столь долгий перерыв объясняется тем, что после выхода дебюта группа, находясь в относительном информационном вакууме, попросту не имела представления о том позитивном фидбэке, который получил альбом, и какое-то время пребывала в неопределённости относительно будущего творчества. Поэтому написание и запись нового материала сильно затянулись. За это время дебютный альбом «Волшебство живой природы» успел завоевать почётный статус не только на российской сцене, но и вообще стал считаться образцовой работой в жанре атмосферного блэка.
«Чем холоднее ночь», развивая идеи своего предшественника, показал вместе с тем и заметный прогресс, привнеся много нового в музыку Elderwind. Прежде всего, продакшен получился очень пристойным и более качественным, чем на прошлом альбоме – и звук объёмнее, и барабаны звучат куда живее и убедительнее. Но главное отличие кроется в другом. «Чем холоднее ночь» - это по-прежнему неторопливый атмосферик-блэк, но упор теперь сделан на гитарный звук. Несмотря на это, музыка получилась очень мелодичной и местами даже задушевной. В немалой степени этому способствуют пусть и простые, но берущие за душу тремольные соло и упор на плавный мелодизм ведущих гитарных партий. Мелодий на альбоме действительно много и именно вокруг них строятся композиции. Вроде в музыке и нет ничего сложного, но есть правильное чувство и качественное исполнение. Кстати, на этом альбоме проявилась и такая характерная черта творчества Elderwind, как протяжные, напевные мелодии, которые легко ложатся на аккордеон. Есть в этом что-то исконно-национальное, народное. Звучание клавишных хоть и перестало доминировать, они стали шире по наполнению и разнообразнее, временами даже солируя, а не просто создавая фон. В лирических и совсем воздушных клавишно-акустических отступлениях теперь можно услышать флейту и даже арфу. Музыка в итоге получилась торжественно-атмосферной – простор, холод и яркие звёзды. И хотя «Чем холоднее ночь» это всё ещё атмосферик-блэк, местами альбом становится просто атмосферной музыкой, тяготеющей к саундтреку, чему способствует и большая продолжительность композиций. Это особенно заметно в инструментальной версии альбома без вокала. Кстати, на этом диске дебютировал новый вокалист и его манера исполнения ближе всего к декламации. Что вкупе с напористой манерой исполнения делает вокал излишне рельефным, на мой взгляд.
Что касается отдельных композиций, то я бы выделил, в первую очередь, «Алтай». И знаете почему? Потому что песня была написана основателем Elderwind Вячеславом Обоскаловым после двухнедельного (!) похода на Алтай. ТруЪ! По сравнению с этим комфортные прогулки по лесу скандинавских блэк-металлистов похожи на посещение городского парка. Очень мне понравился трек «Просторы свободы» - такой размеренный, атмосферный бошкотряс. «Тишина» весьма удачно выражает идею всего альбома, а кроме того, является идеальным инструменталом современного атмо-блэка. Завершающая альбом заглавная вещь «Чем холоднее ночь» также получилась очень удачной благодаря яркой мелодике и атмосфере. Вообще, любопытно, что по отдельности здесь хороша каждая песня, но всё вместе звучит несколько однобоко. Такой подход способствует ощущению цельности альбома, но больше динамики пошло бы музыке только на пользу. И доказательством тому служит следующий полноформат Elderwind «Пожары», который сохранил атмосферу и мелодические находки предыдущих двух альбомов, но заметно оживил композиции ранее недостающей интенсивностью. Ну а «Чем холоднее ночь» вытащил Elderwind из небытия, укрепил зарождающийся статус группы, а также добавил в концертный сет-лист пару значимых вещей, которые музыканты «обречены» теперь играть всегда.
|
| |
|
|
|
|
|
| Норвежцы Disgusting в начале пути здраво рассудили, что заготовка самого обычного дэта рискует так и оставить продукцию на самых дальних полках магазинов, и накопив на первый альбом, вышедший на лейбле Head Not Found Records, сразу начали поиск особенностей, которых они могут и хотят внедрить в обычный дэт. Изучив и веяния скандинавского мелодэта, и набирающий силу дэт-н-ролл, группа стала менять своё творчество, внося в него больше риска.
Сразу бросается в глаза незатейливый характер звука, характерный для бюджетных записей - соло-гитара звучит несколько пискляво, ей будто недостаёт звукового наполнения. А вот от ритм-гитары словно отняли нужную силу. В общем, сведение альбома и звук - уже не парадная сторона данной записи. Касаемо материала, который должен быть вроде бы "блюзовым", если судить по названию, предвосхищающему творческие тенденции конца 90-х групп по типу Anathema, The Gathering, Paradise Lost, то там музыки такого уровня и близко не наблюдается. Чувствуется, что Disgusting переоценили свои возможности задержать и заинтересовать слушателя, да и в принципе чтобы заправить длинную песню соответствующим хронометражу дополнением - обычных акустических вставок совсем недостаточно. К примеру, длинная "Chronological Perversity" к своему несколько неказистому мелодическому участку в середине успевает наскучить, и даже относительно неплохие соло не спасают трек - чем-то более поощряющим, нежели неплохими, их назвать тоже нельзя. Если же посмотреть на песни более короткие и прямолинейные - "Me And My Mind", "Gasp At Your Final Breath" - можно заключить, что им хронометража с лихвой хватает, и оставляют они на порядок меньше негативных впечатлений, воспринимаясь как несколько заурядный, хлипкий дэт, но переносимый организмом. Блэкоподобный вокал Лассе Йохансона звучит совсем глухо, словно за низким качеством записи прячется критическая недостача вокальных данных - голос не звучит сильно и вообще никак не теребит сознание. Больший напор на акустику от Кена Флетчера в последующих треках тоже не работает - хоть сами они сносны, ведь созданное умеющим даже просто адекватно играть на инструменте мелодично-акустическое масло сложно испортить кашей. Средний уровень песен чуть увеличится дальше, но всё же, кроме пары ходов в "My Shade", чего-то замечательного всё равно не видно.
Итог неутешителен - на ниве экспериментального дэта Disgusting не смогли показать высоких стандартов, и в итоге распыление музыки на 50 минут играет против "Shapeshifterbirthblues" ещё сильнее - к моменту, когда развитие зачатков идеи начинает выглядеть чуть занимательнее, добрая половина слушателей просто забросит диск и пойдёт заниматься своими делами. Вялый альбом, хотя группа, если бы захотела стараться в будущем усерднее, вполне могла б возыметь своё лицо.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пространное название альбома Illdisposed означает и выход музыки датчан на совершенно другую плоскость, стоит подумать. И начинаясь с реверсированного вступления (вежливый рефрен в сторону Морбид Эйнджел), команда приглашает слушателя вновь охватить закаляющих дэтовых ударов, но весьма заметно, что их характер изменился. Пафос и шипящая злоба сошли на нет, "понтов" коллектив больше не срезает, подход к жанру стал ещё более развязным.
Ключевое слово для описания альбома - ДРАЙВ. Именно насыщенность подвижными, грувовыми риффами, которые и на неторопливых участках не выбивают из колеи, является основной фишкой "There's Something Rotten...", выгодно отличающей его от других представителей дэт-н-ролла. Не ударяясь в заумные пассажи, а просто следуя рок-н-ролльной жилке, которая составляла костяк наиболее удачных работ жанра - чтобы звучало чётко, динамично и нескучно. Касаемо сведения особых нареканий не возникает, хотя иногда кажется, что звук барабанов (отметился Рольф Рогнвар-Хансен) недостаточно полностью отражён во всей красе. Хочется отметить, как хорошо включается более мелодичная гитара и соло от Торе Могенсена, и как в целом выстроена музыка. Дуэт чётко гроулящего певца Бо Зоммера с вопящим собой же даёт интересный контраст в песнях, но голоса не являются самой яркой стороной диска, хоть и не отталкивают от себя. Бросалась в дэт-н-ролл группа не только от скуки, появившейся от более строгого и мрачного дэта, или в рамках погони за трендами - Illdisposed знали, что хотят выжать из своих идей. Не слишком широкий размах экспериментов - песни весьма похожи - позволил изготовить более концентрированный материал. Из совсем необычных моментов стоит заметить разве что "фанковый" отрезок вокала в "Pimp". Тем не менее альбом весьма предсказуем, что всё же действует положительно в большей степени. Ну и вольная интерпретация небезызвестной "Wake Up Dead" оставляет некое смятение. Честно говоря, фишка Illdisposed пролетела здесь мимо меня. Однако начальный трек, "We Lie in the Snow" и "Days on the Floor" будут хорошими примерами музыки на данном альбоме, которая не улетучится после 1-2 прослушиваний.
У Illdisposed смена творческого вектора вышла весьма удачной, и движение в сторону дэт-н-ролла на этом альбоме не остановится. Хотя из всех пластинок, большинство из которых были приняты благосклонно, именно "There's Something Rotten..." я считаю наиболее чарующим. Если сильно профессиональный и негрубый "Soul Survivor" сравнить с гранёным бриллиантом, то дэт-н-ролл от Illdisposed относится к категории мощных и чётко работающих алмазных свёрл.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не прошло и шести годков, как в сентябре 2023, на тридцать втором году существования, славный американский коллектив Dying Fetus выстрелил девятым номерным альбомом.
Начиная с «Killing on Adrenaline» (1998) Ваш покорный слуга внимательно следит за творчеством группы, и вся их дискография у меня делится три периода. Первый ознаменован составом, где были три главных столпа DF - John Gallagher, Jason Netherton и Kevin Talley - это до начала двухтысячных. Второй начался, когда Netherton, Talley с Mike Harrison организовали Misery Index, а Dying Fetus, ведомый Галлахером, продолжил свой путь в мире экстремального металла. Состав в то время немного штормило, но к 2009 году (альбом «Descend into Depravity») наступила стабильность, и примерно здесь берет начало третий период, длящийся и ныне.
Лучший для меня диск - «Killing on Adrenaline», любовь с первого взгляда. Услышал в 2000 году. Второй период творчества группы мне не очень: альбомы как будто отражали некоторые шероховатости коллективной работы над музыкальным материалом. А вот начиная с 2009 года Dying Fetus в составе: John Gallagher, Sean Beasley, Trey Williams, выходит на тот уровень, когда становится постоянной величиной в высокотехничном брутал-метале, хотя, возможно, и не самой главной.
При прослушивании данного творения я не удивился. Всё как всегда. Возможно, грува несколько больше чем обычно. Порадовало то, какие трэки были выбраны первыми в качестве «открывашек» - тут всё просто замечательно, я как слушатель сразу понимаю, что мне предстоит услышать и зачем. «Enlighten Through Agony» и «Compulsion for Cruelty» - просто убийственные песни.
Слэм и грув, наряду с выверенными бласт-битами, присутствуют в композициях как данность - это часть проповедуемого стиля. Бас-гитара ненавязчиво ложится на партии гитар и лишь добавляет им мощи, не заглушая. Тут, как мне кажется, реализована суть баланса «техничности и брутальности» без перекоса в какую-либо из сторон. На самом деле, немногим исполнителям это удается и у «Подыхающего зародыша» отлично всё получается. Иногда, когда вспоминается недавнее творчество Dying Fetus, у меня возникает вот такая ассоциация – бласт-бит, грув + мрачное веселье. Это мои личные ощущения.
Dying Fetus одна из немногих групп, с завидной постоянностью выпускающих хорошие релизы в зрелом возрасте, хотя известно много обратных примеров, когда музыканты, выстрелившие первыми альбомами, потом уныло сливаются.
Тут налицо процесс неспешного накопления материала без излишнего давления сверху - например, со стороны звукозаписывающего лейбла, плюс финансовая независимость, позволяющая высказываться музыкально именно тогда, когда есть что сказать. И вроде как я на «Make Them Beg for Death» не услышал совершенно ничего нового, абсолютно. Но… это было свежо, технично, брутально, хорошо записано и хотелось именно этого.
|
| |
|
|
|
|
|
| Самый первый альбом знаменитых нью-йоркских трэшеров. Как и полагается, группа прошла через небольшой демо-период и выпустила один сингл в 83-м, который неплохо оценен профильными рецензентами (83/100). Некоторые смены состава и главное - смена вокалиста позволили команде записать свой первый альбом, на котором спел Neil Turbin. Который, кстати, написал тексты.
Виниловую пластинку и кассету издали на Megaforce Records, а также на Music for Nations и Roadrunner Records, в том же году - еще на паре лейблов. Уже только это говорит, что эта пластинка и вообще трэш были востребованы широкой публикой. А еще точнее - просто металлистов было много, а массового интернета не было... Компакт появился только в 1987 году. (Кстати, Megaforce переиздал цветной винил в 2021-ом.)
Подробно о всех перипетиях, предшествующих пластинке, гитарист Скотт Ян рассказал в своей автобиографии, так что просто послушаем, что ребята натворили на этом диске.
Легко себе представить нечто еще более олдовое и вдохновляющее, чем этот альбом Anthrax. А зачем? Вот оно - и олдовое, и вдохновляющее, сам себе режиссер и командир - ТРЭШ в своем первородном обличии, притом обработанный звукорежиссерами так, чтобы его можно было записать на пластинку.
Шустрый, оголтелый и зубастенький, инструментально плотный и вокально непосредственно разнузданный. Скоро Турбина попросят на выход, но вокал его здесь вполне себе знаковый и резкий - в смысле, режущий. И даже те люди, которые предпочитают вокал Белладонны (как я), не могут не признать, что Neil справился на 101 процент, - для первого ударного альбома группы из так называемой Четверки Трэша.
Турбин уверенно модулирует в среднем регистре - cлегка под Judas Priest, и с удовольствием лезет в верхний диапазон, с вибрато тянет ноты. И стопудово - не было бы Турбина, не было бы этого альбома. Но время показало, что вокалиста (любого) можно заменить, да и еще найти получше.
Лид-гитареро - Dan Spitz пришел в команду за год до выпуска "Fistful Of Metal" и играл там до 1995, а потом в период 2005-2007. До Anthrax он немного помолотил ноты в Overkill. Кстати, он младший брат Dave "The Beast" Spitz, который одно время поработал басистом в Black Sabbath. Ну а вспомнил я Дэна оттого, что как гитарист он довольно-таки солидно проявил себя на этом альбоме. И его умопомрачительные соло (например, в "Metal Thrashing Mad") также были на тот момент фирменным тавро команды, как и вопли Турбина.
Итого - 10 трэков наглого, бронебойного, колючего и горючего трэша, вышедших на виниле после «Kill 'Em All», но до «Killing Is My Business... and Business Is Good!» сами знаете каких групп.
Ну и в те времена была такая тема, что музыканты просто добивали свой материал каверами (например, так делали ребята из Megadeth). Так и Антракс выбрали себе кавер "I'm Eighteen" (Alice Cooper) - причем третий трэк в альбоме.
К чему он, помимо того, что просто перебивка меж шустрых композиций, не представляю себе. Вероятно, хотелось побыстрее пластинку выпустить.
Обязательно нужно сказать о некоторых людях, которые обеспечивали запись этого диска, кого-то из них вы, конечно, знаете: Alex Perialas - инжениринг (ассистент), Carl Canedy - продюсер, Jon Zazula (R.I.P. 2022) - исполнительный продюсер. Последний был владельцем легендарного лейбла Megaforce Records.
И я вот сейчас обратил внимание, что на логотипе лейбла два кулака. И один из них - в кастете, видимо, фигурирует на обложке "Fistful Of Metal".
Надо ли говорить, что эта контора в свое время начала выпускать Metallica, Exciter, Grave Digger, других апостолов тяжелого металла?..
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2005 году британский квинтет Def Leppard отметил 25-летие своего дебютного альбома "On Through The Night", к юбилею которого было приурочено масштабное мировое гастрольное турне, а параллельно вышел этот самый двойной альбом-ретроспектива "Rock Of Ages..." (первый тираж был вброшен в продажу 17 мая). Не исключено, что по этому факту кто-то съязвит, мол, с не меньшим успехом и таким же размахом можно отмечать выходы каждого из последующих номерных альбомов группы, как, скажем, в своё время это делали Deep Purple. Но, во-первых, DP выпускали именно тот самый альбом, 25-летие которого отмечали, причём в новой редакции, то есть по-новому переписывали программу юбилейной пластинки. Таким образом были переизданы некоторые ключевые пластинки группы 1970-73 годов. Во-вторых, звучание новых записей заметно отличались от оригиналов.
Def Leppard пошли иным путём. К тому же, дебютный диск, каким бы он ни был, для любого исполнителя - это нечто особое. А для кого-то он бывал первым и единственным.
Данный же рассказ совсем не про "On Through The Night" и даже не про "Rock Of Ages: The Definitive...", а о некоторых из тех событий, что уложились в эти 25 лет между двумя датами в истории Def Leppard. Главным образом о том, что преодолела группа и чего за это время хлебнула.
Как известно, "On Through..." был запущен в релиз 14 марта 1980 года компанией Vertigo, когда музыканты DL позиционировали себя одним из представителей NWOBHM, относительно нового, в общем-то, течения в популярной музыке того времени. У англосаксов подобных коллективов развелось тогда уже немало. Возможно, поэтому дебютный альбом квинтета DL по большому счёту был замечен разве что на Британских островах (15-е место). В прочих местах стартовая пластинка новой группы не слишком впечатлила. Но ровно до тех пор, пока DL не вознеслись благодаря своим последующим гремучим альбомам и некоторым событиям с группой так или иначе связанных.
Как бы то ни было, но и на протяжении 1979 года они набирали какие-то дивиденды, прирастали поклонниками и стали одним из заметных составов среди представителей так называемого hair-rock. Группе даже удалось заключить контракт на хороших условиях с лейблом Phonogram (с подразделением Mercury Rec. в США). А ещё в ней частично сменилось руководство. Это была та ещё история. Если совсем коротко - менеджеры Пит Мартин и Фрэнк Стюарт-Браун были уволены за драку П. Мартина с Джо Эллиотом где-то во время переезда группы из города в город.
Новым менеджером DL стал Питер Менш (Peter Mench). Тот самый, что немногим ранее пригласил английскую группу в совместный с AC/DC гастрольный тур по Великобритании.
А в 1980 году парни из DL дебютировали на традиционном рок-фестивале в английском Рединге. Группа вышла на сцену в заключительный день 24 августа практически на самом финише (завершали тогда программу фестиваля Д. Ковердейл с Whitesnake), зрители уже устали, многие были, что называется, на взводе. Музыканты DL были представлены как новички, но публика отметила их выступление по-своему. Когда группа заиграла свою "Hello America", на сцену полетели пивные банки и бутылки, наполненные мочой. Было ощущение, что народ готовился к выходу DL. Впрочем, в качестве некоего оправдания Джо Эллиотт как-то раз заметил, что подобным образом толпа "отметила" всех выступавших в тот день участников фестиваля.
Впрочем, обнаружился и виновник того самого инцидента. Им был "назначен" журналист Джефф Бартон, опубликовавший в издании “Sounds” статью, где обвинил музыкантов DL в том, что те якобы "продались американцам". Объективности ради, видимо, следует заметить, что альбом "On Through The Night" действительно в немалой степени был ориентирован на американскую аудиторию.
А в канун 1984 года с одним из участников группы случилась история куда более серьёзная: барабанщик Рик Аллен и сопровождавшая его подружка в окрестностях Шеффилда попали в автоаварию. Пытаясь на высокой скорости обогнать ехавшую впереди машину, Р. Аллен потерял управление своим Corvette и врезался в стену ограждения, в результате чего левая рука Рика была ампутирована. Трагедия для барабанщика, беда и большая проблема для группы.
Однако другие музыканты DL в той истории проявили себя порядочными соратниками по ремеслу и верными друзьями. Вся четвёрка всячески поддерживала Р. Аллена и никогда не искала ему замену. А производитель новомодных электронных барабанов Дейв Симмонс помог Рику разработать специальную ударную установку, на которой часть функций потерянной руки тот мог выполнять ногами.
В этой связи работа над четвёртым альбомом DL, названным "Hysteria", растянулась на долгих три с половиной года (диск вышел в августе 1987 года). Не в последнюю очередь несчастье с Р. Алленом способствовало тому, что альбом стал самым продаваемым из когда-либо выпускаемых английскими командами. Тираж "Hysteria" превысил 12 миллионов, из которых только в Американских Штатах было реализовано 9. Там пластинка вообще 49 недель пребывала в местном хит-параде, и даже возглавляла его какое-то время.
А в самом начале 1991 года эту успешную и весьма востребованную группу постигло очередное потрясение: в своей лондонской квартире был обнаружен мёртвым гитарист Стив Кларк. Один из основателей Def Leppard скончался от очередной передозировки, что для остальных музыкантов уже не являлось неожиданностью. После фурора с альбомом "Hysteria" наркозависимость С. Кларка, совмещённая с неуёмным злоупотреблением крепкими напитками, достигла апогея. В какой-то момент в группе сказали "хватит!" и определили товарища в профильную клинику. Это ли не свидетельство заботливого, едва ли ни трепетного отношения к пропадающему собрату по оружию в рядах DL? А ведь от Кларка можно было запросто избавиться и даже объяснений не потребовалось бы, тем более что заменить его всегда было кем.
Замечу, пожалуй, что участь Стива Кларка ещё раньше могла постичь другого гитариста группы Пита Уиллиса. Но с тем в DL обошлись более круто, уволив по ходу работы ещё над третьим альбомом "Pyromania" (1983 г.) и заменив Филом Колленом из рок-бригады Girl. Как чуть позже оказалось, Коллен также был не без греха.
Место Стива Кларка занял бывалый гитарист Вивиан Кэмпбелл, добившийся известности ещё в составе группы Ронни Дж. Дио. Его официальный дебют состоялся весной 1992 года на переполненном легендарном стадионе «Уэмбли» в Лондоне во время выступления DL на мемориальном концерте, посвящённом светлой памяти Фредди Меркьюри. Согласитесь, был в этом некий символизм.
Рискую вызвать на свою голову шквал возмущений и негодований (или в лучшем случае несогласий), но возьму на себя смелость поделиться такой вот крамольной мыслью. В самом деле, если совсем ненадолго усомниться в искренности тех людей, что принимали решения в пользу своих сотоварищей, то может показаться, что в каждом из тех случаев этими людьми управляли холодный расчёт и элементарная целесообразность. И тогда, если абстрагироваться от всех этих вещей, оставив, как говорится, в сухом остатке музыку Def Leppard и только, то всё может представиться в ином свете. Не буду дальше развивать эту мысль.
Теперь что касается музыки. Можно по-разному воспринимать наследие DL. Интересующийся этой темой народ, наверное, так и поступает. Лично для меня творчество этой группы разделилось на то, что DL делали до и после, если брать за разделительную черту трагическое событие с Риком Алленом, случившееся 31 декабря 1984 года. Тем, кто готов заклеймить меня позором, попытаюсь объяснить, о чём это я. Тут, знаете, допустимо такое сравнение: если, скажем, в привычную тебе еду вдруг стали бы добавлять некие ингредиенты, пусть даже полезные и жизненно необходимые. А восприятие уже не то, и почему-то больше не тянет к этому блюду. Так и с музыкой DL, изменившейся с выходом их супер-альбома "Hysteria". Само собой, мужество и целеустремлённость Рика Аллена не подвергается сомнениям. Но никак невозможно отделаться от иного звучания его электро-установки системы Симмонса и изменившейся техники работы однорукого барабанщика на ней. А вместе с этим и звучания группы в целом. Вольно или невольно, но музыканты вынуждены были подстраиваться под иную технику Р. Аллена. Особенно на первых порах.
И определённую рафинированность в общем звучании группы не заметить никак невозможно. Другое дело - как к этому относиться. Я вот, признаюсь, не слишком жалую музыку DL, начиная с их LP "Hysteria". А всё, что они записали и выдали в релиз с середины 90-х годов, не слышал вообще. И не очень об этом жалею. Хотя и отдаю должное группе.
Так вот, 34 собственные песни DL включены в компиляцию "Rock Of Ages", из которых лишь две представлены их альбомом "On Through..." ("Rock Brigade" и "Wasted"). Из этой подборки получились бы четыре полновесных альбома. И какие, представьте, это были бы альбомы!
Хотя, возможно, отдельные номера и вызывают сомнение.
Среди всех этих песен как-то затерялась кавер-версия "No Matter What" известного в прошлом валлийского квартета Badfinger. Выбор музыкантов DL, если честно, достаточно странный. В дебютном LP "No Dice" (1970 г.) этой группы были вещи и поинтереснее. Не исключено, что здесь дело в другом. "No Matter What" - это песня лидера Badfinger Пита Хэма, автора неповторимой "Without You" из того же, кстати, альбома. В 1976 году в состоянии глубокой депрессии Пит покончил с собой, в следствие чего хорошая группа развалилась. П. Хэму было 27 лет.
Надо заметить, что на Туманном Альбионе этот 2CD-сборник не вызвал большого интереса, да и стоил недёшево. А вот за Атлантикой, где к DL всегда относились с особым чувством, эта роскошная подборка по версии Billboard 200 добралась до первой десятки (в Канаде и того выше - вошла в тройку лучших). К тому же первый тираж этой компиляции был издан именно на американском континенте собственной компанией DL под названием Bludgeon Riffola, основанной там ещё на заре существования группы. В Европе первый тираж "Rock Of Ages" был отштампован лишь в 2008 году.
Думаю, нет никакой необходимости в очередной раз что-то рассказывать о песнях, составивших этот сборник. И долго и неконструктивно: вряд ли кого-то заинтересует моё мнение о его содержании. Ещё раз замечу, что определённые коррективы напрашиваются. Наверняка у каждого был бы свой вариант. И слава Богу, что так.
...Брайан Джонс (The Rolling Stones), Кит Мун (The Who), Марк Болан (T. Rex), Джон Бонхэм (Led Zeppelin), Бон Скотт (AC/DC), наконец Джон Леннон в 1980-м, чуть позднее Феликс Паппаларди (ex-Mountain), Фил Лайнотт (Thin Lizzy), Брайан Коннолли (ex-Sweet), Фредди Меркьюри (Queen), Стив Кларк (Def Leppard)...
И это лишь часть длинного списка преждевременных потерь личного состава среди звёзд мировой рок-музыки.
Все эти такие разные люди известны нам нынешним не только тем, что оставили свои славные имена в скрижалях истории рок-сцены планетарного масштаба, делая для нас великую музыку, но ещё и потому, что слишком рано покинули эту грешную землю. Как и подобает истинным героям рок-н-ролла.
|
| |
|
|
|
|
|
| Эта замечательная работа американцев Helstar является четвертой в дискографии команды и скорее всего (мне так видится), сей диск для коллектива такой же основополагающий, как «Master of Puppets» для Metallica, «Rust in Peace» для Megadeth или «Reign in Blood» для Slayer. Это пик творчества группы и знаковая пластинка в истории Heavy Metal как музыкального движения. Helstar росли качественно с каждым последующим альбомом, начиная от залихватского дебюта «Burning Star», и «Nosferatu» это достойнейшее завершение их первого и главного периода творческой жизни.
К записи «Nosferatu» музыканты приступили в том же крепко сколоченном и сыгранном составе, что и на предыдущем номерном альбоме «A Distant Thunder». На мой взгляд, сей факт тоже повлиял на качество материала. Влияние предыдущих трех дисков в наличии, но здесь также присутствует окончательная шлифовка собственного уникального стиля коллектива. Выше Helstar уже не замахивались и не попадали.
Наверное, основная заслуга «Nosferatu» заключается в максимальном использовании возможностей speed metal и американской разновидности power metal, толики thrash metal и большой порции того, что мы называем neo-classical metal. В партиях соло-гитар неоклассические темы звучат постоянно и весьма достойно.
Вообще, к музыке Helstar можно применять слова «изысканная» и «утонченная», что весьма парадоксально, учитывая стилистику коллектива, но применять их будет правильным и логичным. «Острое», четкое звучание альбома дает прекрасные возможности слушателю оценить разнообразие нетривиальных аранжировок, мощь и красоту гитарных партий, надежную и грамотную работу ритм-секции.
Театрально-холодная атмосфера общего звучания материала придает записи своеобразный характер с претензиями на уникальность.
Вокалист Rivera хорош, с песнями справляется отменно, хотя, честно говоря, у меня всегда было ощущение нехватки мощности диапазона у главного за микрофонной стойкой в Helstar. А вот узнаваемость голоса, как важный критерий оригинальности, здесь присутствует однозначно.
Дуэт гитаристов Barragan/Corbin собирает всяческие похвалы за техничность, мелодичность и экспрессивность. Радует запись гитар, которые звучат ровно, выверенно и четко, чтобы слушатель мог насладиться сложными пассажами и риффами в полной мере. Пожалуй, только басист Abarca время от времени несколько оттеняется в миксе, и причина, возможно, в том, что плотность партий гитаристов не позволяет басисту развернуться в упражнениях в прекрасном, не внеся элементов хаоса в общую палитру законченной музыкальной картины.
Барабаны Ferreira звучат достойно, делая с басом крепкую основу для наложения партий гитар и вокала.
Шесть первых песен с альбома написаны по мотивам романа «Дракула» Брэма Стокера, а остальные композиции посвящены темным сторонам бытия.
«Nosferatu» от Helstar есть классическая работа именно из того времени, когда Metal был развивающимся стилем и данный диск является значимой ступенькой в совершенствовании одного из направлений тяжелой музыки.
|
| |
|
|
|
|
|
| Если вы хотите прикоснуться к прекрасному и намеренно ограждаете себя от жуткой хтони, то ни в коем случае не слушайте новый альбом Avenged Sevenfold. Или послушайте, но как пример того, от чего стоит бежать, как от стаи облезлых голодных волков.
Окей, критики скажут, что это смелый эксперимент на грани смешения прога и джаз-метала. Не верьте.
Вам напишут, что Майк Шедоуз вернулся в строй - и опять мимо, вой избитой собаки с автотюном слушать будет куда приятнее, чем эти потуги.
Если кто-то скажет вам, что альбом хорош только потому, что группа сделала что-то непохожее на то, что они делали раньше и сменила вектор - плюньте этому человеку в лицо и ограничьте общение, ведь он либо испытал ощущения от наступания медведем на ухо, либо просто не рубит фишку/понимает чё каво/сечёт/шарит в происходящем/смекает в чём дело.
Есть ли на "Life Is But A Dream..." хотя бы неплохие песни? Есть, теоретически их аж целых четыре, но, как говорил небезызвестный Василий Иванович, "есть один нюанс". "Game Over" - это крайне слабое подражание System Of A Down, но ни мощного вокала, ни особых гармоний, присущих Системе, там нет. Из "Easier" мог бы получиться неплохой хит, но песня была испорчена ненужными электронными вставками, которые заставляют лицо перекручиваться, словно во рту одновременно орудуют 5-6 дантистов, забыв поставить анестезию. Третья, последняя, по факту представляет собой соло на фортепиано, где реально придраться не к чему - лучший трек на альбоме, где ничего и никого больше нет. Ну окей, "Mattel" ещё ничего, про неё сказать особо даже нечего, что в ситуации со всей работой, бесспорно, выглядит уже ХОРОШО.
Ладно, поищем ещё что-нибудь хорошее. Что там по сведению? В двух словах - всё отвратительнее некуда, иногда было физически больно слушать некоторые моменты. Ну это, в принципе, стандартная история - если группа говорит, что звук на альбоме "сырой", в 90% случаев это означает, что продюсеры жидко обделались.
Из плюсов, пожалуй, выделю работу двух участников коллектива. Очень порадовал Вакерман (барабанщик), он единственный, к кому нет претензий. Ну и Синистер Гейтс зачастую выдаёт очень хорошие соляки, но не без лажи в некоторых местах.
Итог вполне себе очевиден - плохо, крайне плохо.
|
| |
|
|
|
|
|
| Что ж, ещё один альбом Enter Shikari увидел свет и на этот раз я ждал релиза с большой осторожностью. После неплохого, но насквозь коммерческого "The Spark", группа снова ступила на поле экспериментов, выпустив, по их заверению, «the essential Shikari record» - "Nothing Is True And Everything Is Possible". Тем не менее, попытавшись усидеть на всех стульях сразу, им не удалось сфокусироваться на самой эссенции их творчества — и альбом вышел в крайней степени разбросанным и невнятным: из рейва их кидало в неудачные попытки сделать поп-хиты, желание творить расшибалось о волну формата и ровно такое же... никакое впечатление осталось и после прослушивания.
Что же мы имеем в итоге? А случилось то, чего ждали, без преувеличения, многие фанаты Enter Shikari. Британские экспериментаторы не просто сделали новый альбом, но заново нашли свою истинную сущность и творческий задор. Вернулись к тем идеалам, которые питали их в молодости, но при этом использовали все преимущества опыта и зрелости. И оказалось этого было достаточно, чтобы влететь в чарты Великобритании аккурат на первую строчку.
Тем не менее, возвращение энергии не равно откату назад. "A Kiss For The Whole World" нельзя назвать полноценным «возвращением к корням», ведь музыкальная форма довольно сильно отличается от того, что было раньше. Тем не менее, отсутствие былой пост-хардкорной тяжести компенсируется:
- общим мастерством музыкантов и качеством продюсирования, которые отточены уже до какого-то невероятного уровня (и продюсированием теперь занимается непосредственно Рау);
- наконец-то Крис (басист) снова получил полноценные вокальные партии, что дополняет канву и является одним из прежде недостающих кусочков пазла;
- энергией и подачей, сшибающей с ног, но в этот раз подкрепленной невероятным энтузиазмом и вновь обретенными силами;
- треки снова стали бодрее, динамичнее и разнообразнее, как пример приведу хотя бы "Jailbreak", в котором органично сменяются d'n'b, пост-панк и старая добрая альтернативушка с мощнейшим брейкдауном.
Осталось неизменным смешение в кучу тонны стилей: на этот раз мы услышим модерн-рок, эмо, рейв-панк, ню-метал, электрокор, альтернативу, ска-панк, брейкбит, драм-н-бас, джанглбит, синти-поп, трап, собственно, рейв, лирический медляк "Dead Wood" внезапно вообще напомнил старых добрых The Beatles, а именно "Eleanor Rigby", разве что кроме концовки.
Есть ли у записи минусы? Разумеется — в первую очередь это её длительность. На прослушивание полного альбома из 12 песен уходит чуть менее 34 минут. Да и три композиции не являются песнями как таковыми по факту, это просто короткие интерлюдии и аутро. Это не значит, что они лишние, но хочется больше, если честно.
Плюс возникает вопрос к длительности некоторых песен. В обсуждениях я услышал действительно интересную мысль: если добавить в отдельные треки вот буквально несколько тактов, то они бы зазвучали гораздо более законченно и выразительно. И это правда ощущается, кое-где чувствуется, что то ли ребята сознательно что-то недосказали, то ли недодали нужных эмоций.
Но в общем и целом это лучший их альбом со времен "The Mindsweep" и один из кандидатов в альбомы года. Шикари наконец-то нашли свой звук и вернулись к тому, с чего начинали — снова открыли в себе то чувство, которое двигало ими с самого начала. Они не отступили назад, но совершили огромный прыжок вперед. Этот альбом прямое тому доказательство — Enter Shikari have lit the fire again and are back on track.
|
| |
|
|
|
|
|
| Металлическая сцена США и Западной Европы в середине 80-х годов прошлого века была не совсем открытой для коллективов из других регионов планеты Земля. Обязательное пение на английском языке (исключения, естественно, были), чуйка на аутентичное чувство корней, лежащих в области блюза, рок-н-ролла, хард-рока и взаимодействие с классической европейской музыкой в отдельных случаях, особенно в партиях многих выдающихся металлических гитаристов, были подвластны далеко не всем желающим проникнуть на рынок западной «железной» музыки. Одними из тех, кому всё-таки удалось сломать барьер и заставить говорить о себе уважительно все ведущие музыкальные издания, были Loudness, коллектив из Японии. Тут еще важен факт любви к этому альбому со стороны простых слушателей, которые с удовольствием голосовали за LP «Thunder in the East» трудовым американским долларом. Диск был издан в январе 1985 года на известном лейбле Atco Records и с течением времени попал в списки Billboard 200. На оба сингла с альбома «Crazy Nights» и «Like Hell» были сняты видеоклипы. В августе 1985-ого Loudness участвовали в туре с Mötley Crüe в качестве разогрева.
Образованная в 1981 году, группа Loudness сделала первую заявку на экспортный рынок выпустив четвертый и первый англоязычный альбом «Disillusion» (1984), который был весьма неплох, но не обладал в полной мере достоинствами «Thunder in the East» (1985).
Кстати, есть такое мнение среди части старых металлистов, что обозреваемая пластинка является одной из лучших в своей нише по итогам 1985 года. Я с этим заявлением согласен.
Чем же смог зацепить искушенного американского слушателя данный опус? Успех в родной Японии здесь даже не обсуждается. Попробуем разобраться.
Мне думается, одним из самых важных составляющих успеха «Thunder in the East» является высокий уровень мелодизма и оригинальность музыкальных решений. Песни мощные, запоминающиеся, с хуковыми припевами и куплетами. Риффы и соло-партии весьма техничны. Оригинальная смесь из рецептов Iron Maiden, Judas Priest, Scorpions, Lizzy Borden и актуальных на тот момент Mötley Crüe. Яростная энергия, выплёскивающаяся десятью металлическими номерами, тяготеющим в среднем к четырехминутным трэкам.
Вокалист – Минору Ниихару, достойный металлический фронтмэн, поющий в верхнем регистре, эмоциональный, искренний и имеющий индивидуальную окраску тембра, за счет чего узнаваем и самобытен.
Гитарист - Акира Такасаки, делающий упор на изобретательные и техничные партии с ярко читающимся влиянием европейской неоклассики в соло. Отсутствие бессмысленной гитарной вольтижировки, подчиненность сольных партий общему настроению композиций.
Ударник с бас-гитаристом на уровне, не более, но и не менее. Тут всё просто хорошо и замечательно.
Хитом здесь была и есть композиция «Crazy Nights», хотя, по мне, «Like Hell» или «Get Away» как минимум не хуже.
Чем ещё примечателен данный полноформатник Loudness, так это удивительной целостностью, самодостаточностью и примером того, что мы называем классическим образцом heavy metal в «узком» смысле - это не speed, это не thrash, это не power европейской или американской школы, это не hard-n-heavy или ещё чего-нибудь, это именно тот незамутненный ничем лишним кондовый heavy metal, где гармонично сошлись и смешались две школы – американская и европейская. Мне слышится именно так.
«Thunder in the East» был и есть лучшее и самое известное творение заслуженного японского коллектива. Именно его в первую очередь вспоминают при упоминании Loudness, несмотря на внушительную дискографию из более чем двадцати с лишним студийных альбомов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Выход «живого» альбома Second to Sun вполне закономерное событие, учитывая концертную активность группы в последние годы. Думаю, все помнят, что изначально это был чисто студийный, да к тому же инструментальный проект? Но теперь взята и эта планка. И надо сразу сказать, что взята вполне успешно.
Вообще в блэке мало концертников, которые «тащат» и действительно интересны. Лично я кроме “Emperial Live Ceremony” Emperor вспомнить больше ничего не могу. Подавляющая масса концертных альбомов (причём не только в блэке) довольно скучные, дежурные записи, которые не предлагают слушателю что-то действительно интересное, выполняя сугубо сувенирную роль. Но Second to Sun удалось отличиться и здесь, применив оригинальный подход. Альбом разделён на три части: первая часть является качественно сведённой и отмастеренной записью, вторая – записью напрямую с микшерского пульта во время концерта и третья часть записана на диктофон в центре сцены во время выступления. (!!!) Ну и плюс два бонус-трека в конце, записанные в «обычном» режиме. Это если ваши изнасилованные уши будут ещё в состоянии что-то воспринимать. Так что название альбома “Live At The Third Rome” (Живое, сырое и сущий ад) в буквальном смысле отражает его содержание.
Теперь пройдёмся по каждому разделу. Первая часть запечатлела группу практически в безукоризненной форме, демонстрируя все её сильные стороны. Помимо безупречного исполнения, мы ясно слышим всё то, что делает Second to Sun теми, кто они есть: отличные песни, риффы, крутые хуки, разнообразие и оригинальность. Благодаря профессионализму на концерте группа звучит не менее привлекательно, чем на записи. Периодически проскальзывающие в музыки элементы трэш-метала, как в “No Need to Be Afraid Now”, очень годно дополняют песни именно в концертном исполнении, добавляя драйв и динамику. В такие моменты появляются мысли, что Second to Sun это интересный гибрид блэка и более традиционной, компетентной метал-группы. В общем, здесь всё хорошо и даже очень. Но, как ни странно, из-за этой безупречности первая часть альбома кажется чересчур «обычной» и ровной. Это как начало гулянки, когда все собравшиеся ещё только разогреваются и стараются блюсти приличия. Всё самое интересное ждёт нас впереди.
Вторая часть, записанная с микшерского пульта, самая крутая – вот где огонь и отрыв! Именно здесь достигнут идеальный баланс между захватывающим исполнением и убийственным живым звуком. Сырая запись лишь подчёркивает наиболее сильные стороны музыки, стирая ненужный перфекционизм. Правильная концертная атмосфера лучше всего передана именно здесь. То, что надо! Такая сырость весьма подходит музыке группы, которая звучит выгоднее, если её «взлохматить» и сделать саунд более шершавым. Так совпало, что на 2-й части оказались и одни из сильнейших вещей. Только “Marsch der Wölfe” чего стоит – настоящий чёрный предвестник, в мрачном торжестве которой слышится угроза и в то же время обречённое сострадание. Просто душа наизнанку.
Ну и третья часть – это лютый бутлег в духе середины 90-х, чисто для маргиналов. Вот здесь точно сущий ад! Больше и добавить нечего… Хотя даже здесь слышно, что группа работает чётко, как часовой механизм.
В общем, альбом получился что надо. И пусть из-за такой специфической структуры он отчасти воспринимается как компиляция, а не стройный концертник, такой хаос ему даже на руку. И оригинально, и убедительно, и атмосферно. Реально интересная штука! “Live At The Third Rome” ещё раз показал, что сегодня Second to Sun едва ли не сильнейшая российская экстремальная группа как в творческом, так и в техническом аспектах.
|
| |
|
|
|
|
|
| В этой ЕР есть интро. Представляете? Жестоко, забойно и по-низкочастотному округло качающе. К тому же гитарист знает приемы привлечения внимания слушателей.
Мид-темпово дэтово рубит SHADE OF HOPE, создавая буквально движущуюся стену звука. Ритм-секция, как заведенная, всё время мини-альбома транслирует железобетонную уверенность и массивность.
Однако стОит по этой тяжелой конструкции пустить червоточину мелодического гитарного звука, как она прогибается, чтобы рухнуть в пекельные глубины Doom Deаth-саунда.
Вольно ли это получилось или нет, непонятно, но замедления и стопорение адского движения дают явный думовый крен в этом не очень большом произведении.
Интересно, что всё это завязано на хардкоровом вокале, создавая своеобразную идеологию и комплектность звучания. Вероятно, это может и не понравиться части меломанов, однако можно предположить, что такой музыкальный расклад SHADE OF HOPE всё равно найдет своего слушателя.
Временами гитарист включает минимально примоченную гитару, намекая на лирику или хотя бы отстраненную холодность, но тут же риффово вторгаются штормовые звуки металлического апокалипсиса. Тут уже никто не уйдет далеко \m/.
А иногда гранитное рубилово SHADE OF HOPE начинается с самого начала трэка, и тогда после продолжительного шквала музыкант будто опоминается и врубает вполне себе мелодичный внутренний соляк, который с напряжением идет по жилам (трэк «Без сна»).
В целом - это брутальная и горячая смесь плотного агонизирующего Дум-Дэта с хардкоровым вокалом.
ЕР-ишка оказалась в итоге самодостаточной... хотя в таких случаях ещё говорят: «Хорошо, но мало».
|
| |
|
|
|
|
|
| В последние годы отечественный андеграунд не перестаёт радовать. Постепенно он становится более разнообразным, самобытным и, не побоюсь этого слова, оригинальным. Пусть пока не так уж много (хотя много, впрочем, и не надо), но появляется всё больше групп и проектов с собственным лицом. Среди них сибиряки Olshanoe относятся к числу наиболее интересных и необычных. Группа развивает собственное звучание и всё время пробует что-то новое. Прошлогодний альбом «Как велик и печален мир» стал интересной и многогранной работой, открывшей новую страницу в творчестве Ольшаного. Тем более удивительно и неожиданно было получить ещё один альбом группы под самый конец уходящего 2023 года. Как оказалось, «Древний кит» это не полноформатный альбом, а компиляция. Но компиляция весьма ценная, поскольку сюда вошли композиции, написанные с 2015 по 2021 год, но так и не выпущенные, а оставшиеся лежать «про запас». Поэтому «Древний кит» станет необходимым приобретением для поклонников этих сибирских кудесников. Из ранее известных композиций здесь только «Сила жизни», да и то в совершенно новой аранжировке и с новым, более насыщенным звучанием.
Кстати, в 2021 году у Ольшаного уже выходила подобная компиляция под названием «Что ты слышишь по дороге домой?». И стилистически оба этих релиза довольно близки друг к другу. Однако материал, представленный на «Древнем ките», звучит более осмысленно и содержательно в плане музыкальной наполненности. Заявленный самой группой в описании winter synth/neofolk даёт хоть и верное, но очень обобщённое представление о музыке, которая получилась куда более насыщенной, чем обычно считается достаточным для заявленных поджанров. Ведь часто подобный стафф грешит излишним минимализмом и ведущими в никуда зачатками аранжировок. В случае с Ольшаным всё наоборот – проделана кропотливая работа над аранжировками и композицией, которые в большинстве своём имеют чёткие и завершённые структуры. Да, на первый взгляд может показаться, что это достаточно комфортная музыка для прослушивания фоном. Что ж, можно и фоном. Но стоит начать вслушиваться, как обнаруживаешь множество нюансов и полутонов. И незаметно для себя ты уже неотрывно стремишься за зыбкими видениями, которые навевает «Древний кит» из пучины эфирных грёз. На самом деле музыкальная и инструментальная наполненность здесь весьма богаты. Помимо клавиш, которые задают необходимый тон, в развитии музыкального сюжета активно участвуют перкуссия, на заднем плане то и дело всплывают «философемообразные» гитары, тут и там появляются акустика, аккордеон. Во вступлении к «Рассказу листвы о твоём детстве» даже нашлось место этническим женским песнопениям, словно эхом доносящихся из зыбкого марева далёкого прошлого. Из этого художественного многообразия живыми побегами вырастает очень поэтичная, проникновенная музыка, наполненная сказочно-атмосферным духом, грёзами ностальгии и атмосферой видений полусна. Эта хрупкая музыка свободна от шаблонов, удачно совмещая в себе экспериментальный характер и тягу к фольклору. В этом плане особенно интересен открывающий трек «Огни раннего снега», в котором гуслям на фоне эмбиента отдана ведущая роль в художественном замысле, но при этом они не звучат музейной архаикой (нечто похожее некогда играл финский Nest).
Естественно, такое многообразие было бы невозможным без хорошо проработанного и продуманного звука. Здесь музыканты постарались на славу. Звук у Ольшаного получается многогранным и пространным. Он навевает ассоциации с вечерним горизонтом, застывшим в многообразной палитре полутонов. Хотя справедливости ради всё же стоит признать, что в паре мест музыкальный сюжет излишне перегружен, отягощая этот ясный простор. Но это частности. Даже несмотря на то, что это сборник, который не имеет чёткой структуры, «Древний кит» звучит как самодостаточная работа. И вообще я не удивлюсь, если со временем появятся фэны именно такого направления творчества Ольшаного, отвергающие все блэковые начинания группы. Пусть и не без скидок, но при желании «Древний кит» можно считать релизом, равнозначным прошлогоднему полноформату «Как велик и печален мир». Думаю, со временем эта компиляция станет больше, чем просто релиз с неизданным материалом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Забавно, но я ни разу не поклонник «древнего» коллектива Flotsam and Jetsam, отсылающего нас в далекие 80-е, когда стиль трэш-метал родился, развился и в основном оформился во всех своих ипостасях. В те годы моими любимцами были Metallica, Sepultura и Slayer. Именно в такой последовательности. Мне просто хотелось записать некоторые впечатления от последнего творения F&J 2021 года под суровым названием «Blood in the Water». Но как только я попробовал оформить всё это в виде буковок и строчек и у меня случились постоянные возвраты к альбомам группы 2016 года (обозреваемый «Flotsam and Jetsam») и 2019 года («The End of Chaos»), стало ясно, что без этого переломного диска эпохи середины 10-х никуда не деться, а последний номерной пока подождет.
Чем известен сей славный коллектив? Меломаны со стажем или кто глубоко в теме помнят, что на дебютнике 1986 года у F&J на басу числился и играл некто Jason Newsted. Многие (но не я) были в восторге от второго LP группы – «No Place for Disgrace» (1988). Ну а потом, вплоть до 2014 года, путь Flotsam and Jetsam был лихорадочным и спорным, эксперименты музыкантов не приносили большого успеха, и группа постепенно скатывалась на уровень полузабытых маргиналов. Я в начале 10-х прослушал все альбомы F&J на тот период и поставил жирный крест на команде.
«Flotsam and Jetsam», одноименный названию группы, двенадцатый номерной. До него в 2014 году музыканты перезаписали и выпустили их самый успешный релиз 1988 года «No Place for Disgrace». У поклонников F&J мнения разошлись, я равнодушен… а вот диск 2016 года понравился с первого прослушивания и утвердился в моей коллекции приобретением на CD. Когда ещё только собирался осваивать сей материал, обратил внимание на одноименное название альбома и это меня настроило так, что здесь либо возврат к корням, либо какая-то поворотная точка в творчестве Flotsam and Jetsam и заявка на повышенное внимание от потенциальных слушателей. В моем случае заявка оправдалась.
Ветераны группы — это вокалист Eric 'AK' Knutson, гитарист Michael Gilbert, ну и отчасти басист Michael Spencer, который ранее играл лишь на демо в 1987 году, а с 2014 вновь встал в ряды F&J. Новички в команде - гитарист Steve Conley (известный по группе F5 и своим участием в качестве приглашенного музыканта на перезаписи «No Place for Disgrace 2014») и барабанщик Jason Bittner (Burning Human, Shadows Fall, Stigmata и т. д.) бойцы, как мы видим, опытные.
По стилистике материал альбома мне видится этаким миксом из thrash metal и power metal американской разновидности. Хотя суть ли это важно, когда при прослушивании не ждешь какой-либо песни, а наслаждаешься каждой по-своему. Этот альбом, к счастью, не постигла судьба многих типичных творений, записанных после 2000-х, когда даже работы маститых корифеев звучат пересжато, ватно, сухо и излишне по-цифровому что ли. Запись «Flotsam and Jetsam» выполнена весьма достойно. Сцена прописана грамотно, с четко видимыми границами и пересечениями всех инструментов. Плотный, округлый, хорошо читаемый бас. Spencer замечательно играет пальцами, что дает дополнительный бонус в общей фактуре звука. Порадовал ударник. Bittner отменно техничен, разнообразен и непринужденно заколачивает гвозди там, где это необходимо. Бочки звучат упруго и плотно, а рабочий чёток и выверен. Так что ритм-секция на высоте и в общем миксе выведена на первую линию звуковой атаки. Гитаристы великолепно справляются со своими партиями. И соло и риффы звучат красиво, технично и неоднообразно. Eric 'AK' Knutson не является чисто трэшевым фронтмэном, его вокал одновременно и распевный, и несколько натужный, как будто поет он из последних сил, хотя определённый шарм в такой манере присутствует. С мелодическими линиями вокалист справляется замечательно и лично для меня его голос узнаваем и индивидуален, что само по себе вещь бесценная. Еще подобная вокальная манера у меня ассоциируется с группами, играющими заокеанский power или progressive metal.
Песни здесь разнообразные, ощущения одной длинной монотонной композиции совершенно нет. В наличии свежие мелодии и риффы вкупе с индивидуальными аранжировками. Стартовый трэш-номер «Seventh Seal» энергично открывает диск и передает взрывную атмосферу очередному забойному трэку под названием «Life Is a Mess», который в свою очередь далеко не плавно перетекает в качевый и несколько грувовый «Taser», а затем в небольшое потрясение в виде этакого посвящения великой британской легенде – песню «Iron Maiden», которая написана и аранжирована чётко в стилистике «Железной девы». Отличнейший трэк. И так далее, весь материал слушается легко и непринужденно, как будто музыканты сбросили с себя весь старый негативный багаж и решили оторваться в свое удовольствие, но делая это уверенно и амбициозно.
Из старых коллективов, играющих thrash, кроме Flotsam and Jetsam в 2010-е меня также неожиданно порадовали немцы Exumer тремя замечательными полноформатниками: «Fire & Damnation» (2012), «The Raging Tides» (2016) и «Hostile Defiance» (2019).
Что касается продолжения карьеры у Flotsam and Jetsam, то в 2019 у них вышел приличный «The End of Chaos», а в 2021 году выстрелил совершенно ураганный «Blood in the Water».
|
| |
|
|
|
|
|
| Так получилось, что самая чистая и светлая музыка появлялась в очень сложное для мира время. Что же это за необъяснимый катализатор, что за магия... и именно термин "магия" тут применим лучше всего. Хотя как сказал когда-то Тони Айомми: "Может, всё дело в наркоте?".
У The Electric Prunes есть всё - группу можно считать собирательным образом рок-музыки того периода, когда The Beach Boys на золотом коне, а Чарльз Мэнсон уже подкрадывался, чтобы прогреметь со своей семьёй и внести ещё кучу изменений. Громкость и задор ранних The Kinks, вульгарность и величие Stones, мотивы от Джонни Кэша, резкость Джина Винсента, мелодии песен у костра и почти госпельные запевания.
Да, музыканты сделали полноценный микс из всего перечисленного, но проблема в том, что так в 1967 делали все вокруг и загореться новой звезде было не суждено. Безусловно, из сотен подобных коллективов есть в этих ребятах что-то богемное, что-то манящее, что-то отрешённое.
Пытаясь сделать запись сверхоригинальной, группа попыталась чересчур перенасытить композиции всеми известными на тот момент приёмами в звукозаписи. Создаётся ощущение, что слушаешь сборник каверов... но, как говорится, зато они не сделали из одной песни десять.
Есть перепады настроения, есть более грубые вещи, есть те, которые хочется назвать "жидкой размазней", но это как раз и есть главная суть альбома "Underground". Он одновременно влюбляет в себя, раздражает и удерживает. Даже обложка напоминает рекламный постер к премьере "Последнего танго в Париже". Правда, до неё ещё 5 лет было, но... как-никак дополняет звуковой образ, созданный The Electric Prunes.
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбом "One More Time..." от заслуженной панк-банды Blink-182 рекламировался, как долгожданная новая совместная работа золотого трио: Том ДеЛонг, Марк Хоппус и Трэвис Баркер. Легенда такова: Том узнал о болезни Марка, связался с ним, чтобы засвидетельствовать своё почтение и сказать слова поддержки старому корешу, после чего в течение некоторого времени чуваки многое переосмыслили и решили снова сделать музыку вместе. Ну решили и в итоге сделали, триумфально тряхнули стариной и поехали в суперкрутой тур, список городов и стран, а также количество солд-аутов в котором не может не впечатлять. Такова сила дружбы троих давних друзей, прошедших огонь, воду и медные трубы.
Однако после прослушивания мне показалось, что здесь нечто другое, гораздо менее возвышенное.
Что делали Blink-182 после второго расставания с Томом? Пригласили Мэтта Скибу из Alkaline Trio на место вокалиста/гитариста, записали крутейший альбом "California", и с тех времён у них всё было отлично, большинство комментариев на Ютубе содержат мысль о том, что с Томом конечно было бы знакомо и классно, но Мэтт внёс что-то новое, что тоже по-своему круто. Однако на следующем альбоме парни решили рискнуть и снова поискать себя, причём это была принципиальная позиция, т. к. они даже не стали выпускать отдельным альбомом целую кучу песен, написанных в период работы над "California", а выпустили делюкс-версию, где добавилось ещё столько же новых песен, сколько уже было выпущено на изначальной версии. И вот настало время второго альбома без Тома, который назвали "Nine" (хотя он вроде бы восьмой, но там сложная нумерация, есть несколько релизов, насчёт которых нет единого мнения даже среди участников группы, поэтому они решили, что восьмым альбомом может каждый посчитать тот, какой сам считает нужным, а это - девятый). "Nine" звучал странно и неестественно: смущали очень пережатый звук, куча обработки на всех инструментах и затюненный наглухо вокал, однако всё равно там были крутые песни. "Darkside", "Pin the Grenade", "Ransom", "Black Rain", "Remember to Forget Me" - эти треки включены в мой плейлист избранного от Blink-182. Тем не менее, "Nine" - это скорее новые творческие поиски, и треки сильно различаются по стилям, не очень складываясь в цельную работу, с чем в "California" было как раз всё очень хорошо (аж две части сложились). В итоге "Nine" явно был выстрелом мимо с коммерческой точки зрения, и в ситуации, когда каждым шагом группе необходимо доказывать легитимность своего существования под этой вывеской в составе с Мэттом Скибой, альбом-промах это совсем не то, что нужно группе.
Самым простым было обвинить Мэтта, мол, Том бы не допустил таких стилевых разбросов, да и вообще он мегаклассный сонграйтер. Видимо, где-то за кулисами так и решили.
Том ДеЛонг же занимался своим проектом Angels and Airwaves. Но, увы, повторить успех дебютника и "Love" (вышедшего, кстати, в 2011 году, где-то рядом с альбомом "Neighborhoods") никак не удавалось. Финальным штрихом стал провал альбома "Lifeforms", хотя, на мой взгляд, там есть прям ну очень хорошие песни, как минимум "Rebel Girl" и "Losing My Mind" точно заслуживают гораздо большего внимания, нежели они получают, если судить по количеству просмотров на Ютубе, которое чуть ли не меньше, чем количество просмотров роликов Юрия Хованского.
Видимо, где-то в период пандемии и болезни Марка и была начата работа над проектом «реюнион Blink-182», и проект этот должен был спасти финансовое положение обеих сторон. Сначала анонсировали тур, затем аккуратно выпустили клип на новую песню "Edging", посмотрели на восторженную реакцию олдов, и таки было решено делать альбом без сильного отрыва от получения жирнющих доходов с огромных шоу в туре (и нет, тур бы никак не пострадал, если бы новой музыки вообще в нём не было).
На этом месте по идее нужно начать говорить непосредственно про новые песни. Но про них, к сожалению, особо нечего сказать. "One More Time..." напоминает пластинку «13» от Black Sabbath: точно такие же кальки со старых хитов с прицелом на старых поклонников, и задача нового альбома это по большому счёту раскрутка реюнион-тура, а реюнион-тур Blink-182 по своим масштабам не сильно меньше, чем туры Metallica или Guns n’ Roses. Песни настолько самоплагиатны, что открывашкой здесь служит третья часть "Anthem", похожая на вторую практически как брат-близнец. Заглавная песня не только похожа на "I Miss You", но в ней даже есть строчка «I miss you», хотя трогательный клип, признаюсь, заставил моё сердечко олда биться чаще, так что здесь задумка с повторением фонов из всех прошлых клипов сработала на отлично. Правда, фоны из "Bored to Death" и "Darkside" не появились, ну да ладно, зато в туре исполняются "Bored to Death" и "Cynical", что означает всё же не полное исключение Мэтта из истории группы.
Наверное, могу отметить только "Edging" и "Dance with Me" - действительно мощные вещи, и они не сделаны на основе каких-либо старых песен, звучат свежо и задорно. В общем-то, на концертах они обе чуть ли ни с дебютного исполнения встали в один ряд с хитами уровня "Dammit", что подтверждает: парни ещё как могут сочинять отличнейшие композиции.
Но всё остальное в альбоме это езда на ностальгии и на старых идеях: это постоянные мысли о том, что раньше мы были моложе, воспоминания о том, как было здорово 20 лет назад, размышления о том, что они братья, которые становятся чужаками и наоборот. Следуя концепции ностальгии подняли даже отбракованный трек Box Car Racer.
Что интересно, по звучанию это тот же "Nine", то же сумасшедшее количество компрессии и ещё больше авто-тюна. Если раньше слушатели часто жаловались, что голоса Мэтта и Марка трудно различить (местами это действительно так, у них правда похожи тембры), то теперь из-за затюненных донельзя вокальных партий не всегда понятно даже, поёт Том или Марк.
В целом альбом слушать просто скучно, это попытка 50-летних мужиков в коммерческих целях обмануть самих себя и сделать вид, будто они всё ещё те самые молодые ребятки, какими они были во времена "Enema of the State".
И в ещё больший диссонанс "One More Time..." входит с попытками «взрослеть», создавая проекты Box Car Racer, +44, Angels and Airwaves, ну и записывая под вывеской Blink-182 альбомы вроде безымянника и "Neighborhoods". То есть «взросление», ввиду своей недостаточной коммерческой состоятельности, решили перевести в «сиськи-письки», сделать вид, что «взросление» - просто некая ошибка в процессе творческих поисков. Что ж, тур отлично продаётся, цель выполнена. Теперь осталось посмотреть, насколько хватит спейс-рокера Тома ДеЛонга в этот раз, и будет ли реюнион с Мэттом Скибой. Больше никаких интересов новая работа не вызывает, она скучна, совершенно вторична и высосана из пальца. Для любителей старых Blink-182 всё ещё есть 4 первых альбома, а для любителей «повзрослевших» блинков есть безымянник и две работы с Мэттом, ну и конечно же уже довольно обширная дискография AVA. Странно и грустно наблюдать, как кумиры молодости превращаются в ретро-группу, и вот очередной коллектив совершил свою трансформацию.
|
| |
|
|
|
|
|
| Еще с десяток лет назад покажи такую обложку - так уверенные пользователи компакт-дисков (и не только) сказали бы: «Да это издание Nuclear Blast Records!» И в самом деле, были такие времена, что лэйбл NBR прямо увлекался синими обложками!
И кстати, я так полагаю, контент EMERALD WOODS на диске 2023-го года под космическим названием «Distant Stars» в принципе соответствует некоторым концепциям лейбла Nuclear Blast с вот такими тэгами #blackmetal #deathmetal #melodicmetal #symphonicmetal.
Если короче и конкретнее - Melodic Death Black Metal - таков подстиль, который некоторым стилям даст фору по количеству приверженцев в майках Dimmu Borgir.
EMERALD WOODS, как я понял, увлекается межзвездными темами, и это, в принципе, самая такая мертвотрепещущая тема со времен выхода первого фильма «Predator». Музыкантам тут есть куда разворачиваться, и они обычно дают волю спецэффектам (иногда забывая, зачем они собрались - а это даже бывает на пользу).
Однако EMERALD WOODS твердо знают, что они собрались делать музыку. И самое ГЛАВНОЕ - они умеют.
Умеют в неоклассику, погружаются в мрачные космические пространства с гитарами и клавишными инструментами наперевес. Что заметил - неоклассические партии достойно введены под металлические крыши, а не болтаются в виде балконов на суровом музыкальном ветру. В противовес некоторым коллегам, которые застропалят для начала торжественно-эпическую оркестровку, а потом принимаются рубить Death Black Metal.
EMERALD WOODS может делать неоклассику — например, целый трэк, решенный приемами металлической музыки. И это, скажу вам по секрету, один из фирменных приемов создания СВОЕЙ аутентичной музыки этой незаурядной группой.
Вот что загадочно, почему-то в этой рецензии пока не указан тэг #MelodicDoomBlackMetal, один из самых драматичных подстилей экстремального жанра. А в этом направлении команда двигается целеустремленно и творчески. И достаточно часто. Уверен, что слушателей (не только обязательно фэнов) данного подстиля немало. Да и честно говоря, не так уж много такой музыки попадается в последнее время.
Всё ждал и думал; а будет ли на диске нечто ТЕРИОНо-образное? Да, есть такое - к тому же напополам с дУхами и вдохновением от мастеров английской сцены Bal-Sagoth. Трэк «End Of The Cycle» неудержимо рвется к ТЕРИОНовской подаче. Однако ж не повторяя ни мелодических ходов, ни даже аранжировок. Просто очень круто музыканты EMERALD WOODS сработали в стиле Symphonic Metal.
Пройдя далеко за эпицентр этого диска, замечаешь еще такую вещь, музыкальные композиции словно живые перетекают одна в другую, дышат и даже попыхивают клубами ядовитого дыма-угара в виде экстрим-вокалов - низкого харша, изощренного скрима...
По саунду скажу (как неоднократно уже отмечал): в России давно уже есть нормальные саунд-продюсеры, которые нарулят качественный и кайфовый звук, например, как у EMERALD WOODS, - объемный, чистый, хрустально прозрачный, если иметь в виду взаимодействие разных инструментов со схожей частотной характеристикой, притом массивный и динамичный. Работают профи.
P. S. Трек #9 "Space and Stars" является творческой переработкой. Группа уточняет, что автором оригинальной песни является Василий Шестовец, и версия выполнена с его согласия.
|
| |
|
|
|
|
|
| Прежде чем сказать о последнем (вероятно, во всех смыслах) альбоме Dokken, хочется заметить, что в принципе трудно оценивать творчество этой группы после 1999 года и "Erase The Slate" - действительно уникального во всех отношениях альбома, который сумел вплести в себя старую энергетику команды, внести живое звучание того времени и в последний раз во всей полноте раскрыть вокальный диапазон Дона Доккена.
То, что было дальше, оценивать крайне трудно, ибо объективно говоря, по разного рода причинам следующим релизам поставить однозначно высокую оценку я, как фэн с почти 20-летним стажем, не смог. Если не брать в расчет уже поломанный голос Дона, то, конечно, здесь можно выделить альбом "Lightning Strikes Again", в который также была вложена колоссальная энергетика и драйв. Это действительно последний аккорд былых 80-х.
"Long Way Home" оказался весьма пустоват и простоват, если не считать невероятного до дрожи боевика "Sunless Days". Ну и да, с этого альбома Дон ввел привычку давать заглавные названия пластинкам по своим старым песням.
"Hell To Pay" оказался более продуман технически и вокально, но, к сожалению, именно здесь началось жевание соплей. Мрачный звук с примесью восточной эстетики, которая вылилась в звенящие и острые гитарные риффы. Местами Дон будет раз за разом повторять этот звуковой прием в последующих релизах до сего дня.
Ну и "Broken Bones", который показался одной большой стекающей с потолка соплёй. Здесь команда окончательно увязла в среднетемповых композициях и нытье Дона о несчастной любви/жизни/мире/жвачке.
Поклонники творчества, включая меня, следующие 10 лет слушали бесконечные обещания Дона и Ко выпустить альбом "в следующем году"... потом ещё раз, и ещё раз, пока многие не потеряли надежду на то, что вообще хоть что-нибудь когда-нибудь выйдет. А голос Дона тем временем стремительно угасал, разрушался и деградировал, тем самым ещё более усиливая неприятные предчувствия. Да, в это время выходили какие-то би-сайды, сборники, но люди безусловно ждали чего-то большего, так часто и много обещанного в интервью.
И вот в 2023, осенью, с людьми случился "Fugitive". И это было действительно круто! Настолько, что я заслушал этот трек до дыр. А дальше нас резко спустили на землю, точь-в-точь как в названии пластинки-героя данной рецензии, "Heaven Comes Down". Перед самым релизом крылья от головокружительного "Fugitive" были окончательно срезаны и упакованы с синглом "Over The Mountain". Приятная мажористая композиция в дорогу, но я ждал совершенно иного.
Ну и вот настало время выхода диска. Первое мое впечатление от услышанного материала было такое, как если бы я пошел на высокобюджетный блокбастер, которого ждал много лет, а он закончился бы через полчаса, да ещё без концовки и титров.
Да, конечно, весь антураж альбома, тема с пустыней, фениксом и "Santa Fe" в финале, говорят нам о том, что таки да, Дон похоже решил повеситься... тьфу, повесить перчатки на гвоздь и уйти в закат с гордо поднятой головой. Но всё же я абсолютно не понимаю восторгов тех, кто говорит (особенно в среде западных музыкальных критиков), что это вот да - то, чего мы так долго ждали. Действительно, с учётом голосовых возможностей Дона, могло получиться и хуже, потому положение вызвался спасать "линчезаменитель" Джон Левин. Везде: до куплета/после куплета, до припева/после припева, везде, везде мы слышим его соло, которые словно призваны нас отвлечь от мысли, что что-то здесь не то и не так. Они словно маскируют "голого короля".
Никто уже давно не просит Дона петь новые треки вживую, чтобы совсем не охрипнуть в конец, но есть же студия, где для такой цели можно и нужно бы надорвать связки. Так почему же нельзя было разбавить материал хоть парочкой боевиков уровня "Fugitive"? Понимаете, материал местами настолько медленный, тягучий и балладный, что это уже не аморфная сопля с "Broken Bones", это настоящий, мать её, застывший в движении кусок металлической апатии.
И самым страшным для меня как фэна фактом стало то, что большую часть песен первое время я не хотел снова включать на плэй. Безусловно, через неделю на многие треки я посмотрел по-другому и конечно, возможно через месяцы и годы эта пластинка станет для меня родной, но нет здесь, знаете ли, какой-то вирусности, желания вновь и вновь переслушивать материал. Хотя надо сказать, что "Heaven Comes Down" весьма мажорен и не вызывает такого уныния, как тот же "Broken Bones".
Про "Fugitive" я повторяться не стану, увы, он стоит особняком среди прочего.
"Just Like A Rose" получилась весьма недурной композицией, с какой-то, я бы даже сказал, стадионностью в середине, качественной и простой любовной лирикой, очень бодро, дорого и богато. Хотя, опять же, это не боевик.
"Saving Grace" главное украшение пластинки из того, что нашел далее. Ставший уже привычным, мистический среднетемповый объемный звук с хоть и простым, но цепляющим припевом об утраченной благодати и экзистенциальном кризисе.
"Lost In You" вышла с явным закосом под Iron Maiden в гитарном проигрыше, но с очередным нытьем в припеве. В целом, если отбросить недостатки, хороший трек.
Обещанная супер-пупер баллада "I'll Never Give Up" вызывает двоякое чувство. Да, красивый куплет, но припев на любителя. Соглашусь, что здесь всё весьма субъективно и нужно поймать настроение. Например, через неделю я его вроде бы уловил, но первый раз очень плевался.
"Santa Fe" отлично бы смотрелась на сольнике Дона, "Solitary".
Остальные треки, эх, что сказать... Не жарко и не холодно. Есть какое-то настроение от "Broken Bones" в "Is It Me Or You?", но хвалить особо не стану. Про "Over The Mountain" писал выше. Трек "I Remember" о том, как хорошо было раньше, сопелька стекла по старому лицу Дона и на том спасибо.
В целом при первом прослушивании - полная, кромешная скука. Возможно, те 4-5 треков, о которых говорил Дон и которые не вошли в альбом, могли бы изменить ситуацию, но пока что мы их услышать возможности не имеем. Кто знает, может именно их и не хватало на пластинке для хоть какого-то вдумчивого настроения.
Для меня лично, спустя неделю попыток понять и вслушаться в новый (и, вероятно, последний) альбом любимой мной группы, вырисовалась общая картина услышанного, настроение которой, как эпилог, я попытаюсь передать вот какой метафорой.
Взял, значится, в 2023-м Донни микрофон, как в свои лихие и волосатые 80-е, чтобы показать нам (и себе тоже), что Доккен живы и ещё ого-го, сказав: "Ребята, сейчас вы услышите нечто такое, что держитесь покрепче, спою вам напоследок мощно-мощно, потом да, не забудьте это купить, а лучше заранее заплатите, не слушая". Так запел Донни в первом треке, заорал, закряхтел, захрипел, что внезапно потянул свою больную спину и сел, простите, на жопу. Запись продолжилась, но годы уже не те, потому всё, что осталось эхом от 9 дальнейших песен, это скрип от несмазанного колеса пост-творчества команды эпохи конца 90-х/начала нулевых и соло Джона Левина.
На этом у меня всё, спасибо за внимание.
P. S. Альбом "Heaven Comes Down" слушать, конечно же, можно и, вероятно, нужно, ибо наш любимый старина Дон действительно старался и, несмотря на годы, выдал в целом неплохой материал, который полюбить с первого раза весьма сложно, для этого необходимо тщательно его пережевать и запить чем покрепче. Другое дело, что ждать такое целых 11 лет явно того не стоило.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нет ничего удивительного в том, что в 2021-м году, спустя 11 лет творческого застоя, Dark the Suns смогли выпустить чуть ли не лучший свой альбом. Удивительно другое: «Raven and the Nightsky», выпущенный всего через два года после «Suru Raivosi Sydämeni Pimeydessä», качественно не то что не уступает предшественнику, а местами и вовсе его превосходит.
Но обо всём по порядку.
Впечатление первое — Dark the Suns узнаваемы и верны себе. Немногословны, но стабильно печальны. Более того, я бы сказал, что здесь в этом плане они даже более традиционны, чем 2 года назад, но...
Впечатление второе — Dark the Suns серьёзно замедлились, если не сказать «задумились». Жертвой подобного шага пали грувисто-трэшевые боевики, вроде "The Seeker" и "Suru Raivosi Sydämeni Pimeydessä". Факт грустный, но не настолько, чтобы посыпать голову пеплом, ибо подобный ход в 21-м хоть и был хорош, но явно не был ожидаем и уж тем более не был типичен. Потеря заметная, но не тяжёлая.
Этим объясняются также некоторые косметические изменения, точнее, одно конкретное: звук гитар лишился «кирпичности» и насытился рыхлостью. Если говорить художественным языком, то зимний мороз здесь сменился весенней слякотью. Откровенной грязи, какая была представлена на «Sleepwalking in a Nightmare», тут, слава Богу, нет, но безболезненно этот шаг не прошёл. Классические для группы темы, вроде "Phoenix", цепляемость которых зависит, в том числе и от подачи, звучат слишком размыто для своего формата, для которого важны как простота, так и чёткость. И ведь этот трек ещё вполне удачен, а вот какой-нибудь "Adamantine" в таком виде слушать нет никакого желания.
Так стоила ли игра свеч? Склонен ответить утвердительно. Всё-таки специфическое звучание пусть и повлияло на восприятие интенсивных песен, но отнюдь не похоронило их, а «придумлённые» композиции от этого даже выиграли, в том числе за счёт полезной для них раскатистости, которую было бы сложно достичь с тем строго очерченным звуком, что был 2 года назад.
Собственно, именно подобного рода треки и тянут на себе альбом, пусть даже по внешним признакам этого не скажешь. Более того, берём два ярких примера «думового смещения», "Kun Aallot Kallioihin Murtuu" и "Shadows Upon the Broken Hearts", и сравниваем — да они же почти близнецы-братья! Различия станут заметны, только если их совсем лбами столкнуть и подобного рода мухлёж группе мог дорого обойтись, но это если судить с позиции холодного рассудка и логики, что в отношении Dark the Suns... ну необязательно, прямо скажем. А вот на эмоциональном уровне обе вещи работают обособленно, прямолинейно, но довольно-таки беспощадно - нетипично для группы, которой, при всей её открытости, всегда была присуща некоторая поверхностность, уплощённость (если не сказать стереотипность) эмоций. Но при прослушивании той же "Kun Aallot Kallioihin Murtuu" так и хочется, следуя названию песни, стать волной — и разбиться ею о прибрежные скалы.
И ведь названные композиции — это всего лишь два гвоздя в гроб того скепсиса, который у меня, несмотря на всю симпатию, всегда незримо присутствовал в отношении финнов. А ведь есть и третий - «In Mist of the Night», аккуратный оммаж Shape of Despair, позволяющий заколотить этот гроб наглухо и похоронить его в мёрзлой земле.
Глубина — это то, что выгодно отличает «Raven and the Nightsky» от своих предшественников и то, чего лично мне так не хватало даже на плотнейшем «Suru Raivosi Sydämeni Pimeydessä». Вы помните моё нытьё про то, что музыка Dark the Suns всегда, даже при успешных внешних характеристиках, практически не оставляла послевкусия? Что ж, похоже, что этой проблеме теперь нет места. Я не знаю, что стало лекарством от этой болезни: чисто физический аспект, то есть то самое «задумление» материала, или же просто Микко с Инкой наконец-то вложили в сочинение больше ДУШИ, но результат мне нравится и не хочу, чтобы это было похерено впоследствии.
Расшаркиваясь перед внезапно открывшейся способностью финнов писать медленно и красиво не только один раз за альбом («Hope in Our Hands» мною не забыта, нет), нельзя забывать и про более классическую сторону Dark the Suns. А тут тоже есть, чем поживиться. Например:
1) "Aurora", которая тащит за милую душу везде, кроме нелепо исполненного припева;
2) "Raven", где случился дебют чистого мужского вокала за авторством Пааво Лаапотти, который в этом году также отметился на реюньон-альбоме Before the Dawn. Скажу честно — одна эта песня чуть ли не лучше всего «Stormbringers». По крайней мере, там бы она точно была звездой вечера, тогда как здесь она полезна скорее стратегически;
3) уже отмеченная выше "Phoenix" — симпатично, прилипуче и максимально форматно. Песня, имеющая все шансы стать очередной визитной карточкой группы, пусть и не в первых рядах (лидирующие позиции "The Sleeping Beauty", "Away" и "Shadows in the Void" незыблемы).
Песни с 7-ю по 9-ю слушаю единым блоком и несмотря на видимую звуковую монолитность (особенно за счёт наибольшей за весь альбом ответственности клавиш), эта троица успешно сочетает в себе как современный лик группы, так и вайбы «In Darkness Comes Beauty», по которому не грех было и соскучиться, так как на прошлом альбоме финны были заняты проработкой других, новых для себя звуковых аспектов и в сторону прошлого смотрели не очень охотно.
Ещё одно наблюдение. Помнится, в рецензии на полноформат «Severance» шведов Mist of Misery я отметил схожесть определённых моментов звучания с нашими сегодняшними героями. Слушая «Raven and the Nightsky» я ощущаю ровно то же самое, только уже как бы «в ответку». Особенно это заметно в середине "Aurora" и на "Swans of the Frozen Waters". Понятное дело, что никакого умысла обе группы в это не вкладывали и это всего лишь игра моего воображения, но подмечать такие ньюансики всегда приятно. Пусть это и имеет значение только для меня одного, да и решительного влияния на диск не оказывает.
А оно и не должно, так и без подобного рода костылей «Raven and the Nightsky» стал если уж не альбомом года, то в топ оного вошёл прочно. Можно, конечно, сказать, что подобный результат есть следствие того, что сам по себе год вышел унылым (а это очень близко к правде) и нет ничего удивительного в том, что успеха добились особо звёзд с неба не срывавшие Dark the Suns, но обесценивать их работу я не хочу. Тем более, что и в более урожайном 21-м они тоже не затерялись.
|
| |
|
|
|
|
|
| После распада Children of Bodom все бывшие участники группы сконцентрировались на своих сольных проектах, в том числе и Янне Вирман. Из-за трагических событий потенциального реюниона CoB не случилось, и по итогу Warmen, сольный проект клавишника группы, остался единственным продолжателем их творчества. И вот, спустя 4 года после распада Bodom, Вармен выдаёт на свет новый альбом. Сумел ли опытный дэт-металлист и его команда сваять что-то интересное не только для фанатов CoB, но и для обычного слушателя?
В самом начале слушателя может привлечь качественная обложка, которая смотрится одновременно и свежо, и агрессивно. Внутри его ожидают десять треков со стандартной длиной в три-четыре минуты.
Как оказалось, по начинке альбом во всём стандартный. На диске рубятся стандартные для Children of Bodom песни, играются стандартные риффы, стандартные ритмы, стандартный вокал, стандартные соляки, стандартные мелодии, и т. д., и т. п. Релиз по своей изобретательности стремится к нулю, и соответственно идёт по уже давно проторенной дороге. Конечно, хорошая музыка вовсе не обязательно должна быть революционной, но если бы не вокал Петри Линдрооса, известного по своей работе в Norther и Ensiferum (который тоже стандартный), я бы не отличил Warmen от CoB, а как мне кажется, важно иметь собственное лицо и звучание. Объяснений этому могут быть два: либо Вармен захотел занять пустующую нишу «бодомского» мелодик-дэта (что, скорее всего, правда), либо он просто не умеет/разучился сочинять что-то новое (что вряд ли, так как его предыдущие сольные релизы демонстрировали противоположное). Отмечу сильно прилизанный гитарный звук, который не вызывает отвала башки и который, опять же, стандартен для 2023 года. В общем, альбом - продолжение "I Worship Chaos" под иной вывеской.
Материал на "Here For None" всё же получше последних релизов CoB. Местечковые хиты "Warmen Are Here For None", "The End Of The Line" и "Hell On Four Wheels" быстро въедаются в память и так же быстро выветриваются из неё. Не обошлось, конечно, и без филлеров, которые своей серостью прикрывают некоторые удачные синтезаторные мелодии (которых, к слову, мне показалось мало) и забойные риффцы. Впрочем, ничего нового.
Итого альбом является типичным современным мдм-релизом со стандартными песнями, стандартным звучанием и стандартными фишками. Фанаты Children of Bodom могут ознакомиться с данным релизом, но ничего нового или экстраординарного ждать не стоит. Остальным "Here For None" тоже можно прослушать, но если вы его пропустили, то вы особо ничего и не упустили.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.